REVUE CULTURELLE

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ARTEMISIA, pouvoir, gloire et passion d’une femme peintre

Ce sont ces peaux pâles où la lumière créé des ombres franches et douces, des clairs-obscurs, ces nus, ces fouillis de cotonnade blanche, ces imposants bouillonnés de velours lourds bleu intense, ocre ou rouge sombre, ces turbans et châles brodés d’or qui attirent en premier le regard et puis il y a cette saisissante violence des scènes bibliques ou autres portraits qui dévoilent une autobiographie et des autoportraits si peu dissimulés. On y voit de la rage, de la furie, de la vengeance et du sang qui coule et souille le tissu des splendides robes des criminelles…
Partout ce regard dur et ce visage, ce corps, les mêmes, sur toutes les toiles, ceux d’Artemisia, son propre modèle. Première femme peintre reconnue dans ce 17e siècle où l’art appartient uniquement aux hommes, tel son père, Orazio Gentileschi (1563-1639) reconnu comme un grand peintre de cette époque par Le Caravage lui-même.

Artemisia, aînée d’une fratrie de 6 enfants, est née en 1593, un temps où les femmes n’avaient aucun droit, même pas celui de sortir dehors. Douée, très douée pour les arts, elle fut formée par son père à toutes les étapes de la création d’une œuvre picturale, en cachette, dans les hauteurs de l’atelier entre la piazza del Popolo et la piazza di Spagna. Au début de sa carrière, Artemisia, bien qu’adulée en son temps, fut bien plus connue du grand public par le roman de sa vie que par son art pourtant si affirmé (histoire du procès de son viol par le collaborateur de son père Agostino Tassi, publié en 1876 par Bertolotti qui la réintègre dans l’histoire de l’art après des siècles d’oubli).

Dès son arrivée à Florence en 1613, au bras de son époux, le peintre Pierantonio Stiattesi dont elle aura plusieurs enfants et libérée de la tutelle de son père, du haut de ses 20 ans, le charme de la jeunesse, le talent et son histoire dans ses bagages, elle connaîtra un succès immédiat, protégée de la cour de Cosme II de Médicis. Elle peignait comme les plus grands maîtres florentins. Elle gagnera définitivement son indépendance de femme et d’artiste lorsqu’elle fut admise à l’Accademia del Disegno en 1616, où elle rencontra Galilée et se lia d’amitié avec le grand physicien. Elle a su aussi s’entourer du dramaturge Michelangelo Buonarroti (petit neveu de Michel-Ange) et en 1622 du peintre français Simon Vouet. Elle fréquenta alors musiciens et peintres et parfit sa culture auprès des plus grands. Artemisia va voyager entre Florence, Rome, Venise, Londres et Naples, au grès de ses amours, des commandes et des dettes qu’elle fuyait. D’autres femmes peintres exerçaient à l’époque l’art de la nature morte ou du portrait, mais la rage de vivre d’Artemisia en fit la seule qui peignit des nus, des scènes bibliques alors réservées aux hommes, elle s’affirma dans la première toile signée de son nom « Suzanne et les vieillards » (1610) et s’attaqua plus tard aux héroïnes de l’histoire antique, des résistantes à la condition des femmes.

C’est vraiment dans ces œuvres fortes et d’une esthétique unique, qu’elle fut considérée comme la première femme peintre expliquent Roberto Contini et Francesco Solinas les deux commissaires de cette première rétrospective des œuvres d’Artemisia à Paris. Dans le parcours proposé, certains sujets sont déclinés plusieurs fois à différents moments et l’on y distingue l’œuvre maîtresse des autres tout aussi intenses, comme « Suzanne et les vieillards » ou « Bethsabée au bain » (1640-1645). La délicatesse des portraits, « autoportrait au luth » (1615-1619), « Sainte Cécile » (1610-1612), « Sibylle » (1608-1609), « portrait de religieuse » (1613-1618) ou ses allégories « Muse de la peinture » (1635), « l’allégorie de la renommée » (1630-1635) n’en sont pas moins faits de grâce et de volonté. Certaines toiles ne lui furent pas attribuées, explique Alexandra Lapierre, écrivaine, parce qu’on les disait trop belles pour être celles d’une femme… Pendant quarante ans, cette femme cultivée, ambitieuse, intelligente et déterminée à ÊTRE ce pour quoi elle savait qu’elle était destinée, va peindre, peindre et encore peindre. On perd la trace d’Artemisia autour de 1654. On suppose qu’elle meurt âgée de 61 ans en 1656 pendant l’épidémie de peste. Elle est enterrée à l’église San Giovanni dei Fiorentini à Naples.
Bien que des collectionneurs privés, comme Don Antonio Ruffo, achetèrent nombre de ses toiles, il faudra attendre 1883, la réédition des archives du procès de Tassi, pour qu’Artemisia soit de nouveau perçue comme une grande artiste dans le monde de l’art. Mais c’est véritablement dans les années 1960/1970 que sa peinture est regardée plus attentivement comme une œuvre militante et qu’à travers la supériorité de son art elle a fait triompher LA FEMME.
Sur les trente six lettres inédites écrites par Artemisia entre 1618 et 1620, que Francesco Solinas a découvertes, cinq sont exposées à Paris et confirment que cette femme d’affaires était aussi une amoureuse passionnée.
« Si j’avais été un homme, je doute que cela se serait passé de la sorte…», se plaignait-elle souvent…

C’est jusqu’au 15 juillet 2012, au musée Maillol-Fondation Dina Vierny, que sont exposées les toiles de la période napolitaine de cette femme d’exception que fut cette artiste italienne du 17e siècle : Artemisia.

Eivlys Toneg
 

Quoi de plus naturel que de rendre un hommage à Berthe Morisot au musée Marmottan, lieu qui abrite tant de ses peintures léguées par la famille du peintre ?
Cette exposition jette un nouveau regard sur celle qui fut trop souvent occultée par les figures de proue de la peinture de cette fin du XIX° siècle que furent Manet, Degas, ou encore Renoir. Et c'est avec le regard porté par Berthe Morisot sur elle-même que nous pouvons commencer la visite. Cette admirable représentation date de 1885, le peintre a alors 44 ans, et il ne lui reste plus que dix ans à vivre. Le visage est assuré, à peine marqué par les années depuis le fameux tableau que Manet lui avait consacré et qui est également présent à quelques mètres de là. Le corps est droit, le regard noir, toujours aussi perçant, qu'un foulard sombre vient renforcer. La représentation n'est pas idéalisée : Berthe Morisot se voit avant tout comme un peintre, tout dans sa tenue, ses vêtements et dans son corps manifeste ce seul désir. Nous ne savons pas si le léger sourire, à peine esquissé sur ses lèvres, s'adresse à elle-même par distance, ou bien à son art.

Berthe Morisot, Autoportrait, 1885 - Huile sur toile - 61 x 50

- Musée Marmottan Monet, Paris - © Musée Marmottan Monet, Paris / Bridgeman Art / Presse

L’influence de l'impressionnisme est déjà bien présente dans de nombreuses œuvres ayant pour thème l'enfance. Le visiteur sera certainement troublé par ce "Cerisier" peint en 1891 où les lignes des arbres se mettent à fuir sous l'effet de la cueillette. La lumière abonde, les vêtements cotonneux se fondent dans le végétal, retrouvant ainsi leur état initial. Nous avons presque le sentiment d'être déjà au XX siècle...

Mais ce sont surtout des toiles comme celle intitulée "sur le lac du bois de Boulogne" qui emporteront conviction : une femme et une jeune fille sont assises dans une barque sur le fameux lac enchantant encore les Parisiens. Deux cygnes et des canards s'approchent de l'embarcation. Au-delà, la surface de l'eau subit une métamorphose incroyable qui n'est pas sans rappeler ce que fera Monet, des années plus tard à Giverny. L'onde est traitée par touches successives à un tel point qu'un canard n'y retrouverait pas son petit ! Et pourtant la magie gagne, l'effet rendu est audacieux, nous sommes en plein Impressionnisme. Il faudrait encore s'attarder sur ces meules peintes en plein champs, ces jours d'été vaporeux où seules quelques impressions nourrissent la toile...

Berthe Morisot, Sur le lac du bois de Boulogne, 1884 - Huile sur toile - 55 x 43

- collection particulière © Christian Baraja, studio SLB

Nous quittons définitivement le XIX siècle avec cette œuvre peinte par Berthe Morisot, alors même que l'artiste ne connaîtra pas le siècle nouveau. Sa peinture manifeste une véritable relecture des formes et des lignes, annonciatrice des grandes mutations à venir dans l'univers pictural du XX siècle.
 

Bergère nue couchée, 1891 Huile sur toile, Carmen Thyssen-Bornemisza, Madrid, en prêt au musée Thyssen-Bornemisza © Carmen Thyssen-Bornemisza Collection, on loan at the Thyssen-Bornemisza Museum

Catalogue de l'exposition Berthe Morisot 1841-1895, HAZAN éditions, 2012.

Ces soixante peintures et cette trentaine de dessins proposent ainsi d’entrer dans l’intimité du peintre quant à sa perception du monde. Le visiteur pourra alors percevoir cette « explication » du monde pour reprendre le poème d’Aragon, dimension que seuls le poète, le musicien, le danseur ou encore le sculpteur atteignent parfois dans le génie de leurs créations.
 

Arrêtons-nous devant ces Capucines à la danse dans leur version I et II dans lesquelles Matisse entrelace dans une farandole d’une légèreté aérienne le mouvement des corps en écho avec celui des fleurs au centre du tableau. La nature suggère l’imitation de la danse à moins qu’elle ne se plaise à imiter les hommes dans leur légèreté… Les éléments rigides du mobilier ne sont là que pour mieux souligner le caractère éthéré de la ronde. Ainsi, grâce à ce choix particulièrement éclairé des œuvres du peintre, nous pouvons déambuler à travers les différentes salles comme dans une invitation à la danse initiée par le peintre, entre esquisses et tableaux achevés !

Capucines à La Danse I      Capucines à La Danse II
Issy-les-Moulineaux, printemps-début été 1912 Issy-les-Moulineaux, printemps-début été 1912
Huile sur toile  Huile sur toile
191,8 × 115,3 cm  190,5 × 114 cm
The Metropolitan Museum of Art, New York  Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou
Legs de Scofield Thayer, 1982  Ancienne collection Serguei Chtchoukine

La pluie

exposition au musée du quai Branly

C’est l’occasion de montrer des vêtements de pluie et accessoires parfois très sophistiqués et qui prouvent une connaissance des matériaux naturels et d’un savoir-faire ancestral dans la réalisation de ces protections (notons par exemple un « K-Way » esquimau en intestins de phoque). Tous les rituels autour de la venue de la pluie démontrent sa nécessité vitale, mais aussi de l’importance d’en favoriser et d’en contrôler sa venue. La pluie fertilise la terre pour de bonnes récoltes et nourrir les peuple, de même symboliquement elle fertilise aussi le ventre de la femme, elle est donc associée à la fécondité et on trouvera des rituels communs pour ces deux attributions. Tous ces rites et cérémonies soulignent l’importance des liens qui unissent les hommes à leurs divinités (système de croyances animiste) et leur place dans l’environnement, conscients que sans cet équilibre naturel, ils ne sont rien, et même en sont les jouets. Faire venir la pluie, par l’intermédiaire de danses, de mascarades, de chants, de transes, de musiques (extraits de films de Jean Rouch sur des rituels de la pluie en Afrique), d’expositions de figurines et sculptures, vecteurs des liens entre les hommes et le réel pouvoir que la nature à sur eux, stimulent la production de créations artisanales d’objets essentiellement consacrés à la pluie depuis la plus lointaine des civilisations. La venue de cette pluie si souhaitée, vénérée, idéalisée et parfois maudite s’est intégrée dans un système de pensée cosmogonique (qui est relatif aux récits mythiques de la formation de l’univers) et a entraîné une symbolique forte liée à la pluie, comme l’arc-en-ciel en tant que lien entre l’inframonde et le supramonde, des représentations d’animaux (essentiellement des batraciens et reptiles) liés à l’humidité et à la saison des pluies : «Il pleut, il mouille, c’est la fête à la grenouille, il fait pas beau, c’est la fête aux escargots ! ». On retrouvera leurs effigies sur des tissus des indiens d’Amérique, des bijoux, amulettes, instruments de musique et autres objets de culte. Dans toutes ces cultures il est nécessaire de concilier avec les divinités, les entités supérieures représentées dans les mythes et conceptions du monde liés à la pluie, ce qu’illustrent les peintures sur écorces des aborigènes de la terre d’Arhem en Australie visant à maintenir l’équilibre entre des forces naturelles identifiées ou non, équilibre tout simplement garant de la survie des hommes.
Que penser de notre avenir, hommes du XXIe siècle, sur cette planète écologiquement en perdition après ce « voyage au bout de la pluie » ? Toute réflexion reste ouverte.

Livre cartonné portant la mention manuscrite "Album d'Hokusai".

Japon © musée du quai Branly, photo Claude Germain

Un astucieux livret-jeux en direction des plus jeunes visiteurs est à disposition en début de parcours.
Vous trouverez toutes les informations pratiques sur le site www.quaibranly.fr
Hors-série Beaux-Arts 44 pages

Pour l'amour de l'art, Artistes et amateurs français à Rome au XVIIIe siècle
musée des beaux-arts du Canada - musée des beaux-arts de Caen

N’allons pas croire que cette Rome fantasmée était occasion de Bohême ! L’académisme y a droit de cité et les dessins d’une rigueur technique irréprochable sous l’égide de l’Académie de France sont là pour le prouver. Il s’agira de faire ses preuves en copiant les Anciens et l’anatomie n’est pas une option libre en ces temps-là. Mais l’attraction des mythes et de l’imaginaire semblent une fatalité en ces lieux et les peintres les plus aguerris cèderont vite à leurs charmes. Nous avons cité Hubert Robert, prenons également quelques instants pour nous arrêter devant ce Parc romain avec une fontaine, peint en 1774 par Fragonard. Deux grands arbres, des ifs probablement, font figure d’esprit titulaire des lieux. Ils enserrent un sarcophage, ce qui renforce la première impression. Immédiatement le regard se porte sur ces colonnes qui dominent une terrasse bordée de balustrades. Dans ce décor, à la fois atemporel et en même temps animé d’un souffle immémorial, de tout petits individus semblent presque saugrenus, perdus dans cette immensité qui les dépasse. Voilà, un bel exemple de l’imaginaire de ces artistes du XVIII° siècle, épris d’Histoire, nourris de mythe et en même temps amoureux de la vie qu’ils soulignent de leurs traits inspirés !

Philippe-Emmanuel Krautter

Hubert robert, Jardin d'une villa italienne (detail),1764,

huile sur toile. Ottawa, Musée des beaux-arts du Canada.

L’exposition conduite en partenariat avec la fondation Mainichi Shodo Kai (Association pour la calligraphie dépendant du journal Mainichi Shimbun), exposera en « avant-première », les lauréats du concours de calligraphie national organisé chaque année par la fondation.

41 calligraphies contemporaines seront exposées dans l’enceinte du Musée Guimet, au sein des collections permanentes.

Témoignages vivants d’une certaine diversité stylistique, elles suggèrent déjà les principaux courants de la calligraphie japonaise. Cette exposition rendra compte en Europe de la vivacité de la pratique contemporaine de la calligraphie au Japon ; Elle permettra dans le même temps d’appréhender peu à peu l’histoire de cet art au Japon et de témoigner de son importance fondamentale dans l’esthétique extrême-orientale, et notamment quelle compréhension les collectionneurs, les artistes, les contemporains et les écrivains, ont développé de cet art.

Pour cette raison, créant le lien entre ses collections patrimoniales et le Japon d’aujourd’hui, le musée Guimet a choisi de mettre en regard ses collections, les lauréats de ce concours de calligraphies contemporaines, mais aussi des œuvres essentielles appartenant à la collection de la fondation Mainichi Shodokai.

Les masques de jade Mayas

Pinacothèque de Paris

« Ils partent vers l’au-delà, le visage couvert d’un masque où leurs traits se mêlent habilement à ceux du dieu du maïs K’awiil : passeport vers la réincarnation… »
Ce que nous propose la Pinacothèque de Paris, jusqu’au 10 juin 2012, dépayse la pensée cartésienne occidentale et l’emporte avec subtilité dans cette mystérieuse culture millénaire maya en créant un parcours de visite original à travers les sépultures de personnages de haut rang de la période dite « classique », qui s’étendait de 250 à 900 de notre ère, mettant en avant cet aspect méconnu de la civilisation maya.
Les Mayas avaient une forte prédilection pour la couleur verte et le jade qui était pour eux le matériau le plus rare et donc le plus précieux. Apanage de l’élite de la société, le jade était associé au sacré, considéré comme un élément vital et primordial comme le ciel ou l’océan, sources de vie dans lesquelles se trouvaient les dieux créateurs. Il est aussi le symbole de l’une des principales divinités, K’waiili, le dieu du maïs, qui donnait l’immortalité au souverain. Le jade symbolisait la pérennité, l’humidité, la fertilité, le renouvellement, la renaissance et le souffle de l’essence vitale. Il était aussi celui des voies de communication entre les trois plans du cosmos. Les treize masques, ici exposés, sont un témoignage artistique, sociétal et politique créé pour les gouverneurs les plus prestigieux de la cité et avaient pour mission d’assurer la vie éternelle à ces hauts dignitaires après leur mort. Ces masques ont donc été retrouvés dans des tombes d’élite, sur la péninsule du Yucatan.
 

Les artistes mayas les confectionnaient à partir de tesselles de jade et de pierre verte, de coquillages, d’escargots de mer, d’obsidienne, d’hématite et plus tard de turquoise et d’amazonite. Ils faisaient montre d’une grande virtuosité dans l’agencement de ces mosaïques, poussant leur art vers le plus grand réalisme possible. Ces masques représentaient généralement le mort sous ses traits de jeunesse et étaient posés sur son visage ou sur son épaule gauche, du côté du soleil couchant. Présentés dans leur contexte originel, les masques de certains dignitaires ou aristocrates, comme le roi Pakal, sont placés avec le reste du trousseau funéraire qui comprenait des colliers de jade, des boucles d’oreille, des pectoraux, des bracelets, des céramiques polychromes, des perles, des offrandes diverses comme des pots de résine ou encore de tapis funéraires confectionnés de graines et de conques. Les masques étaient considérés comme des êtres animés, investis des pouvoirs de ceux qu’ils représentaient (ce que l’on retrouve dans toutes les civilisations où les masques et leurs rituels sont pratiqués), les Mayas les nommaient k’oh, « image », « représentation ».
Vases tripodes, représentation du dieu jaguar de l’inframonde, stèles, figurines, têtes sculptées, masques funéraires et autres récipients cérémoniels, conservés et restaurés, retrouvent une intégrité qui fait d’eux des œuvres d’art d’une qualité exceptionnelle. Environ cent trente pièces constituent ce panorama de l’art et coutumes funéraires maya et donnent une occasion unique de découvrir ces œuvres conservées au musée national d’anthropologie de Mexico et mis en espace sous le regard de Madame Sofia Martinez del Campo Lanz, experte renommée et commissaire de cette exposition.
 

Masque funéraire en mosaïque de jade
Tombe 1, structure VII, Calakmul, Campeche
Classique tardif, 660-750 apr. J.-C.
Mosaïque de jade, Spondylus princeps, Pinctada mazatlanica et obsidienne
grise 36,7 x 23 x 8 cm
Musée d’Architecture maya, Fuerte de la Soledad, Campeche
© Photo : Martirene Alcántara / INAH

Vous trouverez toutes les informations pratiques au 0142680201 et sur le site www.pinacotheque.com

L’album de l’exposition :
24X33 cm, broché – reproductions couleur
Edition Pinacothèque de Paris.
Le journal de l’exposition

Evelys Toneg

Sans titre, 2001
Encre pour sérigraphie sur toile de lin
Collection particulière
Courtesy de l’artiste et de la galerie Luhring Augustine, New York

Né à Chicago en 1955, Christopher Wool émerge sur la scène new-yorkaise au milieu des années 80. Cherchant une troisième voie entre la peinture informelle et le pop-art auquel il emprunte son esthétique (répétition, détournement), il partage avec Jeff Koons, Cady Noland et Robert Gober l’attrait pour la banalité du quotidien.

Durant les années 1990, Wool s’est imposé par une œuvre où domine une esthétique urbaine : notamment avec des motifs gestuels abstraits en noir et blanc, des mots au pochoir à l’humour impassible, adressés au spectateur.

Dans les années 2000, la construction picturale de ses peintures subit une profonde métamorphose. La composition des éléments picturaux – des lignes noires peintes à la bombe ou des clichés d’images sérigraphiées sur toile – se fait de plus en plus complexe et diffuse.

Ses peintures plus récentes associent techniques sérigraphiques et peinture à la main. Entre improvisation et composition, ces œuvres aux techniques multiples font preuve d’une grande liberté formelle.

L’œuvre de Christopher Wool a fait l’objet de nombreuses expositions internationales, en particulier celles au Museum Boymans van Beuningen (Rotterdam) en 1991, au Museum of Contemporary Art (Los Angeles) en 1998, au Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg en 2006 et au Ludwig Museum (Cologne) en 2009. L’artiste a participé à la Biennale de Venise en 2011. En 2013, le Musée Solomon R. Guggenheim de New York organisera une importante rétrospective de Christopher Wool.

« Henri Edmond Cross et le néo-impressionnisme. De Seurat à Matisse ».

La première partie de l'exposition présente des toiles des artistes du premier groupe néo-impressionniste (Cross, Signac, Angrand, Dubois-Pillet, Pissarro, Luce, Van Rysselberghe), qui ont mis en pratique la technique rigoureuse du courant, à travers le mélange optique, la division de la touche, le contraste de tons et l'emploi des complémentaires. L'exposition se poursuit par le parcours parallèle de Cross, Signac et Van Rysselberghe dont les toiles témoignent d'une véritable révélation de la couleur, point de départ d'un « second néo-impressionnisme » qui voit la touche s'élargir et la couleur devenir plus sonore. La dernière partie met en évidence les liens entre Cross et les peintres de la jeune génération, tels que Camoin, Manguin ou encore Matisse, faisant du peintre un jalon essentiel et unique entre le divisionnisme de Seurat et le fauvisme de Matisse et Derain. Enfin, l'exposition laisse une place privilégiée aux aquarelles de Cross, qui jalonnent sa carrière.

Organisée en partenariat avec le musée départemental Matisse du Cateau- Cambrésis, une partie de l'exposition du musée Marmottan Monet sera présentée au Cateau-Cambrésis du 12 mars au 10 juin 2012.
Ces deux expositions, proposant un fonds commun d'oeuvres, enrichies l'une et l'autre de pièces inédites, donneront à l'oeuvre de Cross un éclairage nouveau, dans le but de favoriser sa reconnaissance internationale. En la singularisant parmi les artistes de son époque, tels que Seurat, Signac, Luce, Angrand, Camoin, Matisse…, elles mettront ainsi en avant la nature poétique de son oeuvre et démontreront son importance dans l'aventure de l'art moderne et son influence déterminante.

Commissariat
Françoise Baligand Conservateur honoraire du patrimoine, musée de Douai

Sorcières , mythes et réalités

L’invention du sauvage

Exhibitions

Exposition Giorgio Vasari - Dessins du Louvre

Vasari Bacchanale

© RMN / Thierry Le Mage

L'univers d'Edvard Munch
Musée des Beaux Arts de Caen

Soirée sur l’avenue Karl Johan, 1892, huile sur toile © Werner Zellien, kunstmusuem de Bergen
© The Munch Museum / The Munch-Ellingsen Group / Adagp, Paris 2011.

Regroupées par thème, les oeuvres de l'exposition caractérisent l'univers de l'artiste: la Norvège, la mélancolie, la femme, le couple, l'angoisse, la mort ; présentées indépendamment de toute chronologie puisque, on le sait l'oeuvre de Munch est marqué par d'incessants allers et retours vers les thèmes centraux qu'il a exploré sa vie durant, parfois à plusieurs décennies d'écart.
Munch n'a pas fondé d'école mais la présence de son art est aujourd'hui intacte, tout comme sa sincérité, sa spontanéité, son âpreté aussi, en un mot sa modernité.

Commissariat
Patrick Ramade : conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée des Beaux-Arts de Caen.
Avec la collaboration du Kunstmuseum de Bergen, Erlend Hoyersten, directeur, et Knut Ormhaug, conservateur
en chef.

Mascarades et carnavals- musée Dapper

C’est au musée Dapper et dans le cadre de l’année des Outre-mer que l’équipe qui entoure Mme Christiane Falgayrette-Leveau, directrice du musée et commissaire de l’exposition, s’est lancé un défi de taille : mettre en lumière les résonnances du ou des rôles des masques traditionnels de l’Afrique subsaharienne et les pratiques carnavalesques des Caraïbes. Le propos n’était pas simple, mais « Mascarades et Carnavals » est l’illustration du fruit de recherches et de réflexions dont l’intelligence est le fil d’Ariane de cette exposition.
Que sont devenus les mascarades et carnavals de nos sociétés occidentales ? De vastes festivités à caractère commercial, sans plus du souffle vital qui déstructurait la hiérarchie sociale, sans plus de symbolique, celui du monde à l’envers, journée folle où tout était possible, journée païenne de rôles inversés… Ou bien encore des journées « vitrines narcissiques » où l’on admire son reflet dans le flash des appareils photo des touristes à peine endimanchés…

VUVI GABON Masque Bois, fibres végétales et pigments
H. : 32 cm Musée Dapper, Paris Inv. n° 4291 © ARCHIVES MUSÉE DAPPER
PHOTO HUGHES DUBOIS.

 Aujourd’hui, les créations contemporaines autour du carnaval sont de véritables outils de médiation. C’est la dérision et la dénonciation des problèmes socio-économiques que montrent les œuvres d’Hervé Beuze, de Georges Grangenois, celle du groupe Psyché ou les photographies de Zak Ové, qui s’emparent du monde qui les entoure et le transforment en visions carnavalesques, en personnages de mascarades, dénonçant l’incohérence de la réalité des conditions humaines au sens le plus large. Quoi de plus impressionnant que d’imaginer l’embrasement de Vaval, roi du carnaval ? Celui exposé au niveau 2 du musée est particulièrement parlant, figure mi-homme, mi-femme qui crie haut et fort la « pwofitation », les conflits sociaux de 2009 qui ont marqué les Antilles. Que ce soit le « Diable rouge » de Martinique, les zombis de Trinidad ou le diable blanc (the Devil is White), chaque production autour du carnaval et des mascarades souligne les codes qui structurent ces fêtes comme pratique sociale et artistique.

KUBA / République démocratique du Congo Masque moshambwooy
Bois, tissu, cauris, perles, métal, plumes, poils et pigments. H. : 47 cm (masque) ; H. tot. : 246 cm Musée royal de l'Afrique centrale, Tervuren Inv. n° EO.0.0.15365 PHOTO STUDIO ROGER ASSELBERGHS FRÉDÉRIC DEHAEN, MRAC TERVUREN ©

C’est jusqu’au 15 juillet 2012 que vous pouvez vous plonger dans ces rites et coutumes, dérangeantes, provocantes, terrifiantes, belles et salvatrices, ces exutoires aux injustices sociales et économiques que font subir les grandes puissances aux hommes d’Afrique et des Caraïbes, ici représentés et à tant d’autres à travers le monde.
Cette exposition ouvre grand les yeux et on en sort l’esprit et le cœur plus ouverts encore.

 

De très nombreuses manifestations sont organisées autour de l’exposition. Des conférences, des projections cinématographiques, colloques et autres.
Vous trouverez toutes les informations pratiques au et sur le site www.dapper.com.fr

 

A la découverte

Un samedi matin d’été

à l’ouverture de la Pinacoteca di Brera…

Au 28 via Brera, à Milan, se trouve un ancien convent, aujourd’hui sanctuaire des plus belles œuvres de l’art italien. Une fois passée l’austère façade de l’édifice, le regard se porte sur une statue érigée par le sculpteur Antonio Canova en l’honneur de Napoléon Bonaparte dans la cour intérieure, statue qui le représente en empereur romain et qui est nettement moins sensuelle que celle qu’il réalisa de Pauline Bonaparte dans la Villa Borghèse…

On gravit les marches d’un escalier monumental, et il est impossible de ne pas croiser le regard de la statue de Cesare Beccaria, le grand juriste natif de ce quartier de Milan, et qui fut l’un des fondateurs du droit pénal moderne et premier adversaire de la peine de mort…
Alors même que de multiples trésors attendent à l’intérieur, flâner quelques instants sur ce balcon intérieur qui longe toute la cour au premier étage est un enchantement, surtout lorsqu’il est tôt, le musée ouvre « aux aurores », et qu’un beau soleil éclaire tout l’espace qui vous est réservé, sans l’ombre d’un autre visiteur. Une fois entré, vous pourrez avoir l’agréable surprise d’une exposition temporaire, comme celle réservée au peintre du romantisme italien Francesco Hayez dont on pourra admirer le célèbre « baiser », ainsi que les portraits également passés à la postérité de Verdi et de Manzoni. La collection permanente suit immédiatement, et là, un dilemme se pose inéluctablement : comment appréhender une telle richesse en une seule visite ! Il faudra naviguer, comme autrefois lorsque le quartier était bordé de canaux comblés bien malencontreusement par Mussolini, entre des chefs d’œuvre qui à eux seuls nourrissent des monographies entières…

Hayez Le Baiser © Pinacoteca di Brera

Il serait tentant d’aller immédiatement vers la Pietà de Giovanni Bellini, représentation émouvante de la mort du Christ à faire pleurer les cœurs les plus secs ou encore ses deux « Vierge à l’Enfant » qui vous feront presque oublier la proximité d’admirables tableaux de Mantegna à quelques mètres… Cette salle qui porte le numéro VI est décidément inoubliable, une seule solution y revenir au plus tôt…

©Pinacoteca di Brera

Un peu plus loin, c’est à Lorenzo Lotto que nos regards s’attarderont avec une autre Pietà où deux anges soutiennent avec difficulté le corps du Christ au bas de la Croix alors que sa mère effondrée est elle-même littéralement tenue par saint Jean, la souffrance extrême à la vue de son fils mort l’empêchant de se maintenir encore dans le monde des vivants. A peine reposé le regard de cette scène chargée d’émotions, vous apercevez tout à côté de vous des Tintoret, des Véronèse et même un Titien, vous ne rêvez pas, vous êtes à Brera et vous irez encore longtemps de découverte en découverte…

Piero della Francesca La Vergine con il Bambino e santi

©Pinacoteca di Brera

Pinacoteca di Brera
Via Brera, 28 20121 Milano
www.brera.beniculturali.it

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La Cène de Léonard de Vinci

La fragilité d'une œuvre éternelle...

Ce sont plus exactement deux grandes œuvres qu’abrite le très sobre réfectoire du couvent dominicain de l’église Santa Maria delle Grazie à Milan : la Crucifixion de Montorfano, bien évidemment trop souvent occulté par la fameuse Cène peinte par Léonard de Vinci !

C'est avec un nombre très restreint de visiteurs que nous entrons pour voir l’une des évocations les plus belles du dernier repas du Christ, objet de toutes les interprétations, même les plus farfelues, en raison de la notoriété de l’œuvre. Nous voyons cet espace dans une ambiance certainement plus lumineuse qu’à l’époque du peintre, car depuis, les ouvertures des fenêtres ont été agrandies. Cette lumière reste cependant tamisée et bien entendu tous les regards se portent sur cette fresque mémorable, que l’on n’imaginait pas ainsi alors même que l’on pensait pourtant tant la connaître.

© Museo del Cenacolo Vinciano

Mais laissons la parole à Goethe qui a consacré toute une réflexion à l’auteur de cette fresque très tôt appréciée dans l’histoire de l’art :

« Telle était l’époque dans laquelle parut Léonard de Vinci, et en même temps que son habileté naturelle lui rendait facile l’imitation de la nature, son esprit profond remarqua bientôt que, derrière l’apparence extérieure, qu’il savait si heureusement reproduire, étaient cachés encore bien des mystères qu’il devait s’efforcer sans relâche de découvrir. Il chercha donc les lois de la structure organique, la base des proportions ; il étudia les règles de la perspective, de la disposition, du coloris ; bref, il tâcha d’approfondir toutes les exigences de l’art. Mais ce qui l’intéressait surtout, c’était la diversité de la figure humaine, sur laquelle se manifeste aussi bien le caractère permanent que la passion momentanée, et ce sera le point auquel nous devrons nous arrêter le plus en étudiant le tableau de la Cène. »

détail du Christ © Museo del Cenacolo Vinciano

Cette attention toute particulière portée par l’artiste aux caractères des passions humaines par contraste à la Passion préfigurée par la trahison tout juste évoquée dans ce dernier repas est au cœur de la fresque que nous avons devant nous. Jésus vient d’annoncer qu’un des leurs, un disciple donc, le trahira et la stupeur se lit sur tous les visages peints par Vinci. Un espace se fait alors entre les disciples et le Maître, réservant déjà une distance préfigurant les épreuves à venir dans les heures que vont suivre.

©Museo del Cenacolo Vinciano

Seul Jean semble sinon serein tout au moins à peine surpris par l’annonce, nous savons qu’il sera le seul à rester jusqu’au terme du supplice et qu’il recueillera la Vierge Marie chez lui selon les ultimes paroles du Christ. La tempête règne plutôt chez les autres disciples, c’est à qui de s’interroger : est-ce lui ? Est-ce moi ? Les mains sont particulièrement éloquentes, la plupart des disciples, à l’exception de Jean, font des grands mouvements de protestation, l’épreuve a débuté, et la Cène préfigure la future Eglise en devenir qui aura fort à faire pour gagner son unité et sa paix. On quitte avec peine cette salle du réfectoire mais le temps est minuté pour ne pas endommager la fragile fresque réalisée par Léonard de Vinci…

detail © Museo del Cenacolo Vinciano

Museo del Cenacolo Vinciano Piazza Santa Maria delle Grazie, 2 - 20123 Milan

www.architettonicimilano.lombardia.beniculturali.it

La Pinacoteca Ambrosiana :

"Pour un service universel"

Il est des lieux rares qui, à leur première visite, vous empoignent par leur force, leur caractère, l’héritage laissé aux générations futures. La Pinacoteca Ambrosiana née en 1618 et de manière générale l’ensemble formant un tout conçu par l’admirable cardinal Federico Borromée, archevêque de Milan, font partie de ces lieux marquants qui croisent votre chemin plus que vous ne les avez choisis…

Si vous avez la chance de rencontrer l’un de ces personnages habités par ces lieux tel Don Rocca, un des docteurs du collège de cette institution, il soulignera dans ces premiers propos que l’institution fut souhaitée par le grand humaniste afin de préserver la culture et de la rendre accessible au plus grand nombre, surtout aux plus démunis. Il évoquera tous ces trésors gardés depuis ce début du XVII° siècle, dans le mouvement de la Contre-Réforme, afin de raffermir les croyants dans leur foi dispersé par les suites de la Réforme. Il soulignera aussi quelques anecdotes telle celle de la gratuité de l’accès à tous les ouvrages de la Bibliothèque en son temps avec la menace d’une excommunication irréversible pour tout vol de ces volumes… On est impressionné par tant de savoir réuni entre les murs de ce palais, particulièrement calme en ces heures d’été milanais.

cardinal Federico Borromée

La mission léguée par l’illustre archevêque perdure encore aujourd’hui avec la volonté de faire partager au plus grand nombre les trésors de la culture héritée des siècles précédents tout en les confrontant aux cultures d’autres civilisations et d’autres horizons. Chaque docteur, membre du collège administrant l’Institution présidée par un Préfet cooptés par eux, a sa spécialité, et elles sont diverses et variées. Ainsi, ils travaillent chacun à leur domaine tout en bénéficiant du savoir des autres spécialistes réunis en une seule et vaste salle de travail ou seul le silence et l’étude ont droit de résidence…
Le visiteur ne voit bien évidemment que la face immergée de cet édifice de savoir et de connaissance mais c’est grâce à une telle administration qu’autant de chefs d’œuvre et de recherches conjointes ont pu être réunis depuis plus de quatre siècles, exemple unique dans le monde. Des coffres dignes de ceux des banques les plus sûres abritent en leur sein de précieux et fragiles manuscrits, des centaines de mètres d’étagères, savamment classées, conservent des codex incroyables tel cet exemplaire unique et incroyable des œuvres de Virgile qui avait appartenu à Pétrarque et annoté par lui ! Les lieux abritent également dans leur sous-sol, les restes archéologiques du Forum de la ville à l’époque romaine au 1er siècle de notre ère…
Il est impossible de réunir en quelques lignes tout ce que ces lieux offrent à l’intelligence et à l’admiration de l’âme de nos contemporains. Les plus pressés auront à cœur de découvrir les trésors renommés de la peinture réunis dans la Pinacothèque, exposés avec goût et suffisamment d’espace pour reprendre son souffle, et il en faudra, tant les signatures, ici encore, impressionneront les plus blasés.

Titien La Maddalena           Luini Gesù Bambino con l'agnello

© Pinacoteca Ambrosiana

Après les fondations antiques de la ville, gravissons quelques escaliers et le premier regard pourra s’arrêter sur cette magnifique Madeleine peinte par le Titien, un personnage que le cardinal appréciait tant en raison du caractère humain qui s’en dégage, entièrement tourné vers la source divine de toute lumière, même les plus fugitives… La même salle offrira la tendre évocation de l’enfant Jésus enlaçant tendrement un agneau évoquée par cette peinture de Bernardino Luini, une œuvre pourtant si dramatique lorsque l’on réfléchit quelques instants à la symbolique représentée par ce jeune animal.

Le Caravage Corbeille de fruits © Pinacoteca Ambrosiana

Ces premières impressions ne sont que le début d’une visite qui occupera plusieurs heures pour les plus persévérants ou bien quelques découvertes flânées au hasard des salles telle cette célèbre nature du morte du Caravage sous forme d’une corbeille de fruits automnale si différente dans sa simplicité (elle s’autorise même la figuration de feuilles à moitié desséchées) de celle figurant à la Villa Borghèse à Rome. Impossible de passer à côté de l’admirable portrait d’un musicien peint par Léonard de Vinci, le seul portrait masculin que l’on connaisse du peintre et qui représente le compositeur Franchino Gaffurio, auteur de nombreuses messes et motets pour la cathédrale de Milan entre le XV° et XVI° siècle.

Léonard de Vinci Le musicien © Pinacoteca Ambrosiana

La liste est longue des trésors à découvrir dans ces lieux où le silence règne et ou le personnel de surveillance est d’une délicatesse rare dans les musées de nos jours. Il faudra encore réserver de longs instants pour admirer le Codex Atlantico de Léonard de Vinci séparé en feuilles préservées de l’agression du temps dans des vitrines protectrices alignées tout au long de l’impressionnante Bibliothèque conçue selon la règle du nombre d’or, prônant l’équilibre parfait des dimensions dont la Renaissance fera grand usage. Un instant de sérénité extrême vous gagne et vous n’avez qu’un seul désir à l’esprit, revenir goûter ces rares moments de bonheur dans des lieux si généreux !

Codex Atlantico © Pinacoteca Ambrosiana

(Lexnews tient à remercier tout particulièrement Don Rocca pour ses généreuses informations et présentation des lieux)

VENERANDA BIBLIOTECA AMBROSIANA

Piazza Pio XI, 2 - 20123 Milano
www.ambrosiana.eu

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Le Palazzo della Ragione per Accademia Carrara et une exposition de peinture italienne à Bergame…

« Vincere il Tempo », vaincre le temps… tel est l’ambitieux programme de cette nouvelle exposition dans l’éternel Palazzo della Ragione, symbole architectural de cette victoire sur le temps tant l’édifice a surmonté les siècles avec fierté et peut même s’enorgueillir de vieillir en beauté ! Dans un espace à couper le souffle avec une voute de plusieurs mètres de haut, cerné de toute part par des fresques sur les murs de pierre de taille et surmonté d’une charpente comme on ne peut même plus les rêver, voici réunie une sélection des plus beaux tableaux de l’Accademia Carrara.

La vénérable institution est en travaux jusqu’à sa réouverture que l’on espère proche, en attendant des expositions se poursuivent néanmoins dans ce très beau Palazzo della Ragione . C'est ici que se tient la très belle exposition « Vincere il Tempo » qui poursuit d'une certaine manière l’exposition qui avait été menée jusqu’aux portes de Caen l’année passée avec une présentation des œuvres réunies par le comte Giacomo Carrarra tout au long du XVIII° siècle. La visite permettra ainsi d’apprécier toutes les œuvres de Lorenzo Lotto conservées par l’Accademia, un peintre qui réalisa un grand nombre de tableaux de qualité dans la ville et dans les églises avoisinantes en cherchant à entretenir un certain dialogue entre l’art vénitien et l’art lombard.

Giovanni Bellini                    Lorenzo Lotto

Madonna con il Bambino    Noces mystiques de Ste Catherine

Bergamo, Accademia Carrara. © LEXNEWS

De nombreux chefs d’œuvres furent réunis grâce à l’esprit visionnaire de collectionneurs avisés tels Carrara mais également Giovanni Morelli au XIX° siècle, qui surent réunir des peintures de Pisanello et de Bellini avec notamment cette magnifique Madonna col Bambino acquise en 1891. Le visiteur se laisse entraîner par une belle scénographie circulaire, presque dans la pénombre, allant de merveilles en merveilles de la peinture italienne détenue par l’Accademia Carrara…

www.accademiacarrara.bergamo.it

L’idée de cette exposition part d’une intuition : celle d’inverser le regard habituellement porté sur l’œuvre du peintre Cézanne trop indissociablement associé à la lumière de la Provence. Si, bien entendu, il ne saurait être question d’occulter l’importance des fameuses représentations de la montagne Sainte-Victoire dans la création du peintre né à Aix (1839-1906), Denis Coutane, le commissaire de l’exposition, reconnaît volontiers que le défi serait atteint avec cette exposition si les visiteurs prenaient conscience de l’importance des « Paris » de Cézanne. Nous réalisons en visitant cette belle exposition placée dans un décor très sobre mettant en avant les œuvres bénéficiant de vastes espaces d’accrochage que Cézanne a passé en effet beaucoup plus de temps qu’il n’y parait dans et autour de Paris, près de la moitié de sa vie de peintre, autant qu’en Provence ! Une autre donnée statistique est rappelée dans l’exposition : sur près de mille tableaux peints par Cézanne, plus de trois cent cinquante ont été réalisés dans le Nord, cela donne à réfléchir ! Et c’est justement cette réflexion qui est sollicitée dès les premiers espaces d’exposition. Il ne faut pas s’attendre à de multiples vues de la capitale comme le fit son contemporain, Gustave Caillebotte. Le Paris de Cézanne est tout autre, plus intérieur et les quelques rares vues de la ville sont plutôt énigmatiques qu’emblématiques si l’on pense à cette surprenante vue sur les toits de Paris alors que l’artiste habitait rue de l’Ouest…

Paul Cézanne Les Toits de Paris 1881-1882 Huile sur toile 59,7 x 73

L’exposition rappelle que Cézanne était l’ami d’enfance de Zola dès le collège Bourbon d’Aix en Provence qu’ils fréquentaient en même temps. C’est d’ailleurs ce même Zola qui invitera ardemment son jeune camarade à venir le rejoindre à Paris où il avait déménagé avec sa mère. A partir de là, commence une maturation picturale dans laquelle la capitale va jouer à la fois le rôle de pigment et en même temps de toile. Il puise dans ces années une certaine familiarité avec le passé, il fréquente avec passion le Musée du Louvre, sans pour autant s’y enfermer. Il n’a pas de vision radicale balayant les maîtres du passé, mais plutôt cherche à « ajouter un nouveau chainon… » selon sa propre expression. Ce sont ces chainons qui sont mis en évidence dans ce beau travail analytique réalisé par les responsables de cette exposition. La dynamique de la création artistique est ainsi, d’une certaine manière, éclairée d’un jour nouveau et les toiles du maître se mettent à parler, comme les meilleurs témoins du peintre.

Poteries, tasse et fruits sur nappe blanche Paul Cézanne
The Métropolitan Museum of Art © The Metropolitan Museum of Art, Dist. service presse Rmn-Grand Palais / Malcolm Varon Vers 1877 Huile sur toile - 60,6 x 73,7 cm

Prenons les natures mortes et les portraits de Cézanne et ce qu’ils sont susceptibles d’exprimer à qui veut bien les écouter. Dans la même salle se trouve un tableau représentant un plat de pommes sur fond de papier peint, papier que l’on retrouve également dans Madame Cézanne cousant. Alors que le motif du papier commence à annoncer avant l’heure le cubisme, la représentation de premier plan exprime au mieux ce que Paris est en train de produire dans l’âme du peintre. Cette maturation que rend possible la vie foisonnante des ateliers d’artistes trouve progressivement ses repères dans ces formes simples et à la fois profondes, dignes des plus grandes évocations sociales de son ami Zola ! Paris est bien la capitale des arts et Cézanne y puise une sève nourricière mise en évidence par le très beau parcours proposé au musée du Luxembourg cet automne !

LES LECTURES DE L'EXPOSITION...

Le catalogue de l'exposition, lire notre chronique

Cézanne et Paris, Denis Coutagne

Cézanne, puissant et solitaire, Michel Hoog

« Maori, leurs trésors ont une âme »

C’est au musée du quai Branly, dans la Galerie Jardin et jusqu’au 22 janvier 2012, que les Maori de Nouvelle-Zélande exposent leurs trésors autour d’un événement unique « Maori, leurs trésors ont une âme ». Avec une approche qui n’est ni anthropologique, ni ethnologique, mais vivante et contemporaine, les Maoris ont investi « scènographiquement » la galerie jardin en mettant en espace et en lumière des œuvres majeures de leurs traditions ancestrales, les taongas, et celles des artistes contemporains qui expriment les liens et les imbrications, de génération en génération, de l’histoire du peuple Maori, des luttes politiques et de la préservation des richesses propres à leur culture.
Trois espaces principaux avec des focus historiques permettent à tout à chacun de suivre et de comprendre l’importance des traditions et celle de lutter en permanence politiquement et artistiquement pour garder la culture Maori indépendante et prête à être pleinement dans le 21ème siècle.
Dans la déclaration d’indépendance de 1835, les Maori affirmaient clairement leur volonté inextinguible de conserver leur souveraineté ; détermination confirmée lors de la signature en 1840 du « Te Tiriti o Waitangi » (traité de Waitangi), qui ancrait fermement l’autorité des Maori sur leurs terres, leurs forêts, leurs zones de pêche, de regagner le contrôle de leur culture, de leur identité et de leurs ressources.

Pūtōrino (bugle flute), date unknown, maker unknown, New Zealand, wood, flax. Te Papa

© Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa

Tout au long du parcours de cette exposition, et en traversant les différents espaces consacrés au Wahakapapa, système de référence généalogique et d’identité culturelle, à l’expression du Mana, l’intégrité - charisme et leadership, au Kaitiakitanga, la sauvegarde et la protection de l’environnement naturel, sont abordés tous les principaux sujets de réflexions culturelles contemporaines et traditionnelles qui rendent compte du contexte assez complexe de la culture des Maori. Alors, oublions tous nos modèles occidentaux, car cette exposition nous propose le monde vu selon les perspectives Maori, illustré par les 250 œuvres présentées, allant des récits cosmologiques et généalogiques aux œuvres des plus contemporaines. Du symbole de la pirogue par laquelle les ancêtres sont arrivés en Nouvelle-Zélande : le Waka, de l’importance de la maison communautaire et ses règles de respect : la Whare Tupuna, de l’art du tatouage : le Ta Moko, des trésors personnels et leurs véritables pouvoirs : les He Taonga Rakai, des instruments de musique : les Taonga Puoro, de la langue vivante Maori : le Te Reo, de l’influence des femmes dans le développement et la préservation de la culture Maori : le Mana Wahine à la gestion des ressources de l’environnement, c’est une découverte complète de la culture et de l’histoire du peuple Maori de Nouvelle-Zélande qui nous est expliquée là. De superbes pièces traditionnelles, ancestrales inédites se mêlent les œuvres d’artistes contemporains avec une douce évidence esthétique.
Art numérique, sculptures, photographies, colonnes et fronton sculptés de maison des ancêtres, bijoux, hameçons, pirogue et pagaies, proue de canoë, objets rituels de tatouage, flûtes, tous ces trésors témoignent du raffinement et de la richesse de l’art et de l’artisanat des Maori.

Matau (fish hook), 1500–1800, maker unknown, New Zealand, bone, fibre. Te Papa

© Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa

Au Royaume d'Alexandre le Grand, la Macédoine antique

Pour Sophie Descamps-Lequime, commissaire de l’exposition, les nombreuses découvertes archéologiques entreprises depuis près de trente ans ont radicalement redessiné le paysage de la Macédoine antique. Que l’on pense quelques instants à la fascinante découverte de la tombe de Philippe II laissée depuis ces temps anciens inviolée et livrant des trésors qui allaient illustrer dorénavant tout ce qui n’était jusqu’alors qu’hypothèses et suppositions. 500 œuvres sont ici réunies, au musée du Louvre, dans une scénographie sombre et propice à faire ressortir l’éclat des nombreux trésors où les ors témoignent de l’extrême habilité des artisans telle cette admirable Couronne de feuilles de chêne en or retrouvée dans le sanctuaire d’Eukleia.

Les premiers espaces sont ouverts sur la Macédoine antique avec les grandes découvertes réalisées par les pionniers de l’archéologie macédonienne et notamment la mise au jour de l’immense tumulus de 110 mètres de diamètre par Manolis Andronikos en 1977 qui abritait la fameuse tombe inviolée de Philippe II !
La chronologie adoptée pour ce parcours permettra au visiteur de prendre conscience de l’émergence des premières dynasties royales. Avec cette organisation politique, les richesses s’accumulent démontrant rapidement que le Macédoine est un pays riche, avec lequel il faudra savoir composer, à la veille de la grande royauté des Ve et VIe siècles. L’œil ne sait plus où s’arrêter tant les témoignages de ces époques affluent, les uns pour leur importance archéologique, les autres pour la virtuosité extrême de ses artistes !

Médaillon d'Olympias

Le cœur même de l’exposition est bien entendu réservé à Philippe II et à son célèbre fils Alexandre. Philippe a retenu les leçons de sa captivité à Thèbes et va avoir à cœur d’améliorer la formation de l’armée macédonienne. La terrible sarisse, lance de près de 5 mètres, associée à l’organisation des soldats en phalange feront des ravages auprès des armées adverses. L’expansion est ainsi programmée sur des bases solides qui ouvriront les portes au futur conquérant de l’Orient…
Le visiteur s’arrêtera longuement sur des œuvres exceptionnelles si l’on en juge leur provenance : une Oenoché, une coupelle d’argent et un trépied trouvés dans la tombe de Philippe II.
Le parcours réserve encore bien des surprises avec des vitrines emplies de trésors du quotidien tel ce magnifique Bracelet à têtes de bouquetin en or ou encore l’incroyable buste d’Athéna coiffée de la tête de Méduse que l’on dirait fait d’hier…

Le catalogue de l'exposition, lire notre chronique

OEnochoé à tête de femme bronze H. 14 cm Inv. 77839
Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e
Pompei Fouilles de Herculanum © Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e
Pompei / Photo Pio Foglia

Peut-on encore imaginer le récit de Pline le Jeune à Tacite, ce 24 août 79, dans la baie de Naples après avoir vu la très belle exposition, Pompéi – un art de vivre au musée Maillol ? Tout semble tellement rayonner de beauté, de plaisir et d’insouciance qu’il est difficile de relire les lignes pourtant vécues en direct, premier témoignage digne d’un envoyé spécial… Ce fut le dernier jour de Pompéi, une catastrophe qui laissera à jamais une empreinte dans la mémoire collective jusqu’à nos jours, sublimant nos peurs et notre angoisse du jour dernier. Mais, ici, au musée Maillol, point de fumerolles ! Patrizia Nitti, la directrice artistique, a souhaité reconstituer pour notre XXI° siècle une domus représentative de cette époque. Le musée Maillol transformé en maison à atrium fait ainsi revivre les différents espaces quotidiens des Pompéiens avec un mode de vie d’une étonnante modernité qui surprendra le visiteur habitué aux préjugés sur les temps anciens. Deux cents œuvres venant de Pompéi et des autres sites du Vésuve sont ainsi mises en l’espace dans une très belle scénographie d’Hubert le Gall.

Baignoire bronze H. 44 ; L. max 63 ; l. 160 cm Inv. 73007
Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e
Pompei Museo Archeologico Nazionale di Napoli
© Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei / Photo Pio Foglia

C’est bien entendu les soins du corps et le thermalisme qui étonneront en premier. Les plus riches demeures sont équipées de bains privés et, à défaut, d’un lavabo (lavatio), d’une baignoire en marbre ou en bronze accompagnées de tout le nécessaire pour la toilette. Ces espaces de soins soulignent ainsi un raffinement toujours surprenant lorsque l’on considère ces premières décennies de notre ère.
 

Le corps est également abordé dans cette exposition d’une manière plus intime encore avec l’omniprésence d’Eros dans cette société pompéienne. Le professeur Antonio Varone, directeur des fouilles archéologiques de Pompéi, a bien su reconstituer un petit aperçu de l’univers érotique des habitants de cette ville. L’audace des représentations étonnera plus d’un visiteur, comme quoi l’Antiquité ne peut être taxée de pudibonderie à toutes les époques !

Barque en forme de phallus avec Pygmées fresque H. 78 ; L. 209 cm inv. 41654
Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei Fouilles de Pompéi
© Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei / Photo Pio Foglia

Satyres et Hermaphrodites venaient hanter l’imaginaire et les fantasmes des habitants de la Pompéi antique qui avaient sous les yeux dans ces fresques d’une étonnante fraicheur, l’évocation du plaisir, un plaisir d’ailleurs plutôt décliné au masculin…
Il faudra réserver un petit espace dans son agenda de la rentrée pour cette exposition à découvrir avant le 12 février, une exposition qui en quelques instants vous transportera sous les latitudes pour l’instant clémentes du climat napolitain…

Fontaine à cascade mosaïque H. 240 ; L. 200 ; P. 177 cm inv. 40689 a-g
Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei Fouilles de Pompéi
© Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Napoli e Pompei / Photo Pio Foglia

Cette exposition explore l'"aesthetic movement" qui, dans l'Angleterre de la seconde moitié du XIXe siècle, se donne pour vocation d'échapper à la laideur et au matérialisme de l'époque, par une nouvelle idéalisation de l'art et de la beauté. Peintres, poètes, décorateurs et créateurs définissent un art libéré des principes d'ordre et de la moralité victorienne, et non dénué de sensualité.

Commissaires
Stephen Calloway, conservateur au Victoria & Albert Museum
Lynn Federle Orr, conservateur au Fine Arts Museum de San Francisco
Yves Badetz, conservateur au musée d'Orsay

Exposition également présentée à :
Londres, Victoria & Albert Museum, du 2 avril au 17 juillet 2011
San Francisco, Fine Arts Museums, du 18 février au 17 juin 2012

Fra Angelico

et

les Maîtres de la lumière

Musée Jacquemart-André

Fra Angelico et les Maîtres de la lumière

Le Musée Jacquemart-André consacre une exposition à Fra Angelico. Le Musée Jacquemart-André est le premier musée français à rendre hommage à Fra Angelico, figure majeure du Quattrocento. L’exposition présente près de 25 œuvres majeures de Fra Angelico et autant de panneaux réalisés par les peintres prestigieux qui l’ont côtoyé : Lorenzo Monaco, Masolino, Paolo Uccello, Filippo Lippi ou Zanobi Strozzi.


L’EVENEMENT : POUR LA PREMIERE FOIS, UN MUSEE FRANCAIS CONSACRE UNE EXPOSITION A FRA ANGELICO

Alliant dans ses œuvres l’éclat des ors, hérité du style gothique, à la nouvelle maîtrise de la perspective, Fra Angelico (1387-1455) a pleinement participé à la révolution artistique et culturelle que connaît Florence au début du XVe siècle. Il a ainsi été l’initiateur d’un courant artistique que les spécialistes ont appelé les « peintres de la lumière ».

Autour de lui, seront évoqués les peintres illustres qui ont eu une influence significative sur son art, comme son maître Lorenzo Monaco (1370-1424), Masolino (1383-v. 1440) et Paolo Uccello (1397-1475), ainsi que les artistes qu’il a inspiré à son tour, tels que Filippo Lippi (1406-1469) ou Zanobi Strozzi (1412-1468).

Fra Angelico (1387-1455), Le Couronnement de la Vierge, 1434-1435, tempera sur bois, 112 × 114 cm, Galerie des Offices, Florence
© 2010. Photo Scala, Florence - courtesy of the Ministero Beni e Att. Culturali

Guillaume Vrelant, Arbre de consanguinité,
département des Arts graphiques, musée du
Louvre, RF 1698 © 2006 musée du Louvre /
Martine Beck-Coppola

« La peinture mise en page », tel est le sous-titre d’une exposition qui se tient aux salles Mollien dans l’aile Denon du musée du Louvre cet été. L’expression est bien trouvée, car le visiteur s’étonnera plus d’une fois des prouesses qu’il aura fallu mettre en œuvre pour miniaturiser à ce point certaines évocations dans un si petit espace pictural ! Dominique Cordelier, le commissaire de l’exposition, est intarissable sur le sujet ! Il vous fait naviguer d’une enluminure à l’autre comme s’il était un contemporain des nombreux artistes qui ont concouru à créer cet art trop souvent ignoré jusqu’à peu. Soixante-dix enluminures sont ainsi réunies pour la première fois et forment de cette manière un tableau miniature de la rencontre entre la page et la peinture dans un dialogue entrelacé. Le livre peint s’offre à la lecture et à la contemplation, pour notre regard profane nous les jugerons essentiellement sur ce deuxième critère… Rassurons-nous, des esprits peu scrupuleux avaient dès le XVII° siècle opérer un tel tri de manière plus radicale en découpant ces petits tableaux des manuscrits pour lesquels ils avaient été créés !

L’art de l’enluminure désigne les peintures qui illustrent un texte, s’en font l’écho ou au contraire en annoncent les futurs développements. L’exposition en présentant des témoignages majeurs de Jean Fouquet, Lorenzo Monaco ou Giulio Clovio nous introduit dans un univers moins hermétique qu’il n’y paraît surtout lorsque leurs portes sont ouvertes avec tant d’intelligence.

Jean Fouquet, Le Passage du Rubicon par César
département des Arts graphiques, musée du
Louvre, RF 29493© RMN /Thierry Le Mage

 Le cheval ainsi que l’illustre cavalier sont bien loin des équipements antiques ! Armures et selleries sont toutes d’or revêtu, le cheval bien rassemblé fait signe d’un premier pas vers l’Histoire, sous nos yeux qui suivent l’admirable perspective suggérée par le fameux cours d’eau…

C’est toujours en Italie que nos regards s’attarderont avec l’art de Lorenzo Monaco pour une évocation sacrée des Trois Marie au tombeau. Il s’agit d’un livre de chœur dont Vasari avait souligné l’exceptionnelle beauté en son temps. La lettre A de l’Angélus enserre entre ses branches l’un des moments les plus importants de la chrétienté, celui du jour de Pâques où le Christ n’est plus dans son tombeau et un ange annonce aux trois femmes qu’Il est ressuscité… Comment un artiste pourtant habitué aux compositions les plus monumentales a-t-il pu insérer en un si petit espace autant d’intensité et d’émotions ? Les soldats endormis, le cercueil ouvert avec des formes triangulaires symbolisant la Trinité, les femmes écoutant le message si lourd de conséquences pour les siècles à venir et passés, tout est là, tout est dit…

Lorenzo Monaco, Les trois Marie au tombeau,
département des Arts graphiques, musée du Louvre,
RF 830 © RMN /Thierry Le Mage

Tous ces trésors se trouvent au Louvre, pendant cet été, au premier étage de l’aile Denon, passeport pour un merveilleux voyage dans l’Europe médiévale et de la Renaissance !

Philippe de Mazerolles (Maître du Froissart de Philippe de Commynes)

Bifeuillet du Livre d’heures noir de Charles le Téméraire

 département des Arts graphiques, musée du Louvre, MI 1091

 © RMN /Thierry Le Mage

Sans doute est-il utile de rappeler que Yamada a quitté son Japon natal en 1973 pour étudier à Paris dans l’atelier de César. Un exil pour découvrir et approfondir une culture différente mais avant tout pour se réapproprier sa propre existence au travers d’autres références, d’autres signes, d’autres codes. Beaucoup plus qu’une simple formation, un voyage initiatique dont on retrouve les transpositions dans les traces, empreintes, souvenirs, réminiscences qui jalonnent son œuvre. La conversion et la transmutation impliquent un alchimiste. Les métamorphoses relèvent des Dieux ou des fabulistes. Yamada est tout cela mais plus encore un passeur occupant une place singulière à la confluence de deux mondes, deux esthétiques. Un point cardinal unique dont il a lui-même établi les coordonnées. Un point de vue qui lui permet de jouer avec la volupté des maîtres, de la tresse, de la torsade, de la ligature. Le lien comme pratique, comme sujet, comme expérience, structure ce travail en suspension, en attente, à l’image d’un plongeur saisit entre le ciel et l’eau. Au fil du temps, le plongeur de Paestum s’élance dans la Vague de Hokusaï…
Sous l’empire du lien, Yamada capte plus que jamais les métamorphoses de la forme, du sens et la trace de l’éphémère.

Robert Bonaccorsi
 

art contemporain
35, rue Burdeau - 69001 LYON
galerie@pallade.net
www.pallade.net
09 50 45 85 75

Copiste d’Altichiero, Deux études de cabane,

trois oiseaux et une pomme encre et tempera sur parchemin,

département des Arts graphiques, musée du Louvre, inv. 844 DR /
Verso © 2008 Musée du Louvre / Angèle Dequier

Animé par la même passion, Pascal Torres vous fait découvrir cette exceptionnelle transition de l’art du nielle à l’estampe, perceptible à vos yeux, grâce à une très belle présentation d’œuvres uniques ici réunies. Cette technique de transfert d’émail noir sur papier au moyen d’une plaque de métal précieux anime tout le XV° siècle avant de tomber dans l’oubli. On sent toute son âme vibrer lorsqu’il évoque cette épreuve de nielle en soufre à quelques centimètres de nous, réalisée très probablement par Maso Finiguerra. Cette petite plaque représentant Le Couronnement de la Vierge prend alors une tout autre dimension : nous avons l’impression en l’écoutant que l’artiste florentin nous regarde et s’instruit lui-même de ce qui est dit. Finiguerra a-t-il eu conscience de l’avenir de cette technique du trait et de la gravure en Florence dans son atelier, marquant l’histoire de l’art pour les siècles à venir ? Il est fort probable que l’artiste devait être un peu comme ces apôtres du Christ dans cette épreuve de nielle en soufre « Jésus au mont des Oliviers » peu conscient du rôle qu’il allait avoir tout en étant dans l’Histoire en favorisant un dialogue fertile entre les grands ateliers de cette époque…

Maso Finiguerra (Florence, 1426-Florence, 1464),
Jésus au mont des Oliviers, épreuve de nielle en soufre,
6,1 x 4,5 cm., département des Arts graphiques, musée
du Louvre, 1 Ni © RMN / Stéphane Maréchalle

Certaines sont surprenantes par leur « design » tout à fait contemporain. Les Mayas n’étaient pas des pacifiques et la guerre constituait un facteur de développement commun, mais aussi un élément certainement significatif de la disparition de leur société, par la dégradation de l’environnement, les pressions sociales, et l’épuisement même de la civilisation (successions de conflits entre les sites). Dans les premiers âges de la civilisation maya, les productions étaient précéramiques, des pointes de flèches (période pléistocène – âge de glace) essentiellement destinées à la chasse et la découpe de la viande. C’est pendant la période Préclassique que certains groupent se sédentarisent et produisent les premiers récipients, bols, cruches, plats et tecomates (vases) en céramiques monochromes aux formes et techniques décoratives (incisions, chanfreinage, inclusions…) qui révèlent alors une unité culturelle émergente intense et permettront de dater et d’établir des liens entre les groupes et les différentes régions. Les plus récentes recherches archéologiques et scientifiques prouvent le développement exceptionnel de la civilisation maya dans les domaines des arts, de l’architecture, dans l’organisation sociale et politique. Les grands sites se multiplient, l’architecture devient plus imposante, témoignage du fort accroissement de la population et du pouvoir politique et économique des Mayas.

Les premiers signes d’écriture hiéroglyphique apparaissent aussi au cours de la troisième période du Préclassique et une forme primitive de papier peut y être associée. Tout semble réussir à cette grande civilisation et pourtant vers 150 après J.C, des tensions apparaissent et poussent mystérieusement les populations guatémaltèques à quitter et à abandonner leurs lieux de vie. Le système social du Préclassique s’effondre, mais dès le début du Classique (de 250 à 1000 après J.C), les prémisses de l’apogée de la civilisation maya se font sentir. Commence alors une autre période d’histoire (classique ancien, récent et terminal) de cette grande civilisation… Mais elle ira à sa perte sur près de trois siècles et cela reste toujours un mystère pour les spécialistes.
Aller au Musée du quai Branly, c’est avoir envie de mieux appréhender les civilisations du monde. Voyager dans le temps avec une d’entre elles, celle des Mayas, c’est s’ouvrir aux autres et aux hommes d’aujourd’hui qui descendent de ces grandes histoires de l’humanité ! C’est pourquoi cette exposition se termine sur les Mayas d’aujourd’hui, à la recherche de leurs racines et réhabilitant leur culture pour que les générations actuelles et futures sachent d’où elles viennent.

Autour de l’exposition sont proposés un certain nombre d’activités, visites contées, et un colloque international dont vous trouverez tous les renseignements sur le site du musée : www.quaibranly.fr
 

Album de calligraphies,
Iran, XVIe - XVIIe siècle
BnF, département des Manuscrits

Une exposition vient d’ouvrir ses portes à la Bibliothèque nationale Richelieu à deux pas du Musée du Louvre où viennent de débuter également deux très belles expositions sur la Renaissance italienne et l’Enluminure médiévale. Ici, dans la prestigieuse bibliothèque, c’est à l’Islam que sont consacrées les plus riches enluminures possédées par la BnF. L’exposition porte le sous-titre « entre abstraction et figuration » qui résume la thématique abordée par le très beau travail réalisé par le commissaire de l’exposition, Annie Vernay-Nouri.
La question est éternelle, l’homme a de tout temps cherché la transcendance pour expliquer son existence. Chercher une finalité à son quotidien et faire de sa quête un absolu vers lequel tendre. Certes, les questions d’actualité feront de cette exposition un sujet brûlant, cela est tentant, mais ô combien réducteur. Tout, pour notre occident laïc, suspicieux du religieux, aura tendance à qualifier d’extrême et d’intégriste cette interdiction de la représentation du divin. Ces revendications existent bien et sont parfois manifestées de la manière la plus violente et aveugle, mais que l’on fasse un effort, et que l’on retourne à l’histoire la plus ancienne du monothéisme avec l’interdiction également présente de représenter le divin. L’exposition n’a pas choisi cette facilité, elle laisse libre le visiteur d’aller de l’une à l’autre salle, depuis l’absence absolue de représentation graphique (1re salle) jusqu’aux tentatives les plus osées de représenter le Prophète (2e salle).

Coran, VIIIe - IXe siècle
BnF, département des Manuscrits

 La question, on le comprend, est beaucoup plus profonde que notre crainte d’une religion poussée à l’extrême, cette question touche au cœur de tout à chacun : il s’agit de savoir si nous préférons l’abstraction la plus absolue pour appréhender notre existence ou alors dans un souci compréhensible de se rassurer, le choix délibéré de figurer cet absolu en le rendant tangible et en figurant, au sens étymologique du terme, la divinité.

La question a longtemps occupé les premiers temps du monothéisme, elle l’occupera également les premiers temps de la chrétienté avec la querelle des icônes, pour cette représentation ou au contraire radicalement opposée avec l’iconoclasme. Voilà résumée la problématique, le commissaire de cette très belle exposition a souhaité la plus grande ouverture possible, tout est présenté dans une admirable scénographie avec une salle bleue, d’un bleu profond, où l’interdit le plus absolu fait l’objet, de la part des œuvres présentées, d’un respect magnifié par la beauté de l’art. Le divin n’est ici appréhendé que par le verbe, et ce verbe est manifesté par la lettre et l’art de la calligraphie. L’absolu est magnifié par l’art de l’enluminure et les différents styles d’écriture, qui forment autant de chants adressés au divin.

Coran, Espagne, 1304
BnF, département des Manuscrits

Le visiteur pourra se faire une idée de la beauté suscitée par cette inspiration divine en admirant les plus précieux Corans réunis pour l’occasion dans cette première salle. Puis, la tendance naturelle de l’homme le porte à toucher du doigt l’absolu et de le rapprocher de ce qui est plus connu et de ce qui le rassure : c’est l’objet de la deuxième salle, d’une couleur plus chaude, où la poésie, les sciences, la littérature, l’histoire tentent d’en dresser les contours, d’en donner une réalité plus tangible, mais tout aussi transcendante. Nous pouvons ainsi presque feuilleter les grands livres de poésie et de sciences (cela est tout à fait possible numériquement sur le site de la BnF) et remarquer l’extraordinaire créativité des arts de l’Islam dans toutes ses manifestations. L’influence des Persans et des Turcs a été grande dans ce développement de la figuration et les nombreux documents présentés laissent cette impression d’une immense arabesque, parfois visible, le plus souvent disparaissant sous nos yeux pour mieux graver notre imagination...

al-Harîrî, al-Mâqâmât (les séances)
[ Iraq ], vers 1240
BnF, département des Manuscrits

L’exposition est nourrie par une ambition de longue haleine, car elle se poursuivra bien au-delà de son terme avec la numérisation de toutes les œuvres déjà accomplie et accessible en ligne, ainsi que de nombreuses animations multimédias.
La question est lancée, cette exposition devra faire l’objet de débats et de recherches, pour dépassionner le débat et l’approfondir dans ses différentes dimensions, l’actualité facile y perdra, la théologie et l’histoire des religions et de l’art y gagneront !

Un travail didactique remarquable a été réalisée également dans l’espace numérique de l’exposition avec une un parcours commenté par le commissaire de l’exposition http://expositions.bnf.fr/islam/
 

Le Musée national d’Art Asiatique de Corfou, unique en Grèce, possède une riche collection japonaise dont le noyau se compose de 1600 estampes. Elles ont été réunies par Gregorios Manos (1850-1928), ambassadeur de Grèce à Vienne de la seconde moitié du XIXe siècle au début du XXe siècle. Manos a acquis la plupart de ces œuvres à Paris après avoir quitté ses fonctions d’ambassadeur. Sa collection fait ainsi le lien entre le Japon, la France et la Grèce.

Cette exposition réunit 150 œuvres des huit plus grands maîtres de l’ukiyo-e sélectionnées parmi cette collection exceptionnelle : Sharaku, Hokusai, Hiroshige, Utamaro, Toyokuni, Kuniyoshi, Harunobu et Kiyonaga. Elle montre de manière éclatante l’originalité de ces huit artistes de l’époque d’Edo.
 

DOGON

C'est au musée du quai Branly et jusqu'au 24 juillet 2011 que les peuples Dogon dévoilent quelques secrets de leur art. C'est la meilleure occasion de découvrir ou de mieux comprendre la spécificité de ces créations artisanales. Bien qu'il soit un des arts africains des plus connus, l'art dogon n'en reste pas moins plein de mystères. En effet les différentes grandes familles qui ont formé au fil des temps, le grand peuple Dogon, méritaient une exposition d'envergure. Les Dogon ont occupé les falaises de Bandiagara, au Mali, depuis le X° siècle, au fil des invasions, fuyant la religion musulmane et des déplacements des populations animistes. Tous ces hommes ont bâti leurs abris et sanctuaires, gardés par de fascinants gardiens de bois sculptés aux bras levés vers le ciel, vers le dieu créateur. Ces protecteurs de la communauté s'inscrivent dans les croyances et rituels dogon dont la complexité est aussi fascinante que le mythe d'origine, complètement intégré dans chaque geste et événement des la vie quotidienne. Il aura fallu attendre l'expédition Djakar-Djibouti et dans les années 1930, les travaux et recherches de Marcel Griaule, pour que l'ethnographie française s'intéresse de très prêt à la richesse de la culture dogon. Le pays Dogon appelé aussi falaise de Bandiagara, se situe au centre-est de la République du Mali, à proximité de la frontière du Burkina Faso. Cette terre aride depuis la grande sécheresse du XIIIe siècle, est un refuge idéal pour fuir les guerres ou les famines. Entre le Xe et le XIVe siècle, les différents peuples se sont adaptés les uns aux autres sur ce plateau dogon, lieu d'échange et de rencontre, et ont donné naissance à une production artisanale et artistique riche qui évoluera au cours des siècles, avec différentes écoles ayant chacune développé un style propre. Essentiellement réputée pour sa statuaire et ses masques, la création plastique du pays dogon compte également des objets moins connus, d'usage culturel ou quotidien, d'une grande richesse de formes et de sens.

Maternité © musée du quai Branly, photo Hughes Dubois

 Autant d'artistes que de styles et d'écoles reconnaissables par leurs spécificités. En fin de parcours chacun en saura assez pour se plonger plus profondément dans l'histoire de ces peuples. Les masques cérémoniels, (soixante-dix-huit types répertoriés par Marcel Griaule) impressionnants par leurs formes et leurs volumes, sont liés au mythe d'origine et représentent tout ce qui constitue l'univers. La société des masques, l'awa, uniquement formée d'hommes circoncis, font intervenir les masques à des moments précis de la vie des Dogon, comme le Dama -levée du deuil- et le Sigui -grande fête qui célèbre tous les 60 ans la révélation de la parole aux hommes ainsi que la mort et les funérailles du premier ancêtre-. Les recherches filmées par Marcel Griaule en sont des témoignages particulièrement parlants. On ne peut pas appréhender la culture dogon sans tenir compte de la cosmologie et du mythe de la création d'une étonnante complexité et qui sous-entend l'ensemble des coutumes et de l'art dogon. Surprenante est l'histoire de ce mythe. C'est à partir de la parole du dieu suprême, Amma, qu'a lieu la création du monde. Se décline alors un certain nombre d'événements liés les uns aux autres expliquant la naissance des Dogon. A découvrir...

Grande statue Djennenké

© musée du quai Branly, photo Patrick Gries

Ce voyage en pays Dogon se termine par quelque 140 objets qui évoquent toujours le mythe d'origine et montrent ainsi l'inclination des sculpteurs dogon à l'évoquer jusque dans les objets les plus singuliers, bijoux, poulies, boites en fer, appuie-tête, portes et serrures, sièges, coupes et plats... Ces objets déclinent les mêmes thèmes « magico-religieux » que les sculptures présentées dans le premier espace de l'exposition. Les piliers de Togu na (case à palabres), qui se situe au centre du village, sont subtilement sculptés de figures féminines ou masculine ou parfois de varans. Cet abri est associé à la parole et sa configuration est propice à l'échange. (La positon assise correspond à l'équilibre des facultés qui influence la parole, elle empêche les emportements et permet les échanges calmes.) En quelques décennies, l'islamisation du plateau de Bandiagara et les contacts avec l'Occident (industrie touristique) ont induit une transformation du mode de vie des Dogon. La culture dogon, désormais distincte de la religion, reste vivante et évolutive. Les Dogon adaptent leurs techniques créatrices aux matériaux modernes et de récupération. Aujourd'hui les quelque 400 000 Dogon qui peuplent le plateau ont ainsi pu préserver, adapter et renouveler leur art et leur culture, patrimoine toujours vivant. Chaque individu appartient à une série de groupes concentriques : Il est membre d'une lignée, d'un clan, d'un village avant d'être Dogon et enfin Malien, mais toutes les générations partagent les valeurs traditionnelles de l'harmonie, le respect des anciens et des objets rituels.
« L'art des Dogon n'est pas un art bavard qui se perd dans l'ornement. Il correspond à ce qui est pour moi la vraie sculpture : il va à l'essentiel. » écrit Hélène Leloup, spécialiste de l'art des Dogon, commissaire et scénographe de l'exposition.
Des programmes multimédias rendent plus concrètes certaines informations des chercheurs sur l'art dogon, sur les danses rituelles ou encore sur les patines des statuettes, liées à l'utilisation même des objets dans un contexte rituel et dont l'étude est un moyen d'approcher la fonction des objets.
Autour de cette exposition, le musée du quai Branly propose de nombreux rendez-vous au public : festival « Afrique dans tous les sens », performances artistiques, rencontres et conférences, des contes et ateliers pour les plus jeunes.
Vous trouverez toutes les informations pratiques sont sur le site www.quaibranly.fr

Les publications :
Le catalogue « Dogon ».
Coéditions Somogy éditions d'art / Musée du quai Branly
416 pages - illustrations couleurs.
A l’occasion de cette exposition, le musée du quai Branly propose un album iPad Dogon disponible en français et anglais..
Connaissance des Arts sort un hors-série de 68 pages et 80 illustrations.
Chez Gallimard découverte, un hors-série « En pays Dogon » est publié à l'occasion de cet événement. Se procurer l'ouvrage de référence d'Hélène Leloup, commissaire de l'exposition, « Statuaire Dogon » publié en 1994 par Amez.

 

Manet, inventeur du Moderne

Manet a bouleversé l’univers pictural de son époque non seulement en préfigurant et en rendant possible l’introduction de l’impressionnisme, mais également, selon Michel Foucault, en élargissant « les propriétés matérielles de l'espace sur lequel il peignait ». La dernière rétrospective consacrée au grand peintre datait de 1983 ; or, depuis, un grand nombre de recherches ont jeté de nouveaux éclairages sur celui que l’on pensait pourtant bien connaître. Le commissaire de l’exposition, Stéphane Guégan, souligne combien il importe d’apprécier à sa juste valeur l’esthétique née de son art qui dépasse largement la notion de réalisme dont on le caractérise habituellement. Le titre de cette exposition se fait d’ailleurs bien l’écho des propos introductifs de Foucault : Manet peut être considéré comme un inventeur du Moderne.

Henri Fantin-Latour (1836-1904)Hommage à Delacroix1864Huile sur toile H. 160 ; L. 250 cm Paris, musée d'Orsay Donation d'Etienne Moreau-Nélaton, 1906© RMN (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Edouard Manet (1832-1883)L'homme mort Vers 1864Huile sur toile H. 75,9 ; L. 153,3 cm Washington, National Gallery of Art Widener Collection © courtesy National Gallery of Art, Washington

Le visiteur de l’exposition pourra s’arrêter de longs instants devant L'homme mort, ce torero allongé éblouissant par la force qui se dégage de cette évocation pourtant morbide. Manet ne s’enferme dans aucune tendance et s’il se tient à l’écart de la première exposition des « impressionnistes », ce n’est pas par désertion, comme certains l’accusent, mais bien parce que son art ne peut être rattaché à un mouvement ou une école.

L’exposition du musée d’Orsay sera également la possibilité d’admirer les nombreuses natures mortes de l’artiste, natures qu’il convient de replacer dans leur contexte et surtout celui du peintre.

Edouard Manet (1832-1883)Vase de pivoines sur piédouche1864Huile sur toile H. 93,2 ; L. 70,2 cm Paris, musée d'Orsay Donation Etienne Moreau-Nélaton, 1906© Musée d'Orsay, dist. RMN / Patrice Schmidt

Le musée ART ROCH

La collection du musée composée de dizaines d’objets et peintures nous fait voyager dans les temps les plus reculés de l’histoire de ces peuples. Outre les traditionnelles peintures sur écorces, des totems, des objets cérémoniels, des représentations de figures mythiques millénaires (Wanjinas, Mimi, Yawk Yawk), des pointes de lance, des boucliers de chasse, des woomera (propulseurs de lance), des boomerangs, des passeurs de message, des coolamons et autre tablettes rituelles, la scénographie et le parcours du musé nous guident parmi les toiles de certains des plus grandes artistes de l’art contemporain aborigène actuel, nous berçant dans les origines de la création. Toutes les pièces présentées ont été choisies avec le souci de la connaissance et de rapprocher les cultures entre elles. L’approche intimiste des œuvres permet aux visiteurs de percevoir l’ordre intemporel du « Temps du rêve », si présent dans toutes les œuvres présentes ici. Le musée ne cherche pas à mettre en avant une démarche anthropologique, il valorise plutôt la charge expressive et la puissance d’évocation de cet art ancestral, que tout à chacun est à même de ressentir.
Aujourd’hui, l’art aborigène est reconnu comme un art tribal mais est également reconnu dans les sphères de l’art contemporain. Un lieu comme le Musée art Roch, devient alors le seul lieu d’immersion totale dans l’histoire de cet art et participe à ce que les grands noms de ces artistes figurent aux côtés des maîtres de la peinture occidentale.
Un lieu à découvrir absolument !

 Evelys Toneg
 

L’œil et la passion sont réunis à l’occasion d’une exposition remarquable au musée des Beaux-Arts de Caen jusqu’au 20 juin 2011. Une fois de plus, le musée dirigé par Patrick Ramade a réussi la prouesse exceptionnelle de réunir soixante-dix feuilles dignes des plus grands musées internationaux en un parcours à la fois didactique et esthétique. Provenant de riches collections privées françaises, ces œuvres du Cinquecento italien (XVI° siècle) sont emblématiques des styles de la Renaissance, du Maniérisme et de la Contre-Réforme, une exposition décidément exigeante et qui nécessitera de prendre son temps pour l’apprécier pleinement. Avec une scénographie sobre, cette exposition nous plonge au cœur du trait et du dessin des plus grands artistes de cette époque, et l’œil du visiteur sera plus d’une fois surpris de pouvoir admirer aussi librement (aucune distance entre le visiteur et l’œuvre) ces créations qui étaient pour la plupart d’entre elles des études et des projets pour les chefs-d'œuvre à venir. Véronèse, Tintoretto, Parmigianino ou encore Beccafumi sont réunis avec un éventail de dessins d’une grande variété. Avec Patrick Ramade, Catherine Monbeig Goguel et Nicolas Schwed ont conçu cinq parties suivant la succession des générations et les différents foyers artistiques. La plupart de ces dessins sont inédits et n’ont jamais été exposés. L’exposition présentée à Caen prend ainsi figure d’une collection idéale, rêve de tout esthète de la Renaissance…
 

Franco, Neptune sur son char (détail), DR

Le mouvement est au cœur d’une effusion picturale sous la pierre noire de Battista Franco, un peintre vénitien qui servira la Cité par ses nombreuses évocations mythologiques. Ici, Neptune sur son char est momentanément fixé sur le papier par l’artiste, mais nul doute qu’une fois l’œuvre regardée, le dieu des mers poursuive sa route sur sa monture effrénée !

Un peu plus loin, l’incroyable drapé d’un saint évêque qui prend forme sous le trait de Véronèse laisse songeur le visiteur qui croit avoir perçu le froissement de l’étoffe de celui qui pourrait bien être saint Ambroise, le saint bien-aimé de la ville de Milan.

Tintoret, Adoration des Bergers, DR

Une halte devant l’Adoration des Bergers de Domenico Tintoretto, le fils de Jacopo, témoigne des audaces de ces artistes du XVI° siècle, audace que ne désavouerait pas un peintre comme Picasso si l’on observe les traits évoquant les personnages de la sainte scène. L’essentiel n’est pas là, et devant la candeur d’un enfant Jésus dont les traits sont réduits au minimum (trois points…), la force de la composition est ailleurs, dans cette tension qui anime chacun des protagonistes, tension qui oscille entre surprise et émerveillement, stupeur des bras écartés et recueillement des bras croisés.
L’œil aiguisé par la beauté, mais aussi par la qualité des œuvres et l’état de leur conservation rencontre la passion de posséder ou plutôt d’acquérir, car est-il possible de « posséder » le beau ?
La réponse à cette question se fera pour tout à chacun en visitant cette très belle exposition où chacun d’entre nous pourra emporter avec soi quelques fragments de beauté qui hanteront longtemps après la mémoire de nos émotions.

« Nature et idéal, le paysage à Rome 1600 – 1650 »

exposition Grand Palais , Galeries nationales

Quels rapports entretiennent ces deux mots « nature » et « idéal » dans le langage pictural de la première moitié du XVII° siècle ? La représentation du paysage à Rome est le thème retenu pour cette exposition qui se tient actuellement au Grand Palais, évocation qui a inspiré tant d’artistes dont les noms sont parvenus jusqu’à nous tels des synonymes de beauté et de perfection. C’est cette perfection née de l’antique que soulignait Chateaubriand lorsqu’il affirmait : « On n’a point vu Rome quand on n’a point parcouru les rues de ses faubourgs mêlées d’espaces vides, de jardins pleins de ruines, d’enclos plantés d’arbres et de vignes, de cloîtres où s’élèvent des palmiers et des cyprès, les uns ressemblant à des femmes d’orient, les autres à des religieuses en deuil. » Rome a réussi cette extraordinaire métamorphose en renaissant encore plus belle de ses ruines. Elle a pu opérer une telle métamorphose grâce à ses couleurs et aux formes qu’elle a su inspirer aux artistes majeurs de ce XVII° siècle en profond changement. Il est vrai, qu’auparavant, peindre le paysage pour lui-même aurait paru incongru pour un artiste qui le réservait comme un complément d’un thème central. La ville éternelle a donc su inspirer cette mutation picturale grâce aux nombreux attraits qu’elle a toujours suscités : De nombreux peintres vinrent de l’Europe entière dans l’espoir d’en capter les plus beaux reflets. La très belle exposition réalisée par Stéphane Loire avec la collaboration scientifique de Francesca Cappelletti, Patrizia Cavazzini et de Silvia Ginzburg proposent ainsi à notre regard plus de 80 peintures parmi les plus belles sur la ville éternelle et son paysage.

Domenico Zampieri, dit le Dominiquin (1581-1641)

huile sur toile (164 × 213 cm) Paris, Musée du Louvre © RMN / Gérard Blot

Par contraste, la plaine, au loin, paraît sereine presque confiante dans le destin qui s’écrit sous nos yeux. Voilà un exemple de cette transformation de la représentation de la nature confirmée par l’excellence de l’art du Dominiquin.

Nicolas Poussin (1594-1665) huile sur toile, 155 × 234 cm

© Madrid, Museo nacional del Prado

Le chemin est tout tracé pour ouvrir une voie lumineuse vers les grandes réalisations de Poussin ou du Lorrain, eux-mêmes influencés par l’influence plus descriptive des peintres nordiques. C’est ainsi que le visiteur découvrira au fil des salles sobrement organisées les plus belles réalisations de cette première moitié du XVII° siècle, avec, en point d’orgue, les grands paysages exécutés par Nicolas Poussin et Claude Lorrain tels le Paysage avec saint Paul ermite qui révèle une nature particulièrement inextricable en écho avec la démarche érémitique du saint ou encore le paysage lunaire inquiétant évoqué par Claude Lorrain dans Paysage avec la tentation de saint Antoine. Le paysage peut être également circonscrit à la vue d’un port, thème qui occupa particulièrement ce peintre dont l’incroyable lumière d’un soleil toujours masqué par un point de l’horizon illumine l’ensemble de la représentation. La peinture plus intellectuelle de Nicolas Poussin ne cesse quant à elle de tisser un dialogue raffiné de plus en plus étroit avec la nature, dialogue souvent difficile à entendre au XXI° siècle. Cette très belle exposition parvient à nous le restituer avec intelligence et raffinement, et à l’image de Goethe découvrant pour la première fois la ville éternelle, nous pourrons dire avec lui : « Tout est comme je me l’imaginais et tout est nouveauté ! ».

Claude Gellée, dit le Lorrain (vers 1600-1682) huile sur toile, 211 × 145 cm
© Madrid, Museo nacional del Prado
 

Galeries nationales du Grand Palais

Entrée Clémenceau
3, avenue du Général-Eisenhower
75008 Paris
Tél : 01 44 13 17 17

RETROUVEZ LA CHRONIQUE DU CATALOGUE DE L'EXPOSITION :

« Nature et idéal, le paysage à Rome 1600 – 1650 » catalogue de l’exposition Grand Palais , Editions de la RMN et du Grand Palais, Paris, 2011.

« [ Je suis] l’élève de la nature […] je n’ai eu que moi-même pour maître ». Chez un autre que Courbet, une telle affirmation pourrait paraître prétention et vanité réunies ; or, avec le peintre maître du réalisme, il n’en est rien. Nature et artiste se fondent en une osmose parfaite, l’un dessinant l’autre, dans un éternel retour de la perfection esthétique. Courbet estimait, en effet que « Le beau est dans la nature », et il appartenait à l’artiste de le reconnaître pour en témoigner dans l’art. Une telle quête a nourri les trente-cinq toiles et quatorze dessins de celui qui souhaitait à tout prix rompre avec l’académisme de son époque, pour cette recherche libre évoquée précédemment. La Fondation Bismarck ne pouvait être que l’écrin rêvé d’une telle exposition, organisée en partenariat avec l’Institut Courbet, à la fois intimiste et en même temps exigeante. L’âme de la si belle comtesse plane encore dans ces lieux et nul doute qu’elle aurait validé pareil accrochage de beautés et d’émotions artistiques. Car la nature est presque surprise dans les instantanés du peintre Courbet. Il semble même parfois tapi si silencieusement dans ses recoins qu’il a su en surprendre les murmures inaudibles et les reflets masqués habituellement à la descendance d’Adam et d’Eve… il suffit pour s’en convaincre de se recueillir devant ces évocations de sa vallée natale pour mieux comprendre ce que Courbet affirmait : « L’imagination dans l’art consiste à savoir trouver l’expression la plus complète d’une chose existante, mais jamais à supposer ou à créer cette chose même.»

Etude de paysage de Fontainebleau - Gustave Courbet - 1850,

huile sur toile, 38x45 cm, photo@Institut Courbet d'Ornans
 

Le Petit Pêcheur d’Ornans renouvelle cette expérience devant notre regard : l’artiste a su percevoir l’œuvre de la nature dans ces reflets argentés, presque neigeux, de l’eau agitée par la retenue du barrage. Nous regardons ainsi Courbet qui lui-même perçoit ce petit pêcheur qui s’abîme dans la contemplation de la nature dont il fait lui-même partie. Seul un ciel rouge de fin de journée qui s’annonce vient rompre cet équilibre parfait, la masse sombre des nuages souligne la fugacité de ces instants de quiétude, on n’ose dire de bonheur…

Le passage du gué - Gustave Courbet - 1841,

huile sur papier marouflé sur toile, 26x22 cm, photo@Institut Courbet d'Ornans

Le peintre Cranach l’Ancien naît, un an après Dürer, en 1472 à Kronach, en Haute-Franconie, ville de Bavière en Allemagne qui a inspiré son patronyme. Forgé aux armes de l’humanisme, le jeune homme sera engagé comme peintre officiel à la cour du prince électeur de Saxe à Wittenberg. L’exposition qui réunit une sélection importante de ses œuvres au musée du Luxembourg est une belle manière d’aiguiser son regard à la Renaissance du nord de l’Europe. Ses œuvres vont en quelque sorte, le temps d’une exposition, offrir le miroir de son époque, une époque riche en ces temps de Réforme. Les différents portraits officiels, qui sont présentés dans ce musée qui vient de rouvrir ses portes, proposent une « illustration » des grands de cette époque, ce qui est déjà beaucoup ; mais, l’art de Cranach va bien au-delà et opère également par magie une impression étrange de vie qui surprendra plus d’un visiteur.

Que l’on place en vis-à-vis les portraits de Martin Luther et de Philippe Melanchthon et l’on comprendra immédiatement la proximité qui unissait le peintre de ces deux humanistes réformateurs. Il faudra également s’arrêter sur son étonnant autoportrait réalisé en 1531 dont émane un regard à la fois ferme de l’homme sûr de son art et en même temps la perplexité : est-ce en raison de ses multiples engagements officiels qui font de son atelier une activité florissante ? Les tourments de la foi réformée qui ébranlent son temps et son cercle le plus intime d’amis ont-ils eu raison de ses certitudes ? Nous ne le saurons pas et son regard nous accompagnera longtemps après la visite…
 

Cette « propagation » de la foi par une nouvelle manière de voir sera au cœur des préoccupations artistiques de Cranach. L’image vient à l’appui de la Parole du Christ et l’aide à la graver dans la mémoire du croyant. La représentation de La Charité peinte après 1536 est significative de cette vaste entreprise. Une jeune femme est assise, nue, sur un tronc d’arbre scié, quatre petits enfants également nus l’entourent, goûtent une pomme ou tètent le sein de la jeune femme, dans un total abandon à la manne bienfaitrice…
Les références à l’Antiquité sont également nombreuses dans l’art de Cranach et de son temps, leurs fonctions rhétoriques sont manifestes pour la légitimation des princes électeurs. Mais, peu importe ces calculs, ils offrent la possibilité pour nos contemporains d’admirer l’art établi de Cranach qui a su transcender ces contingences pragmatiques, signe de la qualité de l’artiste. Tout aussi convaincante est la manifestation de la délicate dévotion apportée par le peintre dans ses représentations de la Vierge, qui, si elles n’ont pas la chaleur de leurs homologues italiennes, traduisent néanmoins une émotion profonde et solidement ancrée.

Lucas Cranach L’Ancien, La Vierge allaitant l’enfant, vers 1515 huile sur panneau tilleul, 81,6 x 54 cm, Budapest, église réformée, collection Ràday
© Budapest, église réformée, collection Ràday

Parmesan, dessins et gravures en clair-obscur

 cabinet des dessins Jean Bonna, Beaux-arts de Paris

Girolamo Francesco Mazzola dit le Parmesan
Saint Christophe portant le Christ enfant
Plume, encre brune et lavis d’encre brune sur papier préparé rose Mas 2367

© Ecole nationale des Beaux-arts de Paris - Photo : J.M Lapelerie

Alors qu’à quelques centaines de mètres de là, le musée du Luxembourg célèbre le peintre Cranach dans une exposition très médiatisée, de véritables joyaux sont également à découvrir dans le même périmètre, dans un cadre intimiste, et à l’abri des grandes files d’attente !
C’est en effet à l’Ecole nationale des Beaux-arts de Paris qu’il faudra également se rendre, d’autant plus que l’artiste qui y est honoré est un contemporain italien de Cranach, une belle manière de comparer les arts de la Renaissance du nord et du sud
C’est grâce au mécénat de Jean Bonna et à Emmanuelle Brugerolles (commissaire) que cette exposition a pu réunir une trentaine d’œuvres de la Renaissance issues de l’école émilienne caractérisée par l’art de Girolamo Francesco Maria Mazzola nommé plus abruptement par Vasari, Parmigianino, « le petit Parmesan », l’artiste étant né à Parme…

Attribué à Parmesan
Tête de jeune femme pour La Vision de saint Jérôme
Sanguine sur stylet Mas 2545

© Ecole nationale des Beaux-arts de Paris - Photo : J.M Lapelerie

Nous sommes dans le temple du raffinement et de la délicatesse sublimés par la quintessence du dessin. Nul artifice ne peut venir atténuer une faiblesse du trait ou de la forme comme en témoigne cette superbe Etude d’une figure allégorique féminine pour le camerino de Fontanellato.

Quelle que soit l’attribution du personnage évoqué dans cette étude, la sanguine invite le regard à contempler l’intimité d’une Diane ou de la déesse lunaire Hécate dans une attitude où le port de tête souligne la grâce du buste à moitié découvert. Que l’on rapproche de ce dessin l’admirable Tête de jeune homme où le pastel de couleur esquisse sur le papier bleu un visage étonnant de vie et de fraîcheur. Ce pastel assez inhabituel chez Parmesan est à rattacher aux travaux de Corrège et de Léonard.

C’est d’ailleurs à Rome (1524-1527) qu’il complètera sa formation et qu’il fera connaissance des oeuvres de Raphaël et de Michel-Ange, encouragé en cela par la bienveillance du pape Clément VII qui garda pour lui le tableau de la Circoncision que le jeune artiste réalisa dès le début de son séjour.
De cette période romaine date la Vierge baignant l’Enfant Jésus réalisé à la plume et à l’encre brune dont le caractère intimiste frappe immédiatement : la Vierge, allongée à même le sol, tient son enfant penché sur elle dans un geste maternel universel.

Ugo da Capri d’après Girolamo Francesco Mazzola dit le Parmesan
Diogène, vers 1526-1527 Gravure sur bois Est 11337

© Ecole nationale des Beaux-arts de Paris - Photo : J.M Lapelerie

L’exposition sera également l’occasion d’apprécier l’art de Parmesan quant aux gravures en clair-obscur, chiaroscuro, technique pour laquelle il développera tout l’éventail de ses qualités artistiques. La curiosité dont il fait preuve sur le développement de cet art gravé est manifeste dans les œuvres présentées tel ce Diogène admirable dans ce face à face avec le coq plumé et dont la fougue soulignée par le mouvement de son vêtement ne cesse d’étonner…
Il faudra s’attendre à de véritables moments d’émotions artistiques lors de cette visite à ce Cabinet des dessins qui rivalise avec les plus grandes institutions internationales quant à la qualité et au nombre de ses dessins conservés !

L’ORIENT DES FEMMES vu par Christian Lacroix

Quel plus bel hommage pouvait-on offrir à ces femmes d’Orient, ces femmes du « croissant fertile », du nord de la Syrie à la péninsule du Sinaï, que le regard aiguisé et sensible d’un artiste aussi talentueux que Christian Lacroix, à qui le Musée du quai Branly a confié la direction artistique de cette exposition !
« L’Orient des Femmes vu par Christian Lacroix » est un subtil parcours autour de robes richement colorées et brodées par ces femmes des campagnes et des tribus itinérantes qui rivalisaient de créativité pour confectionner tous ces vêtements. Pièces uniques, constituant avec quelques autres accessoires brodés aussi, l'essentiel de chacun des trousseaux des futures jeunes mariées. Montrées pour la première fois au public, ces robes, collectées depuis des décennies ou issues de collections particulières, sont autant de livres d'étoffes qui racontent une terre d'origine, un milieu social, une religion, un art de vivre, une manière d'être, une mémoire collective, des gestes ancestraux répétés à l'infini, des vies entières...

détail de Manteau de fête de femme syrienne, dara'a Date : vers 1965
Provenance : Sukhné (province d'Alep),
© musée du quai Branly, photo Thierry Ollivier, Michel Urtado

Ces costumes de femmes syriennes, jordaniennes, palestiniennes ou encore bédouines, dont les secrets de confection transmis de générations en générations, de mère à fille (dès 7 ans), dans le bruissement et la douceur des étoffes de coton, de drap de Damas, de gaze ou de soie, sont des espaces de liberté pour toutes ces mains expertes qui se sont passé ce savoir-faire de ce patrimoine du geste depuis des siècles. Malheureusement, cet art disparaît inéluctablement depuis le 19e siècle avec les échanges commerciaux entre le monde méditerranéen et l'Occident exportant sa propre mode vestimentaire. En ce début de 21e siècle, la globalisation culturelle et la montée d’un certain fondamentalisme sonnent la fin d’une tradition vestimentaire séculaire et il est impossible de rester indifférent à la disparition de ce patrimoine identitaire, voire à l’anéantissement de cette mémoire de femmes, car, comme l’explique Hana Chidiac, commissaire de cette exposition, derrière ces costumes d’une rare beauté, il y a des générations de femmes pétries de rêves et de sensibilités, des femmes qui ont piqué des milliers de points colorés sur leurs robes pour embellir la vie et adoucir leur avenir…
« L'Orient des femmes » est un événement joyeux, un tourbillon pour les sens. La vue, le toucher, l'ouïe sont sollicités. Imaginer les parfums d'Orient, les goûts des plats de fête donnera la touche finale à ce voyage vers cette région du monde qui a toujours exercé sur l'Occident une véritable fascination.

© musée du quai Branly

« Il faut véritablement être équilibriste pour donner un sens au passé à la fois en respectant les formes d’expression artistiques traditionnelles – même renouvelées d’une manière créative – tout en s’écartant de cet héritage.» écrit Simon Wright en préambule du catalogue consacré à l’œuvre de Dennis Nona, exposé à l’ambassade d’Australie, jusqu’au 20 mai 2011.
Entrer dans l’univers imaginaire et traditionnel de Dennis Nona est un voyage vers les terres des îles du détroit de Torres, cernées par la Nouvelle-Guinée au nord et l’Australie au sud, mais aussi vers sa terre, l'île de Badu, archipel tropical aux cultures spécifiques entre mondes aborigènes et univers mélanésiens. Dennis Nona y est né en 1973 et y apprend dès son enfance l'art de la sculpture traditionnelle sur bois. Après des études et l’obtention de diplômes en arts plastiques et en arts visuels, il est reconnu aujourd'hui, et de nombreuses fois primé de prix prestigieux, comme l'un des créateurs les plus originaux et novateurs de la scène artistique contemporaine. Au fil des années, son talent va se développer avec une finesse particulière à travers ses techniques de prédilection, la linogravure, les eaux-fortes et la sculpture. Son œuvre, d'une très d'une grande complexité et de forme visuelle très vivante, nous emporte âme et corps dans la tradition des légendes mythologiques de son île, qui jusque-là se transmettait oralement et par les danses traditionnelles. Dennis Nona a recourt, lui, à la narration graphique pour nous transmettre directement et visuellement son histoire, tant historique et clanique que spirituelle. La richesse de ses œuvres réside dans la multiplicité des niveaux de lecture. Stéphane Jacob, commissaire de l'exposition, nous invite à découvrir un ensemble d'une cinquantaine d'œuvres récentes mêlant l'art de l'estampe et de la sculpture, 33 eaux-fortes, 6 linogravures, 11 sculptures et 1 installation éphémère en sable, roches et Bu (coquillages trompette - chemin initiatique des jeunes garçons passant à l'âge adulte). Sans scénographie particulière, on déambule d'œuvre en œuvre, ébloui par le foisonnement de signes et le raffinement des traits, les couleurs, la maîtrise totale des techniques employées et l'extraordinaire bestiaire légendaire et mythologique que célèbre Dennis Nona.

Hommes, plantes, animaux et paysages ont tous leur propre signification dans l'épopée ou les événements magiques du passé de cette culture qui glorifiait le combat et tenait les guerriers en haute estime. C'était une culture de chasseurs de têtes (Byerb Ibaik, Baidam Aw Kuik, sculptures représentant les crânes humains utilisés comme monnaie avec les populations voisines de Papouasie Nouvelle-Guinée), de cannibales et de guerriers, culture où lorsqu'ils mourraient, les hommes et femmes, les sorciers et sorcières se transformaient en créatures marines ou devenaient des rochers, des îles du détroit. Le travail de Dennis Nonna prend souvent des proportions monumentales, ce qui lui permet de traduire visuellement et en détail, des légendes longues et complexes (Mutuk – eau-forte de 4,30 mètres de long ou encore Yawaar - linogravure de 6 mètres de long), sa sculpture aussi prend ce même chemin vers le monumental avec Ubirikubiri of Awaiau Kasa (crocodile en bronze de 3,60 mètres de long).

Dans sa démarche artistique, il repousse constamment les limites des supports qu'il utilise, ce qui crée de véritables défis techniques pour les fondeurs (sculptures de bronze) et fait que son art devient alors unique et se distingue de toute la production artistique contemporaine insulaire et australienne. La beauté frappante des œuvres de Dennis Nona n'a d'égal que la complexité des récits, tous expliqués sur des panneaux bilingues à côté de chacune des œuvres. Dennis Nona a su faire de son art un vecteur idéal pour toucher de nouveaux publics à travers le monde en donnant une lecture de la tradition que les insulaires du détroit de Torres se passent entre eux depuis des siècles, toujours sous les formes traditionnelles tels les tatouages, la sculpture, les danses, les dessins sur le sol, et toutes les significations symboliques et interactives entre les corps, la flore et la relation « mère » avec la mer nourricière. Les œuvres de Dennis Nona sont au-delà des œuvres de collection, car elles participent à la sauvegarde de la tradition et appartiennent en quelque sorte à la communauté dans la mesure où elles s'inspirent des récits des mythes fondateurs, des danses et des esprits qui sont liés à sa culture. Chaque projet d'œuvre est soumis aux sages du clan et validé avant d'être exécuté.
Dennis Nona est un conteur visuel qui a pour mission culturelle de nous faire partager par la beauté de son art, la culture vivante de son peuple.
Stéphane Jacob, commissaire de cette exposition, directeur de la galerie Arts d'Australie à Paris, membre du C.N.E.S, diplômé de l'école du Louvre est le spécialiste incontournable de l'art contemporain australien, particulièrement de l'art aborigène et de celui des insulaires du détroit de Torres, et signe là une très belle initiative qui porte haut l'œuvre de Dennis Nona.
Les œuvres de l’artiste sont connues dans le monde entier et l’artiste a le projet d'une sculpture monumentale, de bronze et de nacre, de 6 mètres de haut et de plus de 8 mètres de long qui trouvera sa place sur le parvis du nouveau Musée des Confluences à Lyon courant 2014.
Les plus jeunes ne sont pas oubliés et un parcours de questions permet aux enfants de découvrir les clés et les réponses de ce jeu de piste à travers l'art de Dennis Nona.

Le catalogue de l'exposition est subtil, délicat à l'image de l'œuvre de cet artiste. Juste un texte de présentation par Simon Wrigth et le reste du catalogue est consacré aux œuvres commentées livrant ainsi un peu de leur mystère symbolique et narratif. Les très belles reproductions laissent voir les nombreux détails des linogravures, estampes, eaux-fortes et la subtilité des jeux d'encrage des supports, ce à quoi tient particulièrement Dennis Nona. C’est un très bel ouvrage que l’on peut sans hésiter mettre dans sa bibliothèque.
Catalogue de l'exposition « Entre ciel, terre et mer ou le mythe revisité »
Éditions AAPN (Sydney)
Sous la direction de Stéphane Jacob et Mikaël Kershaw
130 pages – bilingue français/anglais.
Format 21X21 cm
 

Du lundi au vendredi, de 9h à 17h (sauf jours fériés) Renseignements : +33 (0)1 46 22 23 20
Ambassade d’Australie - 4, rue Jean Rey, Paris 15ème.
Métro Bir Hakeim, RER C Champ de Mars-Tour Eiffel
Exposition bilingue / Visites guidées (gratuites sur réservation) Activités scolaires (participation forfaitaire sur réservation)

entrée libre

Eivlys Toneg
 

sculpture chokwe représentant l'ancêtre Chibinda Ilunga (Museu de História Natural,
Faculdade de Ciêncas, Porto) © Archives Musée Dapper - photo Olivier Gallaud.

Evénement de taille au musée Dapper ! Christiane Falgayrettes-Leveau, commissaire de l’exposition « Angola, figures de pouvoir » et son conseiller scientifique, Boris Wastiau, nous emportent corps et âme vers les mystères des objets et des représentations du pouvoir en Angola. Pays frontalier de la Namibie, de la Zambie, de la République Démocratique du Congo, du Congo et ses côtes léchées par les vagues de l’océan Pacifique, l’Angola couvre une superficie de 1 246 700 kilomètres carrés pour 16 millions d’habitants qui tout au long de leur histoire se sont déplacés, croisés, installés et de nouveau déplacés ceci dès la préhistoire. Le peuplement actuel de l’Angola compte de nombreux groupes d’origine bantu qui résulte des importants déplacements au cours de siècles. Riche de son histoire, riche de ses peuples, riche de toutes ses sociétés structurées, de ses royaumes, l’Angola impressionne les premiers colons portugais du 15e siècle qui débarquèrent dans l’estuaire du fleuve Zaïre. Les royaumes de Kongo, Ndongo, Kakongo, Loango et Ngoyo, entre autres exerçaient alors leur plein pouvoir, mais comme à chaque épisode de conquête, l’implantation de colons et avec eux, leur religion, le christianisme, leur culture, provoqua un bouleversement profond de toute l’organisation et équilibre de ces sociétés locales et de l’histoire même du pays (enjeux politiques et économiques, traite négrière, commerce des matières premières et richesses du pays, différentes alliances avec groupes autochtones et les Portugais puis avec d’autres Européens). L’Angola contemporaine, indépendante en 1975, se reconstruit après la guerre civile de 2002 (c’était hier…). Cette exposition révèle les liens profonds entre les peuples qui ont contribué à édifier ce patrimoine artistique exceptionnel, affirmant la diversité et l’originalité de styles comme de multiples indices d’un univers où sont en jeu tous les pouvoirs. A l’origine, Chibinda Ilunga, héros civilisateur, est la figure de légende d’un récit mythique qui mêle la généalogie des dynasties et un certain nombre de légendes. Reconnaissable à la coiffe (mutwe wa kayanda) spécifique des souverains chokwe, ses larges épaules, ses jambes solides, ses pieds et ses mains de tailles très surprenantes montrent sa force physique, quant à ses attributs, bâton, fusil, dénotent que sa puissance de chasseur va bien au-delà, ses yeux sont clos, mais il écoute comme un animal aux aguets et ses narines dilatées suggèrent que tous ses sens sont en éveil. Tous ces indices renvoient au domaine du chasseur. Il était honoré en tant que héros civilisateur et les chefs chokwe les plus importants se considéraient comme ses descendants. La représentation exposée ici a été collectée en 1904, c’est en 1956 que Marie Louise Bastin, historienne de l’art belge, identifie cette effigie comme une représentation générique d’ancêtres fondateurs.

Ces mises en scène des symboles forts de la virilité et de la fécondité ne seront présentées aux novices qu’à la fin de la Mukanda. Parmi les objets du pouvoir il y a aussi les nkisi, objets décrits comme des « fétiches » ou « figures-force » relativement complexes, ils occupent une place centrale dans la pensée des Kongo. On les qualifie aussi d’intercesseurs, ils sont investis d’une charge culturelle forte et interagissent sur les mondes spirituels et physiques auxquels appartiennent tous les êtres vivants. Rien n’est dû au hasard et que ce soit les matériaux utilisés à leur réalisation ou la façon dont ils sont fixés les uns autres, tout traduit le pouvoir dont ces objets sont investis. Nous sommes là en présence d’objet de pratiques magico-religieuses qui jouent un rôle très important dans l’équilibre social, économique et politique des sociétés. Il existe des nkisi nkondi, qui sont parfois de taille humaine, d’aspect agressif, bardé de clous portant un ou plusieurs reliquaires. Les officiants font appel à ces objets lorsqu’il s’agit de faire intervenir des forces rétablissant l’équilibre sociétal. Quelques pièces très impressionnantes sont présentées au musée Dapper et ne peuvent pas laisser indifférents, tant leur plastique peut déranger l’esthétique des autres objets et figures du pouvoir de l’exposition ; mais ceux-ci montrent bien que ce sont avant tout le symbole, la charge donnée et la fonction de l’objet dans les pratiques magico-religieuses qui en font leurs des objets de pouvoir ainsi que l’impact qu’ils auront dans le système des croyances et de l’ordre retrouvé, une fois mis en action. Etonnantes toutes ces croix laissées en héritage par les chrétiens venus évangéliser les peuples d’Afrique, elles sont à la fois reconnaissables et déjà appartiennent à un mixage de croyances et d’art qui mélange l’art européen et l’art kongo. Un espace consacré à l’univers féminin et à l’image de la femme si présente dans les arts de l’Angola illustre cette thématique à travers des poteries, vases funéraires de facture plus ou moins naturaliste exhibant les symboles typiquement féminins comme les tatouages, les coiffures complexes, les ornementations, les seins… On trouvera quand même pour différentes régions différents styles avec leurs significations propres. Dans une scénographie claire, pédagogique, baignée d’une lumière douce, toutes ces figures de pouvoirs, masques, coiffes, sceptres, costumes, objets de cour, ornements ou armes sont subtilement mis en valeur. Aucun ne rivalise avec les autres, sauf peut-être ces deux pièces très anciennes, un buste daté au carbone 14 du 15e 17e siècles et une figure zoomorphe du 18e ou 19es siècles. L’archéologie contemporaine prend pleinement sa place dans les recherches sur les cultures africaines, car leur datation est bien plus ancienne que ce que les collectes plus ou moins hâtives et sélectives du 19e siècle nous ont permis de déterminer. Une question peut se poser : Il y a-t-il une histoire antique ou pariétale en Afrique, et la réponse est affirmative.

CHOKWE – ANGOLA Statuette Bois, cheveux et pigments
H. : 40 cm Museu de História Natural, Faculdade de Ciêncas, Porto
© Archives Musée Dapper Photo Hughes Dubois.

Après une exposition sur le Ghana, « Angola, figures du pouvoir » couvre un pays entier, et permet ainsi de ne plus aborder l’art africain comme quelque chose de morcelé et d’ultra complexe mais comme l’identité même d’un pays et de ses populations, retrouvant ainsi les origines et l’évolution de ces dernières vers l’Afrique de demain et plus particulièrement l’ouverture aux nouvelles formes d’expression et aux gestes artistiques qui montrent bien que progressivement les structures politiques et sociétales se sont modifiées et que l’art contemporain y gagne tranquillement sa place. Pour illustrer ce propos le musée Dapper a fait une proposition à l’artiste angolais, Antonio Ole Peintre, cinéaste, sculpteur, performeur, photographe. Cet artiste utilise tous les moyens mis à sa disposition pour traduire ses relations au monde et la façon dont il appréhende les réalités qui l’entourent. C’est la première fois que son travail fait l’objet, en France, d’une exposition individuelle.
Les 7 œuvres choisies, essentiellement des sculptures et assemblages de grandes dimensions, portent les traces encore fraîches de la guerre dans la mémoire collective. Des images fortes et sous-jacentes révèlent les explorations que l’artiste a fait au sein des croyances des populations de son pays, notamment chez les Chokwe et les Kongo. L’artiste privilégie alors les matériaux bruts, le bois, la tôle rouillée, des crânes, les artefacts utilisés par les devins, les objets du quotidien, il en tire sa nourriture, la substantifique moelle de son imagination et de sa création, avec un désir de bousculer l’ordre hiérarchique des choses. Il fait du détournement d’objets, recycle et reconstruit. Les anges de la paix, « Anjo da paz », sont là comme deux protecteurs contemporains qui veillent sur nous et sur tout l’univers de cette exposition, regardant vers l’avenir et placés devant le passé. Les œuvres d’Antonio Ole sont denses, ouvertes et elles se transcendent elles-mêmes, laissant place aux émotions qu’elles suscitent juste parce qu’elles sont là, bien plantées devant vous. On ne peut pas passer sans les voir car se serait alors nier tout le propos du travail de toute l’équipe du musée Dapper : L’Afrique n’est pas un continent du passé, il faut cesser de le voir artistiquement comme tel, comme une source féconde de productions à mettre dans les musées…De ses multiples richesses culturelles est né un art contemporain qui gagne du terrain.

Jusqu’au 10 juillet 2011 au musée Dapper « Angola, figures de pouvoir » à voir et à revoir !

Des visites-conférences, des rencontres artistiques et littéraires, des projections de films, des journées d’étude sont organisées autour de cet événement.
Vous trouverez toutes les informations pratiques sur le site : www.dapper.com.fr


Le catalogue de l’exposition est disponible au musée.
Format 21 X 28 cm
160 pages – 130 illustrations couleurs.

 Evelys Toneg

L’Antiquité rêvée - Innovations et résistances au XVIIIe siècle

Musée du Louvre

© Collection particulière

Troy Henriksen

Henry MOORE – L’ATELIER

Le musée Rodin, présente, jusqu’au 27 février 2001, « Henry Moore, l’atelier », dans la superbe chapelle et la cour d’honneur de l’hôtel Biron, une exposition consacrée au sculpteur anglais, Henry Moore (1898-1986). C’est une longue histoire d’amitié qui lie le musée et cet artiste… Henry Moore, artiste atypique, qui laisse derrière lui des centaines d’œuvres de toutes tailles, de la plus petite au jusqu’au monumental. Henri Moore est d’ailleurs plus connu pour celles-ci par le grand public que pour l’ensemble de son œuvre. L’exposition que propose le musée Rodin, nous permet d’être plus proche de cet artiste, très discuté, critiqué de son vivant, même si en 1948 il remporte le grand prix de la Biennale de Venise qui le consacre à un niveau international. Certainement mal compris dans sa démarche artistique, l’idée de cette exposition est, justement, de revenir sur son approche ainsi que sur le processus de sa création.

Entouré d’ébauches de toutes matières et de toutes tailles, inachevées, en attente comme de belles endormies et d’objets singuliers amassés par l’artiste, pierres, coquillages, morceaux de bois, os, racines … lors de promenades et jusqu’aux impressionnants crânes d’éléphant ou de rhinocéros, mystérieux, qui trouvent une place étonnante dans ces innombrables sources d’inspiration, on perçoit un artiste qui s’interroge sur la relation de l’homme à la nature, à un moment, où dans l’histoire de l’art, ce genre de considérations n’est plus dans l’air du temps. « Je suis excité par toutes les formes naturelles, comme la formation nuageuse, les oiseaux, les arbres et leurs racines, ou les montagnes, qui sont pour moi le plissement de la surface de la terre, comme la draperie » disait Henri Moore.

Le bâton de marche, la mallette de voyage, l’atelier, la chaise de l’artiste, ses instruments de travail nous confrontent à une forme d’intimité avec l’artiste comme si il nous invitait à entrer dans son univers. Sur chaque étagère, des formes organiques, des boites en carton, son transistor, quelques bols, sans aucun rangement ou logique d’un quelconque classement, se mêlent objets et formes humaines, ébauches et maquettes, parties de l’histoire des œuvres, moment privilégié de leur naissance, des plus petites aux plus grandes. C’est dans ces juxtapositions fortuites qu’Henri Moore trouvait l’inspiration, établissant ainsi des liens entre ces racines noueuses et un torse humain, une forme moulée avec une autre et les laissait, dans un faux abandon, mûrir l’idée pour pouvoir y revenir des années plus tard. Presque toutes les œuvres majeures d’Henri Moore sont représentées ici sous forme de petits modelages, de maquettes ou dans toute leur puissance et dimension définitives.
 

 Evelys Toneg

« DANS LE BLANC DES YEUX – Masques primitifs du Népal .»

Ils envoûtent, ils dérangent, ils déroutent, hypnotisent, ils bouleversent, peuvent faire rire ou sourire, ils laissent rêveur, effraient, sont comme des scrutateurs d’âmes, ils sont bienfaisants ou démoniaques, ils vous regardent de leurs yeux creusés dans le bois. Ont-ils des regards vides ou trop pleins de tout ce dont ils ont été témoins, de toutes leurs vies passées, de ce pour quoi ils ont été créés ? Passés de génération en génération, patinés par le temps et les manipulations, noircis de suie, usés, raccommodés, abîmés, brisés, cloués, couverts de matières, de sueur, de poils, de pigments, d’offrandes, les masques primitifs du Népal vous regardent droit dans le blanc des yeux, mais ne vous disent rien de ce que vous ne devez pas savoir…
C’est jusqu’au 9 janvier 2011 que sont exposés les masques tribaux de l’Himalaya, cas si particuliers dans les arts premiers que les ethnologues d’aujourd’hui commencent tout juste à s’y intéresser. C’est Marc Petit, écrivain, artiste et collectionneur qui s’est attaché dans les années 1980 à faire connaître ces masques devenus le point fort de sa collection personnelle, et auxquels il va consacrer un ouvrage entier « A Masques découvert, regards sur l’art primitif de l’Himalaya » dont nombre de commentaires et d’informations utiles pour cette exposition, sont tirés. En 2003, à l’occasion de l’ouverture du musée du quai Branly, Marc Petit donne 25 masques de sa collection au musée.

Masque anthropomorphe
© musée du quai Branly photo Thomas Duval

Loin de la logique binaire du laid et du beau, ils sont avant tout d’ordre religieux, mythologique, esthétique ou indéfinissable puisque l’on connaît si peu de chose sur eux. Marc Petit, lui qui les a approchés, rapportés, collectés, observés, et qui s’en est entouré par sa collection, se pose encore mille questions quand à leur histoire. Une conversation filmée passionnante sur sa « découverte artistique » (parallèlement à celle des artistes cubistes pour les masques africains, mais sans la moindre comparaison possible) éclaire sur une véritable recherche, celle de cette vérité que possèdent ces œuvres artisanales sans savoir si jamais il la trouvera complètement. « L’art primitif n’a jamais si bien mérité son nom, n’en déplaise à certains, qu’en ces confins où l’archaïsme s’ajoute à l’antiquité…

Masque de danse, personnage masculin
© musée du quai Branly photo Thomas Duval

Romain Gary (1975)
© Jeanloup Sieff/Agence Vu

Traité avec une certaine condescendance par la critique de son vivant mais lu et apprécié par un public fidèle qui fait un triomphe à ses livres, Romain Gary a vu un certain nombre d’entre eux portés au cinéma, notamment Les Racines du ciel en 1958, réalisé par John Huston avec Errol Flynn, Juliette Gréco et Orson Welles, La Vie devant soi qui donne en 1977 un de ses plus grands rôles à Simone Signoret ou Clair de femme en 1979, réalisé par Costa-Gavras avec Yves Montand et Romy Schneider. Jaloux de son indépendance, Gary s’est tenu à l’écart des coteries littéraires et politiques. La résistance est un mot-clé pour comprendre un auteur qui présente souvent des héros en lutte contre des puissances qui les dépassent. Son œuvre porte en filigrane la marque de son combat pour la Libération, à l’origine d’une fidélité jamais démentie au Général de Gaulle. Pilote de chasse dans les Forces aériennes françaises libres (FAFL), résistant, diplomate, voyageur, homme de lettres et séducteur, il est le grand mystificateur des lettres françaises. Sa revanche posthume et jubilatoire contre ceux qui sous-estimaient Romain Gary et portaient Emile Ajar aux nues est celle de Janus, le dieu des portes, ouvertes dans ses temples en temps de guerre et fermées en temps de paix. Mais s’il est une guerre que Janus-Gary-Ajar a menée, c’est celle de l’humain contre la bêtise et, par son œuvre, de la vie contre la mort. Estimant qu’il avait passé la limite au-delà de laquelle son ticket n’était plus valable, il a prouvé par son dernier geste qu’il n’était pas besoin que l’arbre demeure sur pied pour que les racines montent pour toujours au ciel.

Romain Gary se suicide le 2 décembre 1980 à 66 ans, lui qui avait affirmé «J’ai fait un pacte avec ce monsieur là-haut, vous connaissez ? J'ai fait un pacte avec lui aux termes duquel je ne vieillirai jamais.»

© Coll. privée/Musée des lettres et manuscrits, Paris

222, boulevard Saint-Germain, 75007 PARIS - FRANCE
Email : info@museedeslettres.fr
Téléphone : 01 42 22 48 48
Fax : 01 42 25 01 87
Du mardi au dimanche de 10h à 19h
Nocturne le jeudi jusqu'à 21h30
Fermeture hebdomadaire le lundi

« Lapita, ancêtres océaniens »

Musée du Quai Branly jusqu'au 09 janvier 2011

« Approcher la céramique Lapita, c’est prendre conscience de la profondeur historique de la culture océanienne à travers la grande migration austronésienne qui en est la matrice. C’est aussi contempler un art d’une parfaite beauté » écrit Stéphane Martin, Président du musée du quai Branly. Il est maintenant reconnu par les archéologues et ethnologues qui étudient la culture océanienne, que le premier peuplement austronésien du Pacifique Sud-Ouest a laissé un marqueur archéologique unique en son genre sur les poteries décorées de motifs pointillés complexes qui sert depuis un siècle de fil conducteur à leurs recherches. Cette tradition céramique appelée du nom du site archéologique de Nouvelle-Calédonie, Lapita, montre un véritable ensemble culturel, avec des caractéristiques multiples car en mêlant les apports asiatiques et ceux du nord de la Mélanésie, la période Lapita est un chapitre très important de l’histoire de l’humanité, faisant partie du patrimoine historique commun des peuples du Pacifique.

Tête © musée du quai Branly

photo Thierry Ollivier, Michel Urtado

Ce que les spécialistes appellent « le phénomène Lapita » correspond à l’une des migrations les plus rapides de l’histoire de l’humanité, qui s’est étendue du Sud-est asiatique (période néolithique) jusque dans les îles déjà habitées à l’ouest de la Papouasie Nouvelle-Guinée et aux Salomon, ainsi que dans d’autres îles inhabitées du Vanuatu, de la Nouvelle-Calédonie, de Fidji, Tonga et Samoa, il y a 3300 ans ! Aujourd’hui, près de 250 sites Lapita ont été identifiés dans cette vaste zone géographique, qui ont permis de vraiment définir cette culture. C’est dans les années 1910 que le prêtre catholique Otto Meyer découvre les premiers tessons distinctifs de cette tradition. De nouveaux morceaux de poteries sont mis à jour autour des années 20, en Nouvelle-Calédonie et à Tonga, mais il faudra attendre les années 50 pour que des connexions entre ces diverses découvertes soient établies et que commence réellement un travail précis de fouilles et recherches dans ces régions. Aujourd’hui, deux découvertes majeures ont particulièrement transformé la compréhension de la poterie à décoration pointillée ainsi que les pratiques funéraires Lapita, avec des pots complets enterrés dans des fosses, comme au cimetière Lapita de Téouma sur l’île d’Efate au Vanuatu. Ceci a permis pour la première fois de comprendre le traitement complexe du corps et du squelette des défunts grâce à une soixantaine de structures funéraires, dévoilant une des fonctions de ces poteries si richement décorées et leur étroite association au traitement des morts comme l’ont montré les traces de crânes et d’ossements déposés dans ces poteries. Mais la culture Lapita n’est pas exclusivement réduite à l’art de la céramique.

Poterie carénée à décor sur-modelés

Tesson © musée du quai Branly

photo Thierry Ollivier, Michel Urtado

En dehors des fragments des poteries exposées ici, il faut aussi compter sur des objets utilitaires, tels des herminettes, les parures, des nattes, des paniers, des tapas, des instruments de musique, des tatouages et l’art du dessin dans le sable (création d’un genre labyrinthique où la ligne est tracée à l’index, comme un circuit codé et ininterrompu. Sans jamais lever le doigt jusqu’à ce que cette œuvre éphémère soit achevée, le maître trace un récit ou un mythe. Aujourd’hui chacun de ces dessins est inscrit au patrimoine mondial de l’humanité par l’UNESCO), qui tous trouvent leur origine dans la magnifique complexité des motifs pointillés des poteries d’il y a 3000 ans. Le musée du quai Branly propose et nous donne l’opportunité unique de découvrir et d’aborder l’histoire des populations Lapita et des descendants directs de ces ancêtres océaniens, avec l’ exposition « Lapita, ancêtres océaniens » jusqu’au 9 janvier 2011, présentant les découvertes archéologiques récentes montrant les spécificités techniques, la diversité stylistique de plusieurs dizaines d’objets Lapita et analysant l’héritage encore présent de ces décors dans les traditions décoratives océaniennes contemporaines.

Pagaie © musée du quai Branly

photo Thierry Ollivier, Michel Urtado

A travers quatre sections organisées autour de l’histoire du peuplement des territoires Lapita, des différents styles régionaux de la céramique, pourtant marqués d’une étonnante homogénéité, entre le Lapita extrême-occidental (archipel de Bismarck), le Lapita occidental (sud des îles Salomon et Vanuatu), le Lapita méridional (Nouvelle-Calédonie) et le Lapita oriental (Fidji et Polynésie occidentale), la culture Lapita avec de nombreuses pièces archéologiques (herminettes, hameçons) l’économie de ces peuples, essentiellement issus de la mer mais avec des régions d’élevage, à la lumière des rites funéraires et du cimetière de Téouma, on appréciera la fabrication des poteries et la complexité de leurs décors, découvrant une partie de leur signification. Des exemples de motifs géométriques, d’autres anthropomorphiques, d’autres modelés, d’autres incisés, colorés montrent que les potiers Lapita se sont, au fils du temps, diversifiés dans leurs traditions décoratives. Quel héritage les ancêtres océaniens ont-ils laissé aux générations d’aujourd’hui ? On peut dire que l’héritage Lapita est toujours très visible dans les arts océaniens comme on peut le voir dans les successions de bandeaux décoratifs et frises en tous genres où la complexité des motifs basée sur les courbes est identifiable immédiatement ainsi que tout ce qui fait allusion au motif en pointillés que l’on va remarquer sur les nattes, les tissus actuels, l’art des tatouages, les dessins dans le sable. On peut affirmer sans se tromper, que l’expansion austronésienne à travers le Pacifique Sud-ouest, il y a 3000 ans, a contribué à structurer en profondeur, un cadre linguistique très important, culturel et même génétique ancestral aux sociétés océaniennes traditionnelles. Il y a là, un véritable ensemble culturel et sociétal qui ne peut être résumé ou même réduit simplement à la production d’une tradition céramique. Christophe Sand et Stuart Bedford, tous les deux commissaires de cet événement unique, et grands spécialistes des civilisations du Pacifique, nous enseignent à travers cette exposition la richesse des origines du peuple Lapita.
Vous avez donc jusqu’au 9 janvier 2011 pour vous rendre Mezzanine Est du musée du quai Branly et vous laissé porter par la vague de la curiosité et de l’étonnement, jusqu’aux rivages lointains des îles du Pacifique.

De nombreux événements sont organisés autour de l’exposition « Lapita, ancêtres océaniens », colloques, conférences, visites guidées…
Vous retrouverez toutes ces informations sur le site du musée www.quaibranly.fr

BABA BLING – signes intérieurs de richesse

Pour la première fois en Europe, la culture peranakan s’expose jusqu’au 30 janvier 2011 au musée du quai Branly, pour le plus grand plaisir des curieux et des connaisseurs de l’art d’Asie du Sud-est.
Baba-Nyonya, Baba est un mot chinois qui signifie « père » et désigne les hommes et Nyonya qui vient du portugais donha veut dire « dame » et désigne les femmes.
Les peranakans ou Chinois des Détroits sont les descendants des premiers marchants immigrants chinois venus de Chine et d’Inde, qui se sont installés en Asie du Sud-est il y a plusieurs centaines d’années. Ces Chinois ont très probablement vécu à Java dès le début du 14ème siècle ainsi qu’à Malacca au 16ème siècle. Un grand nombre de Chinois sont arrivés aux les 19ème et 20ème siècles, fuyant la pauvreté et les bouleversements politiques. À mi-chemin entre un groupe ethnique et une véritable classe sociale, les peranakans sont devenus des entités singulières et indispensables à l’équilibre de Singapour où la plupart se sont regroupés.
Les Baba-Nyonya ont en partie adopté les coutumes malaises afin de s’intégrer aux communautés locales. Pendant la domination britannique, ils acquirent une forte influence dans les colonies des Détroits et furent même surnommés les Chinois du Roi… Les Peranakans ont développé le port de Singapour en faisant fortune dans le commerce.
Connus et reconnus pour leur bonne humeur constante, leur élégance, leur cuisine, la beauté de leurs textiles et de leur mobilier, les peranakans représentent toujours aujourd’hui un bel exemple de métissage de cultures, allant jusqu’à la fusion des langues (les Chinois peranakans de Malacca parlaient en baba malais, un patois malais et le hokkien, dialecte de la province chinoise du sud du Fujian), un art de vivre mêlant les styles chinois, malais et anglais. « Aucune culture n’est « pure » pas même la culture chinoise. Les découvertes archéologiques ont remis en question le modèle d’une culture matérielle chinoise dominante et les objets de jade, en bronze, les porcelaines, et autres matériaux des périodes dites classiques symboliques du style et du goût chinois, ne représente en aucun cas sa totalité. Les cultures des diasporas sont par définition mixtes », explique Kenson Kwok, commissaire de l’exposition et Président fondateur du musée des Civilisations asiatiques (Asian Civilisations Museum, ACM) de Singapour.

© image courtesy of the Peranakan Museum

Cette exposition témoigne donc de l’histoire fascinante d’une communauté d’immigrés qui a su créer une culture unique, en se laissant imprégner des influences, coutumes et croyances du pays d’adoption. Un parcours dans le temps, agrémenté de quelques 480 pièces, allant du mobilier aux bijoux de cérémonie, de fines porcelaines aux tissus batiks ou perlés… Tout est emprunt de culture chinoise, malaise et même européenne, dans les formes, les motifs et les couleurs. Savoureux mélanges de la réunion de ces cultures, on reconnaît chaque touche harmonieusement intégrée comme les couleurs des porcelaines roses et vertes clair, les éléments religieux dans les sculptures des autels consacrés à la vénération des ancêtres, les motifs des tissus, les formes des bijoux.
La maison baba est le témoignage le plus concret de l’identité culturelle perarakan, c’est pourquoi le parcours de l’exposition s’organise autour de ce lieu de vie conçu selon une logique fonctionnelle et traditionnelle. Après avoir passé le Pintu Pagar (portes battantes peintes et sculptées de motifs et symboles des différentes cultures et qui symbolise la richesse des familles peranakans), le plan même des habitations est constant avec un vestibule où trône un autel dédié à la divinité qui protège la famille, d’un hall consacré à la vénération des ancêtres où l’on y trouvera leurs portraits, un autel dédié toujours paré d’objets en argent et en porcelaine blanche et bleue, couleurs associées à la mort et au deuil ainsi qu’une lampe à l’huile allumée en permanence pour les hommages quotidiens et qui symbolise le dévouement constant des vivants envers leurs ancêtres, de magnifiques bancs de bois sculpté (de préférence dans le tronc d’un arbre du jardin familial), d’une salle à manger et d’une cuisine. Les chambres se situant à l’étage, on trouvera des puits de lumière et d’aération, car les maisons peranakans sont étroites et longues. De nombreux meubles, essentiellement du 19ème siècle, illustrent remarquablement l’ambiance intérieure et le mode de vie (rites, rythme de vie, fêtes familiales…) Les objets « métissés » présentés montrent l’importance des rites aux divinités et aux ancêtres, mais aussi celle de la cuisine et des repas. Une belle collection de bols à thé, d’assiettes, de petites théières, et autres ustensiles et couverts, tous en porcelaine rose et verte ou bleue et blanche, invite à partager une cuisine odorante et abondante, mélange savoureux des cuisines chinoises, malaise et indienne avec l’apport d’épices tels les currys.

© image courtesy of Benjamin Seck

Passant doucement d’un espace à l’autre, on pénètre dans la salle mariage. Traditionnellement ces derniers respectent les coutumes chinoises. Ils sont arrangés et la compatibilité du couple dépendra en grande partie de l’horoscope chinois. Installée dans la maison de la mariée, la chambre nuptiale occupe une place importante et une grande partie des cérémonies s’y déroule. Somptueusement décorée par les femmes de la famille de la mariée, on trouvera des objets brodés, perlés fabriqués par la mariée, qui par leur raffinement peuvent être considérés comme des œuvres d’art, et qui lui garantiront le respect des femmes de sa future belle-famille. La pièce la plus importante est sans conteste le lit nuptial, lit à baldaquin richement sculpté de nombreux motifs floraux, animaliers et ornés de broderies et décorations de perles.
Colorées, recherchées et d’une grande finesse, les broderies en relief, ou en aplat, embellissent de nombreux objets, ici exposés, napperons, taies d’oreillers, traversins, décors de tables ou suspensions, vases, porte-peigne, mouchoir donnent à voir une leçon de patience d’exécution (celle des femmes) notamment les ouvrages brodés de perles finement ouvragés comme cette nappe du début du 20ème siècle, qui vue de loin semble être en tissus alors qu’elle n’est que perles de toutes petites dimensions. Toujours ce raffinement des couleurs et des motifs traditionnels chinois. Sur une estrade, une collection de bijoux peranakans brillant de mille feux ne laissera personne indifférent tant ces bijoux en or et diamants, parfois quelques rubis, sont romantiques à souhait. Ils ont une fonction certes esthétique, mais aussi économique, montrant le rang social atteint par la famille. Les bijoux traditionnels associent des styles et techniques locales et chinoises. Les bijoux correspondants sont souvent assortis aux différents vêtements portés. Bijoux de style chinois pour les tenues traditionnelles chinoises et d’autres pour les vêtements occidentaux ou locaux. On retrouve des motifs protecteurs chinois aussi dans les bijoux comme le qilin, créature mythique à l’apparence d’un lion ou autres divinités taoïstes protectrice. Le motif étoilé est assez représenté dans l’exposition, l’ingéniosité du montage des broches fait que d’un bijou (style ferrets) on peut en tirer trois éléments portables chacun indépendamment les uns des autres (par exemple une broche en étoile, or et diamants, dont l’élément central composé de neuf pierres, peut être dévissé et enlevé ; on peut le porter alors en bouton, bouton de manchette ou même en boucle d’oreille). D’autres pièces comme des boucles de ceintures sont si finement travaillées que ces pièces de joaillerie pure, en or ou en argent, deviennent des bijoux elles aussi. Autre particularité des peranakans que met en valeur l’exposition du quai Branly, est le goût vestimentaire de cette ethnie culturelle. Les costumes de mariage d’origine chinoise, coiffes, chaussures brodées, bottes brodées, col de mariée représentant des plumes d’oiseaux, perroquets ou autres phénix colorés sont de toute beauté. Aujourd’hui perdure des tenues mixées entre les jupes malaises, les chemises d’inspiration chinoises avec une grande recherche de couleurs et de motifs. Les femmes peranakans portent des tuniques sur des pièces de tissus en batik appelés kain sarong (jupe en forme de tube) et kain panjang (pièce de tissu non cousu). Le choix des motifs montre les influences chinoises ou européennes. Tout aussi codées par les couleurs et les motifs choisis, ces tenues sont aussi un mixage vestimentaire. Aujourd’hui, une orchidée dans les cheveux, les femmes peranakans portent gracieusement ces tenues dans les fêtes traditionnelles et événements de famille comme les mariages.

paire de pantoufles

© Collection of the Asian Civilisations Museum, Singapore

Assez incroyable, la décoration des mules dites « perlées », portées par les femmes peranakans, cousues pour leur propre usage, semble être à la mode dans les années 1920 en remplacement des mules brodées de fils d’or et d’argent. La collection montrée dans « Baba bling » est totalement étonnante de motifs classiques, pivoines, jusqu’à Betty Boop et autres personnages de dessins animés. Ceci n’empêche pas le remarquable travail de broderie à la perle ou « rocailles » importées de France, d’Italie ou de Tchécoslovaquie.
Tout le long de leur histoire, les peranakans ont eu la capacité de créer des ponts entre les mondes des affaires locales et coloniales qui a fait leur spécificité ainsi que leur contribution au développement de Singapour, qui de simple comptoir de la Compagnie des Indes orientales devient un port colonial puissant considéré, un temps, comme l’un des joyaux de l’Empire britannique.
Aujourd’hui, la particularité identitaire des peranakans s’estompe quelque peu, car la jeune génération adopte une culture chinoise plus standardisée, mais les artistes contemporains peranakans fiers de leur culture la montrent à travers le cinéma et la photographie. Les artistes peranakans, comme toute la communauté, sont particulièrement dynamiques dans les domaines de la création. Dans la dernière partie de ce voyage au cœur de la culture peranakan, le photographe Chris Yap propose une série de photos qui se lisent comme un roman-photo, mettant en scène trois générations d’une famille chinoise peranakan fictive. Comme un jeu où il faut trouver les indices, des objets de l’histoire des peranakans y sont mis en scène comme des traces du passé, du présent et de l’évolution vers leur avenir. Pleine d’humour et de nostalgie, ces vues contemporaines sur une culture en avance sur bien des systèmes de tolérance, illustrent absolument ce que l’on peut entrevoir, voir et ressentir du vécu des Chinois peranakans.
L’histoire même de ces hommes et femmes, de leur intégration interculturelle est une véritable leçon d’ouverture et de tolérance, un mélange ethnique toujours vivant et qui dessine les nouvelles frontières de l’identité culturelle, sujet plus que jamais d’actualité…
 

A noter que depuis 2008, le musée Peranakan a ouvert ses portes au public, dans l’ancienne école Tao Nan, à Singapour, où sont restitués tous les aspects de la culture « Baba » et ce, jusqu’aux patrimoines immatériels, écrits musicaux et dansés.
 

Tout un programme de manifestations et d’animations originales accompagne cet évènement (activités pour les enfants, visites guidées, ateliers de vacances scolaires en octobre.)

A noter également le « Singapour Festiarts » consacré à la création contemporaine à Singapour avec un programme de conférences, projections de films, danses, concerts,
Vous trouverez toutes les informations pratiques sur le site www.quaibranly.fr

Hors série Beaux-Arts Magazine
68 pages

Trésor des Médicis

MUSÉE MAILLOL - FONDATION DINA VIERNY

Quand l’art rencontre le pouvoir…

Quand l’art rencontre le pouvoir… il n’en résulte pas pour autant un rôle subalterne, un apparat de plus au profit des seuls puissants. Ainsi, en témoigne l’Italie du Quattrocento et du siècle suivant qui voit fleurir des familles dont le nom restera pour toujours synonyme non seulement de puissance et de gloire, mais aussi de renommée artistique. Que l’on pense à la famille d’Este avec le duché de Ferrare ou à la Maison de Gonzague, leur point commun a toujours été de donner une priorité aux arts que tous ces princes et princesses pratiquaient souvent avec excellence. Exceller dans ces domaines faisait non seulement partie de l’éducation dés le plus jeune âge, mais était également considéré comme un « mode de communication » indispensable dans cette concurrence effrénée entre grandes familles.

Sandro Botticelli (Florence, 1445-Florence, 1510)
L’Adoration des mages 1475-1476
Tempera sur bois, 111 x 134 cm Florence, Galleria degli Uffizi, inv. 1890 n. 882
© Archivio Fotografico della Soprintendenza per il Polo Museale Fiorentino

Dans le cadre du Musée Maillol a été recréée, le temps d’une exposition, une miniature des plus réussies de ce que pouvait être cette société des Médicis, célèbres marchands et plus tard banquiers, famille dont les ramifications iront jusqu’à la papauté et au pouvoir royal en France. Cet écrin à la scénographie et au goût le plus sûr reproduit d’une certaine manière ce que pouvait être ce raffinement nourri par une curiosité surprenante ; en témoigne les nombreuses collections exotiques réunies lors de l’exposition. Tous les arts sont invités et les goûts réunis ! Peinture bien entendu, mais également tapisseries, orfèvrerie, sculpture, marqueterie…

Chine et Flandres Verseuse XVIe siècle Nacre et vermeil gravé, h. 26 cm
Florence, Palazzo Pitti, Museo degli Argenti, inv. Bg 1879 n. 23
© Archivio Fotografico della Soprintendenza per il Polo Museale Fiorentino

AGNOLO BRONZINO, dessinateur, GIOVANNI ROST, tisseur Le Printemps, 1545
Tapisserie, 235 x 168 cm Florence, Palazzo Pitti, deposito Arazzi Inv. Arazzi n. 541
Photo: Archivio Fotografico della Soprintendenza per il Polo Museale Fiorentino

La culture est au cœur de ces multiples collections réunies avec soin, où l’humanisme caractéristique de cette époque s’exprime par ces œuvres d’art particulièrement vivantes pour le visiteur du XXI° siècle. Cet humanisme exprimé par Botticelli a été rendu possible par la protection de la famille des Médicis chez qui il pourra côtoyer et échanger avec les grands noms de son époque tel le fameux Pic de la Mirandole ! Fra Angelico lui aussi profitera de la générosité de la célèbre famille qui lui permettra de dépasser les cadres classiques de la composition et d’ouvrir vers une perspective jamais réalisée jusqu’alors ; perspective qui s’observe notamment dans la « Sépulture des Saints Côme et Damien, et de leurs trois frères"», splendide évocation des saints de la famille des Médicis et présentée dans l’exposition.

FRA ANGELICO Sépulture des Saints Côme et Damien, et de leurs trois frères, vers 1438-1440
Détrempe sur panneau, 36 x 45 x 4 cm Florence, Museo di San Marco (prédelle)
Inv. 1890 n. 8494 Photo: Archivio Fotografico della Soprintendenza per il Polo Museale Fiorentino

Les Médicis, suivant en cela cet esprit humaniste de la Renaissance italienne, ont tenté de reproduire cette harmonie originelle du monde en la représentant dans ces petits laboratoires qu’étaient les cabinets de curiosités où des écorchés côtoient des animaux empaillés parmi de superbes pièces minéralogiques et autres objets exotiques…
Maria Sframeli, commissaire de l’exposition, souligne ainsi combien « se forma un singulier trésor, constitué de précieux vases en pierres dures, de camées et de bijoux antiques, de pierres précieuses taillées, de raretés orientales et de codex anciens et modernes, d’objets sophistiqués fabriqués dans des matériaux insolites et parfois jugés magiques, de fragments de sculptures classiques et de chefs-d’œuvre contemporains. » sans que cette énumération ne soit signe d’un éclectisme conduisant à la dispersion comme nous pourrions trop rapidement conclure à notre époque.
C’est là un véritable dépaysement auquel nous invite le musée Maillol avec la collaboration des plus grands musées de Florence !

Pieter Boy l’Ancien (d’ap. Adriaen Van der Werff) (Lübeck, 1650-Düsseldorf, 1727)
Sainte Famille aux cerises 1702-1706 Plaque d’or émaillée, 16,5 x 20 cm ; cadre en or, émaux et pierres précieuses, 29 x 2,5 cm
Florence, Palazzo Pitti, Galleria Palatina, inv. 1890, n. 811 © Archivio Fotografico della Soprintendenza per il Polo Museale Fiorentino

LA GALERIE DES ENFANTS DU MUSEUM - JARDIN DES PLANTES

A la Grande Galerie de l’évolution, ça bouge !

Un nouvel espace vient d’ouvrir ses portes ! Conçu en premier pour les enfants de 6 à 12 ans (et leurs familles…), cet espace inventif, à vocation scientifique et pédagogique est consacré à la biodiversité. Ce lieu coéducatif et d’échanges montre, démontre et explique les enjeux fondamentaux du monde de demain, celui que nos enfants ou petits enfants mettront en pratique et dans lequel ils évolueront. Dotée d’une véritable identité, la Galerie des Enfants invite directement à une prise de conscience active et interactive de la diversité des êtres vivants : ceux qui nous entourent, leurs interdépendances dans l’équilibre général du monde et notre place d’homme (qui se devrait responsable…) dans ce grand manège. Sur cinq cents mètres carrés et à travers un chemin scénographié pour éveiller la curiosité et l’intelligence de l’observation et du raisonnement, les petits visiteurs, écocitoyens en herbe, peuvent toucher, voir, chercher, questionner et trouver des réponses, mais aussi trouver une aux problèmes qui leur sont posés dans des jeux complètement adaptés à leur curiosité naturelle.

Un grand saut autour de la planète et nous voila en pleine forêt tropicale, au Brésil, chez les Indiens Kayapo. Cet espace invite à la rencontre du milieu de vie des Indiens, nature foisonnante de plantes et d’animaux (du plus petit insecte au jaguar) où tous interagissent sur l’équilibre parfait exemple de biodiversité. Pascale Robert, anthropologue a travaillé avec la communauté Kayapo afin de choisir les éléments les plus appropriés pour illustrer cet espace. Véritable plongée au cœur de la forêt tropicale, au niveau bas, les sous-bois et sur la mezzanine, l’univers de la canopée. Tout le long des ces parcours, il faut regarder partout, dans les cachettes, dans les loupes, sur les écrans tactiles, sur les écrans interactifs, en hauteur, sous certains éléments, soulever, fouiner, chercher et apprendre et réfléchir tout en s’amusant. Le dernier espace consacré à notre planète aujourd'hui élargit le discours à toute la planète, elle montre les menaces qui pèsent sur la biodiversité, mais aussi les moyens individuels ou collectifs à notre disposition ou celle que nous pouvons inventer pour remédier à cette menace qui n’est pas à prendre à la légère. Chacun peut s’interroger sur ces changements, qu’ils soient d’ordre climatique ou comportemental et sur l’intérêt des gestes écocitoyens que tous nous pouvons mettre en place.

A la Galerie des Enfants, il n’y a aucune notion de culpabilité, juste une réflexion ludique et une prise de conscience que bien souvent les plus jeunes perçoivent avant leurs aînés, sur l’état actuel des choses et qu’ils tiennent à partager avec ces derniers dans une discussion étayée de tous les éléments mis en place avec sensibilité et intelligence, à la dimension des enfants, comme ce jeu de rôle collectif autour d’une table, qui permet à chacun de devenir conseiller d’un maire ou d’un président de la République et d’essayer ensemble de trouver les solutions les plus pertinentes aux problèmes posés.
Un coup de chapeau pour la scénographie, qui comme dans un livre duquel on tournerait les pages, nous donne dès la première visite, un goût d’y revenir avec le plus d’enfants possible pour lire ensemble le grand livre de la biodiversité.

Tous les enfants sont les bienvenus dans cet espace, car les activités et informations sont données en français, anglais, langage des signes, braille et tous les accès sont prévus pour les personnes à mobilité réduite.
C’est certainement un grand succès qui attend la Galerie des Enfants ! Bravo !

Vous trouverez toutes les informations pratiques au sur le site www.galeriedesenfants.fr
Un livre illustre cette visite : « Sur la piste de la biodiversité »
Coédition Seuil Jeunesse / Editions du Muséum
48 pages - illustrations couleurs
 

Pour Lexnews, Eivlys Toneg

MONET

Galeries nationales Grand Palais

« Un jour, j’avais trouvé Monet devant un champ de coquelicots, avec quatre chevalets sur lesquels, tour à tour, il donnait vivement de la brosse à mesure que changeait l’éclairage avec la marche du soleil. […] On chargeait des brouettes, à l’occasion même un petit véhicule campagnard, d’un amas d’ustensiles, pour l’installation d’une suite d’ateliers en plein air, et les chevalets s’alignaient sur l’herbe pour s’offrir aux combats de Monet et du soleil. » (« Claude Monet – Georges Clemenceau : une histoire, deux caractères » Alexandre Duval-Stalla, Gallimard, 2010, p. 17).
Ce témoignage rapporté par Clemenceau, l’ami de toujours, éclaire le regard que portait Claude Monet sur son rapport avec la nature, nature qu’il tentait de capturer sur ses toiles : des instants fugaces d’éternité qui, à la manière d’un vol de papillon, ne seraient jamais identiques et nécessitaient de la part du peintre une armada pour les attraper « au vol ».

Les Coquelicots à Argentueil, 1873 - Huile sur toile, 50 x 65,3 cm
© Crédit Photo : Service presse Rmn/Hervé Lewandowski

C’est un peu de ce rêve fou dont se fait l’écho l’exposition Claude Monet aux Galeries nationales, Grand Palais du 22 septembre 2010 jusqu’au 24 janvier 2011. Depuis 1980, date de la dernière rétrospective dans les mêmes lieux, un grand nombre d’études sont venues apporter de nouveaux enseignements et conclusions nouvelles sur le regard du peintre. Que l’on place en vis-à-vis « Le Pavé de Chailly » de la foret de Fontainebleau (première salle de l’exposition), peinte par l’artiste en 1865, et le fameux « Pont Japonais » (dernière salle de l’exposition) du jardin de Giverny réalisé dans les dernières années de sa vie, et nous avons résumé l’extraordinaire parcours de l’illustre représentant de l’impressionnisme.

La Débâcle, temps gris, 1880 - Huile sur toile, 68 x 90 cm
© Crédit Photo : Museu Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal

Le visiteur pourra dès les premières salles suivre le parcours chronologique du travail créatif du peintre. La côte normande ainsi que les paysages de campagne nourrissent la palette de Monet, une palette déjà très étendue si l’on considère la plage de Sainte-Adresse par temps gris ou l’impressionnant Port du Havre, effet de nuit… Monet aime le froid et cette lumière particulière que projette la neige qu’il capte dans le tableau La Pie, juchée sur une barrière d’un herbage normand. La géographie et les lieux ont leur importance chez le peintre qui très tôt profitera du développement des moyens de communication pour élargir ses explorations. Argenteuil, l’Ouest parisien avec la Grenouillère , Vétheuil… apporteront autant de sources d’inspiration pour un peintre qui nourrit son art au fur et à mesure de ses découvertes. Au milieu des années 1880, Monet va succomber au charme des couleurs de la Méditerranée à un tel point qu’il s’en effraie : « C’est si beau ici, si clair, si lumineux ! On nage dans de l’air bleu, c’est effrayant ! » Ce sera l’occasion pour le visiteur de l’exposition de découvrir des toiles peu connues avec des vues sur Antibes, l’Estérel…

Monet est un observateur insatiable, mais le peintre est également terriblement conscient de l’imperfection de l’art à rendre ces fruits de l’observation, mais il n’aura pourtant de cesse de tendre vers cet objectif impossible : « […] vous ne pouvez vous faire une idée de la beauté de la mer depuis deux jours, mais quel talent il faudrait pour rendre cela, c’est à rendre fou. » avoue-t-il à celle qui sera sa deuxième épouse, Alice Hoschedé, le 3 février 1883, alors qu’il séjourne à Etretat.

Grosse Mer à Etretat, 1868-1869 - Huile sur toile, 66 x 131 cm

© Crédit Photo : Service presse Rmn/Hervé Lewandowski

Le regard, tant menacé par la maladie qui guette ses yeux, est insatiable. Il conduit même Monet à d’impossibles variations sur un même motif à l’image des musiciens. Des motifs aussi élémentaires que des meules de foin vont devenir l’objet d’un véritable laboratoire de la lumière et de ses effets. Monet déconstruit bien avant la philosophie les éléments de la matière jusqu’à leurs plus simples expressions. Il en reste une incroyable beauté, inimaginable pour le commun des mortels, beauté de l’essence première révélée par le pinceau aux différentes heures de la journée. Cet exercice sera également appliqué à des architectures plus complexes comme celle de la cathédrale de Rouen. Ces cathédrales de lumière peintes par Monet dépassent la structure minérale pour atteindre une réalité picturale vertigineuse : le monument de pierre se voit opérer une mutation presque alchimique en se transformant en monument de couleurs et de lumières immatérielles.

Meule, effet de neige, le matin
© 1891 - huile sur toile, 65 x 92 cm - Museum of Fine Arts, Boston, Etats-Unis

Le vertige prend souvent le visiteur au fur et à mesure de sa progression dans les nombreuses salles, véritables feux d’artifice en hommage à Claude Monet. Le bouquet final des Nymphéas conclut cette apothéose : le jardin de Giverny se dilate et ouvre à une autre dimension dont seul Claude Monet a le secret. Nous ne savons plus si l’eau reflète le ciel, si le végétal peut encore porter ce nom et si toute cette nature mérite encore d’être identifiée. Nous devinons sans le savoir que le peintre a atteint une certaine extase à l’image de ces grands mystiques dont seuls un regard ou un sourire laissent deviner ce dépassement des contingences…Un beau parcours dont les couleurs occuperont nos yeux longtemps après ce bel hommage.

Nymphéas 1904
© Musée des beaux-arts A.Malraux, Le Havre

Informations pratiques

Ouverture tous les jours de 10h à 22h, les mardis jusqu'à 14h et les jeudis jusqu'à 20h.
Pendant les vacances scolaires (du 23 octobre au 7 novembre et du 18 décembre au 2 janvier), ouverture tous les jours de 9h à 23h, y compris le mardi. Derniers accès : 45 minutes avant la fermeture des Galeries. Fermeture des salles : 15 minutes avant la fermeture des Galeries. Fermeture exceptionnelle à 18h les 24 et 31 décembre. Fermeture le 25 décembre.

L'exposition participe à la Nuit Blanche le 2 octobre 2010 : entrée gratuite de 19h30 à 0h15 (fermeture à 1h).

Musée du Louvre

© Musée du Louvre / Samuel Brosset

Cette exposition dédiée à l'art de l'estampe puise dans la collection Edmond de Rothschild et présente une centaine de gravures en rapport avec le Recueil Jullienne. Ces pièces, majoritairement des eaux-fortes "avant la lettre", rendent hommage à Watteau graveur et à ceux qui ont su restituer, pointe en main, ce "je-ne-sais-quoi de galant, de vif et de vrai" qui fit le succès de l'artiste. Le tableau des Deux Cousines, issu des collections du Louvre, et quelques pièces rares en provenance d'autres institutions, comme des eaux-fortes et des dessins de la main même de Watteau, complètent la sélection.
 

Le processus de fabrication de cette vaste entreprise d'édition conclut cette exposition. Sont illustrés les états successifs d'une même estampe qu'accompagne une réflexion sur la qualité du papier et l'importance des filigranes. Enfin, deux écrans permettent de consulter, sous forme numérique, les gravures des quatre Recueils Jullienne de la collection Edmond de Rothschild.


Commissaire(s) : Marie-Catherine Sahut, conservateur au département des Peintures, Pascal Torres-Guardiola, conservateur de la collection Edmond de Rothschild et de la Chalcographie, département des Arts graphiques, musée du Louvre.

Informations pratiques
Lieu
Aile Sully, 2e étage, salles 20-23
Tarifs collections permanentes
 

« FLEUVE CONGO - Arts d’Afrique centrale.»

musée du quai Branly

Qui veut découvrir les arts d’Afrique Centrale, ceux des peuples du fleuve Congo, est invité à se rendre au musée du quai Branly, mezzanine Est, jusqu’au trois octobre 2010. Dépaysement assuré, voyage le long des rives du fleuve Congo (géant de 4700 kilomètres, deuxième plus grand fleuve d’Afrique après le Nil) frontière naturelle et lien entre les sociétés qui vivent de part et d’autre de ses rives. Territoire de 4 millions de kilomètres carrés, l’ensemble du bassin du Congo et celui du fleuve Ogooué au Gabon, traverse le sud du Cameroun, la Guinée équatoriale, le Gabon, le Congo-Brazzaville, le Congo-Kinshasa et une partie de l’Angola. Deux aires géographiques se distinguent, la forêt équatoriale et les vastes savanes. Au fil des siècles, les familles communiquant entre elles dans une langue commune se rattachant aux groupes bantous (les langues bantoues sont encore parlées aujourd’hui au Nigéria dans la région de Benue, et offrent un point de départ qui remonte à plus de trois mille ans) ont colonisé les régions forestières de l’Afrique Centrale. C’est ainsi que l’on dénombre plus de quatre cents ethnies, des Fang et Kwélés au nord du Gabon aux Légas et aux Bembés à l’est du bassin congolais, dans l’actuelle République démocratique du Congo (RDC). Cette circulation des populations remonte à des temps très reculés et l’exposition « Fleuve Congo - Arts d’Afrique Centrale » montre les correspondances, les mutations, les appropriations, les mélanges culturels de ces sociétés qui au fil des siècles se sont influencées, ont partagé, mieux encore se sont reconnues mutuellement dans différents domaines tels que les croyances, l’imaginaire, les signes corporels, les techniques matérielles ou les formes esthétiques. Identités et ruptures se reflètent ainsi dans les styles et les ateliers de sculpture, parfois les formes s’opposent résolument comme pour se distinguer et affirmer une identité propre et à celle du voisin.

masque à six yeux, dit "masque Lapicque"

© musée du quai Branly photo Patrick Gries

Afin de mieux appréhender les correspondances qui ont traversé plusieurs lignages et ont produit des formes similaires illustrant les rites d’initiation, les rituels thérapeutiques, les cérémonies entourant la mort, la prise de pouvoir ou encore la place de la magie et de la sorcellerie pour certaines pratiques ancestrales. Le musée du quai Branly propose un parcours de présentation de chaque ethnie, montrant ainsi à travers presque trois cents objets, la manière de moduler les traits généraux des productions suivant certaines variations locales comme les scarifications, les formes et les couleurs. Ce parcours initiatique analyse avec finesse une civilisation unique qui a su tisser autant de correspondances dans des secteurs aussi variés et toujours avec des œuvres d’une grande puissance et d’une créativité reconnues très rapidement par les artistes du début du 20e siècle (Derain, Picasso, Matisse, Braque et les autres…) comme la matrice des « classiques » de ce qu’on appelait à l’époque « l’Art nègre ».
François Neyt, commissaire de l’exposition, grand connaisseur de cette partie de l’Afrique, nous donne un éclairage transversal et nouveau sur ces peuples de l’Afrique Centrale, précise Stéphane Martin, Président du musée du quai Branly. François Neyt est né en RDC où il vécut vingt ans. Moine bénédictin du monastère Saint-André de Clerlande en Belgique, docteur en philosophie et lettres de l’Université catholique de Louvain, il s’est formé en archéologie et à l’histoire de l’art et enseignera en Afrique de 1968 à 1972, les arts africains à l’Université officielle du Congo puis à l’Université nationale du Zaïre. Après plusieurs missions en Côte d’Ivoire, au Mali ainsi qu’en RDC, il publiera plusieurs ouvrages dits de référence sur les Arts de l’Afrique centrale comme la « Redoutable statuaire Songye » en 2004. C’est donc un des meilleurs spécialistes de cette partie de l’Afrique qui avec la collaboration scientifique d’Angèle Martin et, la scénographie efficace de Gaëlle Seltzer (Artistes du d’Abomey et Présence africaine), nous montre de manière pédagogique et sur un plan diachronique la valeur des archétypes, des sculptures majeures significatives d’un style ethnique, des ateliers de production anciens ou plus récents, mais aussi des productions mêmes qu’elles soient anciennes ou bien fausses. La diversité de tous les signes proposés s’inscrit dans la reconnaissance d’un patrimoine de l’humanité, qui bien que morcelé par des découpages de frontières coloniales arbitraires, met en évidence l’unité culturelle de l’Afrique Centrale. C’est à travers trois thèmes fondamentaux et complémentaires que nous allons nous laisser aller à la découverte de ces ethnies, comme Paul Du Challu, premier occidental à rencontrer les Fang, qui explora le Gabon dès 1855 (Voyages et aventures dans l’Afrique équatoriale – publié en 1861), ou encore Alfred Marche qui rapporta et présenta en 1878 des objets du Gabon, à l’ouverture du muséum ethnographique des missions scientifiques. On ne pourra pas tous les citer ici, vous lirez donc ce panneau tout à fait passionnant racontant tous ces explorateurs entre 1855 et 1932 et qui explique l’intérêt et la fascination portés à cette région du monde. Exposés dans les plus grandes villes occidentales, de grands artistes du début du 20e siècle, en quête de nouvelles expressions artistiques et d’une vision du monde différente, vont de suite s’en porter acquéreurs et publier des écrits sur ces objets, qui comme le disait Picasso lors d’une visite au Trocadéro : « Quand je suis allé au Trocadéro, j’ai compris que c’était très important, il m’arrivait quelque chose… ». Déjà l’émergence de l’art africain laisse une place de choix à l’art de l’Afrique Centrale. Les marchands et collectionneurs ne s’y trompent pas et contribuent largement à sa diffusion. La présence des masques assurant l’unité et l’identité des groupes respectifs lors des cérémonies, l’importance de l’ancêtre fondateur et de son lignage, la présence forte de la femme dans les institutions, liées aux mystères de la régénération et de la fertilité, sont les trois thèmes dont émerge cet imaginaire unique qui a produit tous les objets présentés dans cette exposition.

Leur structure est liée aux signes sensoriels réceptifs (l’ouïe, la vue, la parole et l’odorat). On notera l’importance de chaque détail comme les arcades sourcilières, l’arrête du nez, la présence ou pas d’une bouche, la forme des yeux, leur disposition et leur nombre même. La couleur et sa symbolique n’échappent pas à notre compréhension des masques indiquant par là l’identité des institutions et groupes sociaux en question (carte d’identité visuelle comme les scarifications ou les tatouages pour d’autres sociétés). Une carte d’Afrique centrale situant les masques en forme de cœur permet de mieux suivre la répartition et par là même de comprendre les déplacements et influence des différents groupes ethniques présents. Dans toute la symbolique des masques africains, il demeure un point commun fondamental ; étant le siège de présages de bénédictions et d’espérances nouvelles, tous ces masques expriment la profondeur des croyances auxquelles ils sont liés. Leur esthétique nous frappe, nous effraie ou nous envoûte, nous occidentaux profanes.

statuette de gardien de reliquaire
© musée du quai Branly photo Michel Urtado, Thierry Ollivier

Plein de toutes ces figures étonnantes, et passant dans le deuxième espace de cette exposition, l’esprit du visiteur est déjà bien au-delà de nos frontières et se laisse happer par les représentations bantoues du culte des ancêtres disparus. Crânes ou ossements, mâchoires, dents d’hommes importants, de guerriers ou des femmes réputées ou redoutées, conservés religieusement dans des boites, paniers et autres coffres, les reliquaires, les figures et statues d’ancêtres sont une tradition tout aussi fondamentale que celle des masques. On voit donc que les peuples d’Afrique Centrale illustrent à profusion et de façons très diversifiées ce culte des ancêtres. Décorés, peints, incrustés de cauris, d’emblèmes claniques, les ossements selon des rituels précis étaient mis en relique dans des contenants devenus de véritables œuvres d’art. Quatre aspects nous éclairent sur le culte des ancêtres : la présence des reliques dans les rituels, les reliques des ancêtres dangereux et des morts par violence, la place des rois et le rôle accordé aux esprits de la nature. Sachant que le culte des ancêtres est constitutif de la vie de ces défunts, leur mémoire est donc ravivée lors des moments importants de leur existence comme le cycle des saisons, les événements exceptionnels de la vie de la communauté, la mort d’un chef ou le choix d’un nouveau dirigeant. Tous ces moments « phares » inscrivent le défunt dans une généalogie et renforcent l’intégrité du groupe laissant apparaître la continuité des rôles protecteur et consultatif bien après la mort physique. Les nâmes (âme des aïeux continuant à vivre dans l’au-delà) des ancêtres ou esprits malfaisants (définis comme des ancêtres dangereux et personnes décédées de façons violentes, considérées comme redoutables) étaient également honorés afin de prémunir le groupe des dangers que recèlent les énergies des esprits de ces morts. De même, certains rituels peuvent avoir une fonction offensive ou défensive, certaines reliques sont associées à des sacrifices, à la divination ou encore à la sorcellerie. Impressionnantes, ces statuettes et contenants de reliques mettent parfois mal à l’aise ou tout au contraire, comme la vitrine consacrée aux statuettes de gardiens de reliques en métal doré et fils de laiton, sublime la fonction de ces objets. Incontournable, la place des rois dans les rituels est à garder à l’esprit, car, occupant un rôle spécifique, rendant encore plus complexe le culte des ancêtres, le roi est en quelque sorte « une réalité hors norme » au-dessus de l’ancêtre même, intégrant les forces de la nature, il correspond donc à une entité à part, parfois appelée à transcender les interdits (inceste, meurtre…) ou à se soumettre à d’autres interdits (manger seul, ne pas toucher la terre, ne pas voir la mer…), il peut aussi comme chez les Kuba être considéré comme un sorcier capable de se transformer en animal féroce pour assouvir quelques vengeances, pouvant s’allier aux pouvoirs magico-religieux des forces de la nature. Certains groupes d’Afrique Centrale usent de ces forces de la nature qui sont des génies des eaux, des airs et de la terre. Ces génies président à la vie de chacun. On trouvera alors des objets (Nkisi) représentants tous ces éléments contenant des ingrédients magiques à la signification métaphorique que l’on retrouvera placé dans les orifices des statues ou bien mis dans de petites bourses en peau et placés à la ceinture des sculptures.

masque anthropomorphe
© musée du quai Branly photo Patrick Gries

Si le contenu peut varier à l’infini, chez tous les peuples du fleuve Congo, il se fonde sur les mêmes éléments naturels. La représentation féminine dans les royaumes de la savane subéquatoriale nécessitait bien une section entièrement allouée à cette femme liée à la terre et à l’agriculture. Les représentations féminines, masques et statues témoignent de cette place éminente et reconnue de la femme dans les structures économiques, sociales, politiques et magico-religieuses. Aussi lorsqu’Amadou Hampaté Bâ écrit en 1961 : « La mère est considérée comme l’atelier du divin où le Créateur travaille directement, sans intermédiaire, pour former et mener à maturité une vie nouvelle. C’est pourquoi, en Afrique, la mère est respectée presque à légal d’une divinité. » Tout est dit. Portant en elle le mystère de la création, la femme est reliée par la naissance, aux figures ancestrales de son groupe et aux générations à venir. Féconde et nourricière, elle est unie aux cycles de la vie, à la nouvelle lune, aux saisons, à l’agriculture ainsi qu’à la fertilité de la terre et directement à celle de sa famille par les naissances. Dans ces sociétés matrilinéaires, principe inventé par les Kongo du Mayombe, l’ascendance maternelle est prise en compte dans la transmission de l’appartenance, l’autorité et le nom de la lignée. Toutes ses caractéristiques vont se retrouver dans les représentations sculptées ainsi que dans les reliquaires. Sculpter le corps de la femme revêt alors la plus haute signification. Plusieurs cartels illustrent ces propos en indiquant géographiquement le parcours et le discours de l’exposition.
L’exposition « Fleuve Congo – les Arts d’Afrique Centrale » développe la curiosité du savoir, celle de comprendre pour pouvoir se mouvoir d’un espace à l’autre, d’objet en objet, revenant sur nos pas pour de nouveau s’émouvoir devant une statue, un masque, un reliquaire, un panier, sans subir la complexité de ces sociétés, mais juste pour être en équation avec les œuvres proposées. L’initiative du musée du quai Branly est à l’image de cette exposition, brillante. Un événement à ne manquer sous aucun prétexte, car nous ne sommes pas prêts de retrouver autant de chefs-d'œuvre exposés dans un même lieu.
De nombreuses manifestations se dérouleront tout au long de l’exposition sous forme d’atelier, de visites guidées, de rencontres avec des écrivains, de concerts, un parcours jeux de piste pour les plus jeunes autour d’animaux installés, cachés, dissimulés dans les jardins du musée.

Vous retrouverez toutes ces informations sur le site du musée www.quaibranly.fr
 

Pierre Alechinsky / Fata Morgana, des hommes qui aiment les livres

Exposition jusqu'au 9 octobre 2010

Pierre Alechinsky, photographie de Jacqueline Salmon
 

(...) Rue du Puits Neuf où sont également présentées une douzaine de gravures et de lithographies exécutées en solo par Alechinsky (par exemple, "Orange de binche", et puis "Troisième acte" qui sert d'affiche à l'exposition) ou bien à quatre mains avec de proches amis comme Christian Dotremont et Alberto Gironella, on apercevra plusieurs grands livres d'Alechinsky : entre autres, Vacillations qui l'associe avec beaucoup de douceur et de véhémence à Cioran, Ces robes qui m'évoquaient Venise, un extrait de Marcel Proust prélevé dans Sodome et Gomorrhe, L'Art magique d'Octavio Paz ainsi que Choses rapportées du Japon où sont illustrées des notes de Gérard Macé. Dans ce dernier livre de très belle saveur, quatre lignes évoquent "comme devant une chose puérile ou incongrue, le sourire d'un ami japonais apprenant que nous conjuguons le verbe espérer à la première personne".
Parmi les livres que j'ai pu réunir rue du Puits Neuf, deux ouvrages sont particulièrement émouvants. Le premier s'intitule La chambre et l'atelier, il évoque le dernier espace de vie de Christian Dotremont à Tervuren, dans sa chambre de la "Pension pluie de roses". On découvre dans un étui de belle sobriété cinq héliogravures tirées sur vélin par Caroline Giffard : ce sont les reproductions de cinq photographies d'Alechinsky. La dernière est accompagnée par une "diablerie" à l'intérieur de laquelle le peintre-écrivain, muni d'une loupe, légende les affichages de cet atelier, "les victoires sur la monotonie" que Dotremont remportait chaque jour. Dans cet hors champ où l'on aperçoit Groucho Marx, une coupure de journal avec Paulhan en habit d'académicien, le portrait d'Erasme, la revue Les deux soeurs, annuaires, téléphone, chaise et tabouret, Alechinsky mentionne un logogramme de 1970 "écrit à Gloria, montré en mai 1971 à la galerie de France, première exposition de Dotremont à Paris : chérie, quand tu liras ceci, je serai vivant."

Alain Paire

Pour plus de renseignements : www.galerie-alain-paire.com

Aphrodite dite "Vénus de Milo"
N° d'inventaire : Ma 399
© 2010 musée du Louvre / Angèle Dequier

Attendues par les amateurs d’art grec, espérées par les amoureux des antiquités, les nouvelles salles d’art grec viennent d’ouvrir à l’Aile Sully au Louvre depuis le 7 juillet 2010. L’une des grandes vedettes du plus célèbre musée au monde, Aphrodite dite la Vénus de Milo trône plus majestueuse que jamais dans une salle beaucoup plus grande qu’auparavant, digne de l’intérêt planétaire qu’elle suscite chaque année avec ses 6 millions de visiteurs venus tout spécialement l’admirer ! Ce nouvel emplacement n’est qu’un juste retour à l’histoire comme le soulignait Jean-Luc Martinez, le directeur du département des Antiquités grecques, étrusques et romaines du musée. C’est en effet là que le public du musée parisien put découvrir pour la première fois de 1824 à 1848 la célèbre Aphrodite (nom grec de la déesse) découverte dans l’île de Mélos (ou Milo) dans les Cyclades en 1820 (lire les récits hauts en couleur de cette découverte dans l’ouvrage « Enlèvement de Vénus » paru aux Éditions La Bibliothèque). Des niches retrouvées dans l’architecture d’origine permettent de manière très didactique de retracer le contexte de cette découverte et les difficultés d’attribution (certaines théories pencheraient également pour une représentation d’Amphitrite, déesse de la mer, vénérée également à Milo) de la célèbre statue que l’inconscient collectif ne saurait voir autrement que la représentation idéale de la déesse de l’amour…

Amphore panathénaïque
Face A : Athéna
N° d'inventaire : MN 704
© 2005 Musée du Louvre / Daniel Lebée et Carine Deambrosis

Ainsi, la première galerie, au nord, regroupe-t-elle les salles 7 à 12 et qui propose un voyage dans le monde grec, bien plus étendu que l’on ne pourrait le penser de prime abord. Chaque salle expose des objets représentatifs d’une région de ce monde grec que celle-ci soit située en Italie du Sud, en Macédoine, en Grèce du Nord ou encore en Asie Mineure.

Figurine d'un souverain hellénistique
N° d'inventaire : Myr 699
© 2009 Musée du Louvre / Daniel Lebée et Carine Deambrosis

La galerie sud (salles 13-16) présente à nos yeux émerveillés de magnifiques répliques romaines des chefs-d'œuvre disparus de la sculpture grecque. Le parcours thématique proposé est remarquable d’intelligence, car il habitue le regard néophyte aux attributs, aujourd’hui souvent oubliés, du riche panthéon grec. C’est tout un pan de la mythologie grecque qui se trouve réuni en trois dimensions et dans une muséographie particulièrement travaillée (de nombreux panneaux explicatifs en trois langues – français/anglais/espagnol – détaillent cette riche histoire). Le visiteur peut ainsi librement flâner au gré des sculptures ou au contraire adopter une démarche plus systématique en comparant les Dieux et les héros du monde grec antique pour, au terme, parvenir de nouveau à notre fameuse déesse qui attend patiemment notre regard insatiable !

Tête féminine du type de « l’Aphrodite de Cnide » dite « Tête Kaufmann »
N° d'inventaire : Ma 3518
© 2005 Musée du Louvre / Daniel Lebée et Carine Deambrosis

à lire notre chronique du livre de Jean-Luc Martinez "La Grèce au Louvre" qui vient de paraître Louvre Editions / Somogy, 2010.

CHEFS-D’ŒUVRE DU MUSEE DU QUAI BRANLY AU LOUVRE
Les 10 ans du pavillon des sessions

«Les chefs-d’œuvre du monde entier naissent libres et égaux…» Ce sont là les premières lignes du manifeste qui parut dans la presse le 15 mars 1990, pour l’ouverture au Louvre d’un département consacré aux arts d’Asie, d’Afrique, d’Océanie, des Amériques et d’Insulinde. Jacques Kerchache, initiateur de ce manifeste, disparu en 2001 sans voir vu la réalisation du musée du quai Branly dont il a été une des personnalités les plus marquantes, était le conseiller scientifique de l’établissement public de ce musée et auteur de la sélection des œuvres exposées au pavillon des Sessions. Il aura réuni autour de ce manifeste près de 300 signatures d’artistes, écrivains, philosophes, anthropologues et historiens de l’art, relevant le défi de Guillaume Apollinaire en 1909, de Félix Fénéon en 1920, de Claude Lévi-Strauss et d’André Malraux en 1976, qui tous demandaient à ce que « le Louvre recueille certains chefs-d’œuvre exotiques dont l’aspect n’est pas moins émouvant que celui des beaux spécimens de la statuaire occidentale… Apollinaire », « …Car cet art (dit premier) n’est pas inégal aux plus grands… Lévi-Strauss », « Beaucoup veulent l’art nègre au Louvre où il entrera… Malraux ».

Tête commémorative XIIe-XIVe siècle Nigeria Terre cuite H. 15,5 cm

Ancienne collection musée Barbier-Mueller Musée du quai Branly 73.1996.1.4

Inauguré le 13 avril 2000 avec 6 millions de visiteurs plus tard, le musée du quai Branly fête les 10 ans du pavillon des Sessions ! C’est avec le soutien du Président de la République Jacques Chirac, passionné et féru d’arts premiers (on se rappellera l’exposition en 1994, sur l’art des Taïnos des Grandes Antilles, au petit Palais) et avec le regard éclairé de spécialiste de son ami Jacques Kerchache, qu’en 1995, est constituée une commission chargée de réfléchir aux moyens les plus appropriés pour que l’art dit « primitif », « primordial », « lointain », « exotique » ou « premier », selon les époques et les exégètes, trouve sa juste place dans les institutions muséales de France. « Je ne pense pas que le Louvre du 21ème siècle pourra être vraiment un grand musée s’il ne comporte pas une section importante consacrée aux arts premiers… », affirmait Jacques Kerchache dans un entretien avec Jean Marie Drot à l’occasion d’une exposition sur la sculpture africaine à Rome en 1986. « Changer le regard sur l’œuvre, le regard sur l’autre, telle était bien l’ambition de cette première étape, l’entrée au Louvre. » écrit Jacques Chirac en introduction du numéro spécial de Connaissances des Arts consacré à cet anniversaire. si depuis 1905, un nouveau regard fut porté sur cet art avec les artistes fauves, cubistes et expressionnistes, il aura fallu encore de nombreuses années pour que tous ces chefs-d’œuvre soient reconnus et vus autrement que comme des curiosités ethnographiques, des spécimens scientifiques que l’on avait depuis 1878 rassemblés au musée d’Ethnographie du Trocadéro. La plus part des œuvres présentées au pavillon des Sessions sont des archétypes célèbres du monde entier qui font aujourd’hui la force symbolique du premier musée de France.

C’est un vrai plaisir que de déambuler dans ce lieu où tous les objets présentés, quel que soit leur dimension, sont magnifiés par la scénographie de Jean-Michel Wilmotte. La douceur des espaces, la lumière savamment dosée donnent à cet endroit une véritable identité respectueuse des œuvres choisies, jouant sur les ombres et les lumières. Le cheminement est simple, le visiteur peut tourner autour de chaque chef-d’œuvre (chose assez rare dans la scénographie des musées et des expositions pour être signalée), leur coffrage de verre les rendant encore plus attirantes.

Sculpture dogon Attribuée au "Maître des yeux obliques" XVIIe-XVIIIe siècle Mali Bois H. 59 cm Anciennes collections Charles Ratton, Hubert Goldet Acquis par dation, 1999 Musée du quai Branly Inv. 70.1999.9.2

 Nul ne pourra résister à l’envie d’aller bien au-delà de l’émotion procurée en cherchant alors à comprendre tous les mystères qui enveloppent ces œuvres majeures, d’une excellence qui échappe à tout regard d’anecdote ou d’exotisme, car elles vivent et parlent doucement ou violemment à chaque visiteur. Pour ce, des images d’archives, des interviews et coupures de presse sont là pour comprendre la démarche qui a animé tous les protagonistes de ce projet. Un salon de lecture, au sein même du parcours est installé pour l’évènement, mettant à la disposition du public de nombreux ouvrages, articles permettant de découvrir ou redécouvrir les arts et civilisations non occidentaux et de comprendre les débats et polémiques autour de leur reconnaissance, ainsi qu’une sélection d’ouvrages donnant à voir l’impact culturel qu’ont eu et qu’ont encore ces arts sur la création contemporaine. Mais laissons-nous porter par le magnétisme des 108 œuvres venues d’Afrique (42 sculptures et objets), d’Asie (6 pièces), d’Océanie (28 sculptures), des Amériques et d’Insulinde (32 sculptures et objets). Comment représenter la richesse des nombreuses cultures de ces continents entiers qui représentant les trois quarts de l’humanité ? Sinon en apportant au monde de l’art un premier lieu de dialogue et de beauté, un lieu serein, calme et propice à la réflexion, un lieu où l’espace temps n’existe plus, où le respect flotte autour de chacune des œuvres, un lieu conçu certainement comme une première étape vers la connaissance de ces cultures, un lieu en hommage aux artistes, un lieu qui vit par lui-même tout en étant relié aux chefs-d’œuvre de l’art occidental du Louvre comme une porte ouverte pour passer de l’autre côté des a priori et se lancer à cœur et esprit ouverts vers les rives du musée du quai Branly.

Pendentif XIXe siècle République démocratique du Congo Ivoire H. 7,7 cm Ancienne collection Charles Ratton Don Guy Ladrière, 1997 Musée du quai Branly Inv. 73.1997.20.1

Quelles soient du pays Dogon, du Nigeria, du Bénin, du Mali, de Guinée, du Cameroun, du Gabon, du pays Zoulou ou de Sierra Leone , d’Indonésie, des Philippines, de Nouvelle-Calédonie, des îles Vanuatu, de Papouasie, de l’île de Pâques, du Mexique, du Guatemala, du Canada, ou encore d’Alaska, il est difficile de décrire l’esthétique de chacun de ces chefs-d’œuvre tant leur magnétisme, leur beauté plastique, leur originalité esthétique, leur symbolisme auront une répercussion sur chacun des visiteurs.

Il s’agit d’un véritable événement qui restera dans les mémoires laisse un message d’espérance et d’ouverture vers plus de tolérance. Il faudra dorénavant compter sur ce Pavillon des Sessions afin de s’immerger, se laisser porter et voyager dans la beauté de ces œuvres qui manifestent l’égalité, la dignité de tous les Hommes et de leurs Cultures.
 

Eivlys Toneg

Botticelli, Bellini, Guardi…

Botticelli,
Portrait de Julien de Medicis

Il faudra réserver une petite escapade à Caen au cours de cet été (jusqu’au 19 septembre) pour y découvrir une très belle exposition réunissant les chefs-d’œuvre de l’Accademia Carrara de Bergame !
Le musée de Bergame qui abrite habituellement la prestigieuse collection d’art italien fondée en 1796 par le comte Giacomo Carrara est en effet en travaux et une heureuse collaboration avec le musée de Caen a permis que ces œuvres fassent l’objet d’une unique exposition en France pendant cette période. Ce sera ainsi l’occasion pour le public français d’admirer ces tableaux qui ne quittent habituellement pas la belle ville lombarde…
Faisant écho au riche fonds de peintures italiennes du musée des Beaux-Arts de Caen, les œuvres exposées témoignent de la richesse artistique de la ville de Bergame nourrie à son époque par le dynamisme de Milan et de Venise.
Le visiteur pourra ainsi admirer des œuvres d’artistes majeurs comme le Portrait de Julien Medicis de Sandro Botticelli, le portrait de Lionello de Pisanello ou encore de Bellini…mais également des artistes méconnus en France tels Caselli, Zucco ou Nazzari.

Cette exposition est également l’occasion d’observer des « images de la réalité » selon le titre de cette troisième partie. Nous entrons au cœur du portrait italien avec Giovanni Battista Moroni (vers 1520-1524 / 1579) et Fra Galgario (1655-1743), deux figures majeures du portrait européen de leur époque. Les personnages portraiturés nous apparaissent ainsi dans toute leur singularité ou nulle affectation académique n’est venue troubler la sincère nature. L’insouciance d’un jeune peintre dont on devine qu’il ne nous regarde nullement, mais réfléchit bien à ses compositions futures (Fra Galgario), est tout aussi vivante plus de trois siècles après que le regard insaisissable de ce jeune gentilhomme dont nous ne saurons que son âge, 29 ans…

Ghidotti Moroni                Fra Galgario,
Portrait de jeune Homme      Portrait d'un jeune peintre
 

En fin de parcours, nous quitterons à contrecoeur Bergame pour une destination tout de même enchanteresse avec Venise ! Nous nous souvenons que Bergame nourrissait des liens très étroits avec la cité des Doges, et le XVIII° siècle sera ainsi l’occasion pour de nombreux artistes de Bergame d’aller étudier cette fameuse lumière propre à la cité bâtie sur l’eau. Des vedute (paysage panoramique) témoigneront de cet environnement unique et tiendront lieu de récits de voyage pour les personnes nanties.
La visite est terminée et nos yeux garderont longtemps en mémoire ces polyptyques élancés vers le ciel, cette jeune fille à l’éventail peinte par Ceruti ou ce somptueux portrait de G. B. Caravaggi peint par Cariani…Une exposition à voir absolument !

Commissariat
Patrick Ramade, conservateur en chef du patrimoine, directeur du musée des Beaux-Arts de Caen
Giovanni Valagussa, conservateur de la Pinacothèque Accademia Carrara de Bergame.
 

musée des Beaux-Arts de Caen jusqu’au 19 septembre 2010.
Adresse : Le château – 14000 Caen – 02 31 30 47 70
www.ville-caen.fr/mba
ouverture : du mercredi au lundi de 9h30 à 18h – fermeture le mardi
 

Dans le cadre du festival Normandie Impressionniste, le musée des Beaux-Arts de Caen présente une large sélection d’estampes impressionnistes - quelque cent vingt pièces dont plusieurs matrices et épreuves précieuses - issues du département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque nationale de France. Grâce aux dons faits par les artistes, leurs familles ou leurs proches, la Bibliothèque nationale de France possède en effet une collection remarquable d'oeuvres de cette période, l'une des plus riches au monde.
L’exceptionnel renouvellement thématique et formel que connaît l’estampe entre les années 1860 et 1890 est à l’origine de l’estampe moderne, fruit d’expériences passionnées et création à part entière.

Edgar Degas (1834–1917)        Berthe Morisot (1841–1895)
Sortie du bain, vers 1876-1877       La Leçon de dessin, 1889

Au cours de cette période, ponctuée par la création de la Société des aquafortistes en 1862 et les huit expositions impressionnistes organisées entre 1874 et 1886, l’exploration technique devient incontestablement un but en soi. Au-delà des sujets traités, on admire la facture libre des eaux-fortes de Manet, la subtilité des procédés mixtes de Degas et de Pissarro, la sincérité des croquis gravés par Cézanne, Guillaumin et Van Ryssel, les pointes sèches délicates de Renoir et de Berthe Morisot comme les effets de teinte de Whistler et la légèreté des aquatintes de Mary Cassatt.
Diverses pratiques - au nombre desquelles la succession des états d’une même planche, les manipulations d’encrage, les rehauts manuels et la limitation des tirages - transforment l’estampe en objet rare. Cette poursuite de l’épreuve singulière atteint son comble avec le monotype, une image imprimée unique, obtenue sans recours à la gravure. Les recherches portent autant sur l’éclairage, la texture et la teinte que sur le mélange des techniques. Elles permettent de traduire les aspects changeants du paysage selon les heures, les saisons et les variations atmosphériques.
Elles prêtent aux portraits et aux scènes intimes une spontanéité et un caractère d’inachèvement très nouveaux. Propice à l’expérimentation, cette époque voit enfin l’apparition de l’estampe en couleurs ainsi qu’un regain d’intérêt pour la lithographie.

Camille Pissarro (1830-1903)
Paysage sous bois, à l’Hermitage (Pontoise), 1879

Cette exposition - la première en France depuis celle proposée en 1974 par la Bibliothèque nationale - est l’occasion de découvrir ou de redécouvrir aux côtés des grands noms de l’Impressionnisme des artistes moins connus qui ont pourtant joué un rôle décisif dans le renouveau de l’estampe originale, tels Félix Bracquemond, Henri Guérard, le vicomte Lepic, Félix Buhot, Auguste Delâtre et Marcellin Desboutin.
Elle a bénéficié du concours de Michel Melot, éminent spécialiste de l'estampe impressionniste, auteur de nombreux ouvrages et articles sur ce sujet. Le commissariat est assuré par Caroline Joubert, conservateur au musée des Beaux-Arts de Caen, et Valérie Sueur-Hermel, conservateur au département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque nationale de France. La scénographie, inspirée en partie par ce qu'avaient imaginé certains artistes impressionnistes, mettra en valeur les oeuvres dans un parcours divisé en dix sections.

Une exposition de la Bibliothèque nationale de France et du musée des Beaux-Arts de Caen.
 

Édouard Manet (1832-1883)
Les Courses, 1865-1878

Informations pratiques

Horaires
Du mercredi au lundi de 9h30 à 18h - Fermeture le mardi

Catalogue
coédité avec les Editions d'Art Somogy, format 22x28 cm, 160 pages

Dieux des murs et des fossés de toutes les commanderies et dieux du sol de tous les districts (détail), Ming, vers 1600
© Rmn, musée des arts asiatiques Guimet, Paris / Thierry Ollivier

Et la première partie de l’exposition, nous y invite sans tarder avec l’exposé très clair des cosmogonies illustrées par de nombreux objets tels les 28 divinités des mansions célestes ou l’oiseau vermillon symbole du sud provenant du musée national de Taipei. La très belle scénographie de l’agence Mostra répond parfaitement à ces exigences du vide et du plein, du yin et du yang. Les couleurs et leurs symboliques accompagnent le visiteur dans cet « autre chemin de l’être » bouleversant parfois nos réflexes hérités du cartésianisme. Les textes animés projetés sur une cimaise et qui défilent suffisamment lentement pour être lus sont une véritable réussite pour la pleine compréhension de cette exposition exigeante. Un espace spécifique est bien entendu réservé à Lao zi, le personnage central du Taoïsme. Et si nous ne sommes pas certain que le personnage historique ait réellement existé, Le livre de la Voie et de sa Vertu qui lui est attribué existe bien quant à lui. Cet écrit, que des moines connaissent par cœur encore aujourd’hui, a eu et a une importance centrale dans le Taoïsme.
Cette très belle exposition sera ainsi l’occasion de découvrir près de 250 œuvres venant du musée des arts asiatiques Guimet, des Etats-Unis, d’Europe et de Taiwan. Ces chefs d’œuvre méconnus offriront ainsi au visiteur une véritable découverte non seulement culturelle, ce qui est déjà beaucoup, mais plus encore philosophique : comment prendre un autre chemin pour retrouver son être…

Terre de rencontre, terre de Bouddhisme, terre d’invasions et d’échanges, mais aussi terre de culture ancienne, et de diversités, le Gandhara voit naître et se développer une civilisation brillante mêlant les influences grecques, fruits des conquêtes d'Alexandre le Grand, aux inspirations perses et indiennes. Sous la dynastie des Kouchans, l'art du Gandhara va s’épanouir à travers le bouddhisme.
Dans cette exposition, vous retrouverez des statuettes, des statues du Buddha et des vénérés (boddhisattva…), des bas-reliefs de temples et de stupas, mais également des terres cuites et des stucs de monastères ou de palais.
Ces œuvres sont en partie issues du site archéologique de Taxila, à 40 km d’Islamabad, la capitale pakistanaise, qui, de par sa situation géographique, favorisa un brassage de populations et de cultures. Taxila abrite aujourd'hui les vestiges de trois villes successives et de nombreux sites monastiques témoignant du raffinement des époques où la cité connut son apogée.
La civilisation du Gandhara disparaît peu à peu après les invasions des Huns laissant en héritage un art qui influencera durablement les pays de Haute Asie (Asie Centrale, Chine, Corée et Japon).

© Musée Guimet 2010

Publications
- Album de l’exposition Pakistan – Terre de rencontre – Ier - VIème siècles. Les arts du Gandhara ; coédition Rmn / Musée ; ouvrage réalisée sous la direction de Pierre Cambon 22 x 28 cm ; 160 p. ; 150 illustrations couleur ; Relié.
- Hors-série Connaissance des arts
- Hors série Art Absolument.

CRIME ET CHATIMENT

musée d’Orsay

Théodore Géricault (1791-1824)Etude de pieds et de mains1818-1819Huile sur toileH. 52 ; L. 64 cmMontpellier, Musée Fabre © Musée Fabre de Montpellier Agglomération – cliché Frédéric Jaulmes
 

Le 30 septembre 1981 est à jamais fixé dans la mémoire collective des français, date à laquelle le garde des Sceaux, et ministre de la Justice, Robert Badinter, obtint l’abolition de la peine de mort. Comment expliquer ces deux siècles d’attente depuis qu’en 1791, Le Peletier de Saint-Fargeau avait, lui aussi, réclamé l’abolition de la peine capitale aux députés de la Constituante… Deux siècles pendant lesquels, gouvernants, philosophes, écrivains, religieux et autres penseurs vont discuter, réfléchir, argumenter sur la valeur d’une peine, qui après avoir relevé de l’omnipotence d’un Dieu ou de l’autorité absolue d’un Roi, tempérée par le droit de grâce, ne sera plus administrée, dans la logique des Lumières, que par l’homme et l’homme seul. Mais l’homme peut-il juger de l’action des hommes ?
L’exposition « Crime et châtiment » actuellement et jusqu’au 27 juin 2010, au musée d’Orsay, raconte deux siècles de cette sombre fascination pour nombre des plus grands artistes peintres, écrivains, journalistes, cinéastes, sculpteurs, caricaturistes…
Aux origines, il y a bien sûr cette histoire de famille qui a mal tourné, Caïn tue son frère Abel, et nous entrons dans la spirale de transgression de la plus fondamentale de toutes les lois bibliques qui régissent nos sociétés humaines. Caïn, le fratricide ouvre le ban des crimes de toutes espèces, parricide, infanticide, régicide, génocide. Le mal est entré en chaque homme. Eternel puni et fugitif, Caïn vivant depuis dans la culpabilité introduit aussi la question de la punition, du châtiment.
Crimes, prisons, décapitations, autant de thèmes qui parcourent en tous sens l’art depuis la Révolution française et ses premières tentatives pour abolir la peine de mort… Qu’ils soient bibliques, passionnels ou bien crapuleux, politiques ou crimes de sang, tous décuplent, par la peinture, le dessin, la photographie, par la presse ou les grands textes littéraires, poèmes ou déclarations politiques, une certaine puissance fantasmatique sur nous.
Dans un parcours construit autour de sept chapitres, le visiteur est invité à se positionner (qu’il le veuille ou non) lui-même face aux crimes, à la justice des hommes, aux châtiments, car nul n’est épargné dans cette déambulation historico-artistique. En effet, si l’on admire l’œuvre ou son auteur, les sujets peuvent vite nous incommoder par la puissance des interprétations de Falguière à Picasso en passant par David, Munch, Schiele, Goya, Géricault ou Degas… Mais aussi par les écrits et dessins d’Hugo, Baudelaire, Bloy, Camus, Marat ou encore Diderot… Tous ont été fascinés par ce côté plus qu’obscur de l’être humain capable de tuer son semblable de sang froid comme sous l’emprise de la folie. Si certains d’entres eux cherchent à capter l’instant même, l’émotion à son paroxysme du condamné qui va mourir ou de celle de la victime, pétrifiée dans cette mort inattendue, tous, dont la représentation artistique et libre de ce que signifient le crime et son corollaire, auraient pu être d’accord avec Robert Badinter, lorsque dans le catalogue de l’exposition, il se pose les questions mêmes de qu’est-ce qu’un crime au-delà de ses définitions légales ? Pourquoi l’homme est-il toujours et partout un être criminel ? Que signifient ces châtiments, aux formes diverses, que la société inflige à ceux qu’elle condamne ? Cette exposition, grâce à l’art, nous éclaire sur ce double mystère de l’homme criminel et de la société punitive. « Mais qu’est-ce donc que l’exécution capitale, sinon le plus prémédité des meurtres auquel aucun forfait criminel, si calculé soit-il, ne peut être comparé. » Albert Camus, dans cette simple phrase pose et résume absolument ce que la peine de mort est en son essence même, un crime collectif dilué dans cette même conscience collective et approuvée de tous puisque la décision n’incombe pas directement à chacun d’entre nous, et qui fait qu’il a pu se répéter depuis 1792 quand il est décidé que les exécutions se feront par décollation et que la guillotine, jugée plus sûre et moins cruelle pour le condamné, sera l’outil du supplice.

Benedict-Augustin Morel établit alors la théorie de la dégénérescence qui remet en cause ce libre arbitre qui tend à s’effacer avec la naissance de la phrénologie (étude du caractère et des fonctions intellectuelles de l’homme d’après la conformation extrême du crâne, fondée par F.J Gall en 1831, aujourd’hui complètement abandonnée), puis de l’anthropologie criminelle (travaux de Lombroso, naissance de la police scientifique en 1878 avec les bases de l’identification judiciaires, posées par Bertillon) qui voudra démontrer que l’homme, par atavisme, par dégénérescence, par atteinte de ses facultés mentales, peut se révéler comme un criminel-né ou un criminel en puissance, ce qui posera la question de la reconnaissance de la responsabilité du mal et s’il faut punir ou soigner. La science, la presse et son imagerie plus que suggestive, ont fait avancer la vision de la petite et grande criminalité, mais cet étalage de faits-divers répandus dans la population amène aussi cette idée que le crime peut toucher tout le monde et que donc, une forme de punition ou vengeance collective, pas toujours consciemment mesurée, peut mener le meurtrier jusqu’à la guillotine. Sans toutes ces étapes, artistiques, politiques, littéraires, scientifiques, philosophiques, journalistiques, auront été nécessaires sur le chemin de l’abolition de la peine de mort.

Victor Hugo (1802-1885)Justitia1857Plume et lavis d'encre brune, crayon et gouache sur papier vélinH. 53,4 ; L. 35 cmParis, maison Victor Hugo© Maisons de Victor Hugo / Roger-Viollet

Qui sait si, celle qui ouvre l’exposition, ne fonctionnerait pas encore aujourd’hui ? Victor Hugo qui mena toute sa vie un combat acharné contre la peine capitale (les derniers jours d’un condamné), la définit comme « un crime permanent, comme le plus insolent des outrages à la dignité humaine, à la civilisation, au progrès car toutes les fois que l’échafaud est dressé, nous avons reçu un soufflet », aura quant à lui plaidé pour que l’humanité gagne sur la barbarie qui semble bien être une des caractéristiques humaines… Le crime et le châtiment, c’est bien sûr aussi l’histoire de la justice, et cette dernière n’est pas oubliée avec un espace qui lui est consacré. L’enfermement comme châtiment (car ignorée sous l’ancien régime, la prison devient une sanction en 1791), après le procès et ces caricaturistes (Honoré Daumier, lui-même emprisonné le 31 août 1832 coupable d’impertinence, excitation à la haine et au mépris du gouvernement du roi), ces portraits de juges, cette porte de cellule gravée du passage de chacun des détenus et qui deviendrait presque une œuvre d’art à part entière, mais témoigne avant tout de la privation de liberté. Du mythe fondateur, en passant par l’assassinat de Marat, ou celui de Le Pelletier de Saint-Fargeau (proche de Robespierre), de l’affaire Fualdès (ex procureur assassiné à Rodez) à Lacenaire (le criminel poète), des cannibales de la république de Weimar à la représentation des dites femmes fatales du 19ème siècle qui mènent l’homme à sa perte, de l’histoire de la prison à la scène de crime et aux gueules d’assassins, de l’art de la folie à la machine de Kafka, du surréalisme alléché par le crime à nos jours, rien ne pourra vous laisser insensible. Vous serez touchés, bouleversés ou écœurés, mais rien ne vous laissera indifférent au cours de cette déambulation dans le côté sombre et « anti héros » de l’humain qui laisse éclater cette violence criminelle que les artistes peintres ont certainement fantasmé visuellement de manière plus intense que les écrivains.
Cette exposition appelle aussi à réfléchir sur le combat des abolitionnistes à travers le monde quelque soit le pays, le régime politique en place et la culture concernés. Combat dur qui prendra encore beaucoup de temps. L’histoire de la peine de mort est loin d’être terminée.
« Crime et châtiment », exposition de Jean Clair de l’Académie française et conservateur général du patrimoine, d’après un projet de Robert Badinter, est présentée au musée d’Orsay jusqu’au 27 juin 2010.
Les nombreux et savoureux rendez-vous autour de l’exposition qui vous attendent au musée Orsay, concerts, café littéraire, projection de films, conférences, visites/conférence, activités pour le jeune public, la nuit du crime spécial 18/25 ans et une micro fiction sur Internet seront aussi de très bons soutiens pour s’imprégner encore un moment de cet univers qui a tant fasciner les artistes.

Musée du Jeu de Paume

Invisible Mending
(still), from 7 Fragments for Georges Méliès, 2003
William Kentridge
35mm and 16mm animated film transferred to video,1:20 min.
Collection of the artist, courtesy Marian Goodman Gallery, New York / Paris, and Goodman Gallery, Johannesburg
© 2010 William Kentridge
photo: John Hodgkiss, courtesy the artist

CORPS ET DECORS - RODIN ET LES ARTS DECORATIFS

Musée Rodin

Rodin, Carrier-Belleuse, Piédestal aux Titans,
céramique émaillée - Vers 1879-1880 – Musée Rodin
© musée Rodin - photo : Christian Baraja

La nouvelle exposition du musée Rodin est consacrée aux arts décoratifs et à la décoration monumentale. À travers le thème « Corps et décors », nous est dévoilée une dimension inconnue de l’œuvre d’Auguste Rodin, maître de ces lieux, dont on oublie trop facilement qu’il a commencé sa carrière comme sculpteur ornemaniste. Formé à la Petite École de dessin et d’architecture, Rodin a travaillé dans l’atelier de Carrier-Belleuse dès 1870. Il participa à plusieurs chantiers de décorations monumentales comme la Bourse de Bruxelles, le théâtre des Gobelins ou encore les fontaines du Trocadéro. On savait déjà que Rodin avait aussi réalisé des masques et autres mascarons de façades que l’on peut admirer sur certains monuments de Paris. Intégrant la manufacture de Sèvres en 1879, il y produit de nombreux vases décorés. L’art ornemaniste est trop souvent relégué à un rang mineur dans l’histoire de l’art, bien que de très grands artistes s’y soient essayés et même y ont trouvé leur mode privilégié de création. « L’ornement n’est pas un crime », rappelle avec humour François Blanchetière, commissaire de l’exposition et superviseur du catalogue. L’exposition « Corps et décors » propose justement un parcours et une réflexion sur la place qu’a occupée Auguste Rodin dans l’univers des arts décoratifs et de la décoration monumentale. À travers toutes les œuvres exposées, l’exposition ouvre aussi le débat sur nombre de questions caractéristiques de la fin du 19e siècle comme l’unité des arts, le dépassement des styles historiques, la valeur ornementale d’une œuvre… Rodin, fort de son expérience d’artiste ornemaniste conduit des recherches sur les matériaux et les changements d’échelle, revisitant ainsi ses propres créations. Le parcours de l’exposition nous permet de revivre, entouré « d’œuvres clés », ce à quoi Rodin lui-même, en son temps, fut confronté.
« L’œuvre d’Auguste Rodin est pareille à un monde immense, et son génie évoque l’idée d’une force naturelle dont la puissance créatrice emprunte, pour se manifester, tous les verbes de l’art. », écrivait Roger Marx dans son livre « Rodin céramiste – 1907 ». Cet aspect, peu étudié de l’œuvre de Rodin, était considéré jusqu’à peu, plus comme des travaux alimentaires de jeunesse bien que Rodin ne cessa jamais d’y consacrer une part de son activité. Bustes décoratifs, cariatides, vases et essais d’émaillages, croquis, œuvres originales pour ses mécènes, recherches pour la Porte de l’Enfer, dans tous les cas, c’est le corps humain qu’il étudiait, tant par le dessin (de très beaux dessins sont exposés en introduction de l’exposition), en modelage, sur papier comme dans la terre, le plâtre, le marbre, les bronzes, la porcelaine, le grès ou la pâte de verre. Les 165 œuvres sélectionnées, de toutes tailles et de toutes matières, pourraient nous donner le tournis…

Pour arriver à la création libre de cet artiste d’exception, la mise en espace de cette exposition, laisse l’esprit flâner, le regard n’est pas agressé et se laisse volontiers attiré par de délicats essais de cuissons d’émaux, de petits plâtres, des morceaux d’architecture complexe, des études, des esquisses et autres croquis d’œuvres monumentales que l’on découvre être celles du maître. Cette façon de revisiter les œuvres parfois retravaillées à différentes échelles, montre bien que la création ne saurait être figée dans le temps, et que si Rodin lui-même s’amusait à cet exercice, peut-être est-ce justement pour prouver également qu’il lui restait toujours beaucoup de recherches à mener autour de ses propres réalisations. « Comme à son habitude, Rodin semble s’être investi avec passion dans ce nouveau domaine de création qui s’offrait à lui, et les liens profonds de ses décors pour Sèvres avec ses dessins, ses gravures et ses sculptures montrent qu’il est réducteur d’essayer de comprendre chacun de ces champs d’expression artistique indépendamment des autres. Toutefois, il est probable que l’œuvre céramique de Rodin aurait été plus vaste et plus aboutie sans la lenteur paradoxale de ce modeleur virtuose qui avait le plus grand mal à mettre un point final à ses œuvres. » Ce qu’écrit là, François Blanchetière, dans le catalogue de l’exposition, traduit bien ce que l’on ressent en sortant de ce lieu lumineux.

Rodin, Projet de vase décoratif, bronze
Vers 1890 - Musée Rodin
© musée Rodin – photo : Christian Baraja

Autres maîtres de l'Inde * Créations contemporaines des Adivasi

Khermraj, artiste disparu trop tôt, fût le premier à créer des panneaux à caractère narratif et à usage profane, racontant ainsi l’évolution de son village vers la modernité se libérant aussi de la vocation rituelle créant une œuvre plus individuelle. De ce magnifique panneau réalisé avec des dizaines de plaques de terre cuite, il émane une grande douceur et une précision d’exécution. Dans les montagnes et les forêts de Vadodara et Panchmahal, au Gujarat, (dans l’ouest de l’Inde), vit un grand nombre de tribus rathava. Pithoro est une de leurs divinités majeures qui joue un rôle capital dans le mythe de la création et pour le remercier, les hommes de la communauté réalisent des peintures colorées qui représentent l’empire céleste des dieux. Ces peintures sont traditionnellement réalisées sur des murs de terre, mais pour l’exposition « Autres Maîtres de l’Inde », les artistes ravatha les ont produites sur des toiles. C’est donc un immense privilège que de pouvoir les admirer au musée du quai Branly et d’y voir se mélanger, et le contexte mythique et les éléments typiques de l’époque actuelle. La qualité des couleurs, le bleu, les ocres, les verts sont d’une grande subtilité. Toujours dans l’ouest de l’Inde, la communauté nomade Waghri du Gurajat a réalisé une tenture de cinq mètres de long que l’on appelle Mata-ni-Pachedi (Mata : déesse, ni : appartenir à, Pachedi : derrière). Les étoffes étaient rectangulaires et divisées en neuf colonnes, se rapprochant du format d’un manuscrit et permettait la lecture du récit conté dans la composition, de haut en bas et de gauche à droite. Chaque colonne contenait sa propre histoire et le tout formait le « protomythe ». Ces textiles imprimés étaient bordeaux et noir, et la surface du tissu constituait une troisième couleur. Les motifs linéaires sont composés d’une imagerie pointilliste. Traditionnellement, la symbolique des couleurs était très importante puisque le bordeaux était associé à la déesse Terre, le noir servait à repousser les mauvais esprits et augmentait l’énergie spirituelle, et le blanc représentant la pureté était un intermédiaire entre les hommes, les esprits ancestraux et les divinités. Cette forme d’art traditionnel est une véritable rareté. Les Santhal, peuple animiste, minoritaire, vivant en petits groupes isolés à l’est du continent avaient leur propre religion appelée Sarna. Les Santhal, de tradition orale (pas de système d’écriture avant 1920) et croyant profondément au caractère éphémère des choses (notamment la beauté sous toutes ses manifestations) vivant dans un monde magico-religieux, peuplé d’esprits, d’animaux, de montagnes qui touchent à la divinité aux côtés d’autres figures anthropomorphes. Leurs rituels s’expriment par la musique et la danse, et il n’est guère surprenant de retrouver la délicatesse des mouvements et des sons dans les bas-reliefs sculptés sur les instruments de musique ou sur les rouleaux de papier illustrés par les Jadupatua (peintres magiques) ou se déroule l’histoire de leur mythe de création. Les sculptures sur bois, instruments de musique, rouleaux, masques racontent différents mythes fondateurs de leur culture. Mais dans les villages montagneux du nord-est, vivent des communautés guerrières repliées sur elles-mêmes qui sont représentées dans cette exposition à travers des bijoux, des vêtements d’apparat, des sculptures de guerriers en bois et autres tenues guerrières. Egalement de tradition animiste, les Naga voyaient dans leurs rituels une façon de comprendre le monde en perpétuelle transformation. Leur créativité artistique est aujourd’hui encore, très inspirée de leur tradition orale et du mythe des origines. Les Naga accordent une importance majeure à l’égalité entre hommes, guerriers, protecteurs et femmes et cet aspect de leur vie culturelle et sociale se retrouve dans leurs art, sculpture et sculptures guerrières d’une part et bijoux et textiles d’autre part.

figurine votive © musée du quai Branly photo Thierry Ollivier et Michel Urtado

Un troisième et dernier espace est consacré à une série de peintures populaires contemporaines qui nous fait découvrir les nouvelles voix de la peinture tribale actuelle. Depuis une trentaine d’années, les artistes comme Bhuridai, Anand Shyam, Deep Shyam et Nankusia Shyam, ici exposés, se sont installés en ville et le processus d’assimilation du monde tribal dans l’univers attitrant des grandes villes se dévoile dans les œuvres de ces jeunes artistes. Cette expérience de vie citadine et la découverte de matériaux nouveaux et du concept du marché de l’art leur ont ouvert de nouveaux horizons d’expression visuelle. Les toiles exposées, fameux mélanges des représentations de la ville et de l’univers mythologique des communautés donnent un ton joyeusement coloré et plein de vie, voire d’humour aux sujets traités que l’on pourrait qualifier d’ère postethnique. Comme deux invités mis à l’honneur, les artistes Jivya Soma Mashe et Jangarh Singh Shyam, sont connus mondialement et présents au plus haut niveau du marché de l’art. Jivya Soma Mashe est originaire de la tribu warli. Il a commencé à peindre tout petit (âgé aujourd’hui de soixante-quinze ans) alors que cet art était celui que les femmes se transmettaient de mère à fille. Grâce à lui, peindre est devenu un moyen d’expression artistique pour les hommes de sa communauté. A partir des années soixante-dix, il explora des thèmes plus narratifs que l’iconographie traditionnelle avec, comme il le dit dans un document filmé, l’envie de peindre ce qu’il voit dans les champs, aux bords des rivières, à la chasse, bref des scènes narratives jusqu’à celles de ses voyages personnels. Son travail et sa technique, inspirés des peintures traditionnelles des aborigènes d’Australie (support naturel – enduit à base de bouse de vache, dessins au trait à l’aide d’un bâtonnet et peinture blanche – anciennement à base de farine de riz mais aujourd’hui acrylique), se caractérisent par une construction singulière de l’espace pictural, divisé en son centre de façon horizontale, verticale ou diagonale où chaque personnage, chaque élément végétal, minéral ou animal y trouve sa juste place, dans une minutie et une délicate harmonie de pleins et de vides. L’œuvre de Jivya Soma Mashe est certainement intemporelle et c’est ce qui touche l’âme. Jangarh Singh Shyam, jeune peintre de la tribu des Pardhan Gond, mort prématurément à trente-sept ans, laisse à ses contemporains, une œuvre colorée à souhait. Installé à Bhopal où il découvre l’art moderne indien, il est le premier à exploiter cette forme artistique (toile de grande dimension, peinture acrylique, mélange de sujets) pour exprimer dans un style pointilliste à motifs géométriques des événements très personnels. D’autres peintres de sa tribu s’en inspirent et nait alors le style collectif « peinture gond ». Il peint les légendes de sa communauté tout en y intégrant des images de son environnement urbain. Dès son arrivée à Bhopal dans les années soixante-dix et jusqu’à sa mort, au Japon, en deux mille un, il a été un artiste reconnu. Ses toiles exposées au musée du quai Branly dans le cadre de l’exposition « Autres Maîtres de l’Inde » sont un bel hommage à sa créativité et à son œuvre inachevée.
Ainsi que le souligne très justement Stéphane Martin, le président du musée du quai Branly, il y a encore peu de temps, seules les grandes civilisations étaient accueillies dans les musées… Aujourd’hui et avec des initiatives comme celle-ci, la création vivante de peuples autochtones jusqu’alors méconnus sort de l’ombre et grâce aux talents réunis des artistes représentés ici, « Autres Maîtres de l’Inde » érige l’art tribal et populaire au rang d’art mondial, patrimoine commun de l’humanité.
Cette promenade à travers ces arts aux couleurs d’épices, aux matières simples, ces artistes inspirés par la nature et leurs regards sur leurs cultures prises dans le tourbillon du modernisme, nous laisse l’âme rêveuse, les yeux pleins de lumière et le cœur en fête. C’est donc une invitation à aller voir cette très belle exposition.

Autour de cet événement, vous pourrez voir des spectacles, films, des concerts, ateliers de création et assister à des conférences, dont les thèmes et les dates sont disponibles sur le site du musée.
Vous trouverez toutes les informations pratiques sur le site : www.quaibranly.fr ou sur contact@quaibranly.fr
 

Qumrân. Le secret des manuscrits de la mer Morte
du 13 avril 2010 au 11 juillet 2010

© École Biblique de Jérusalem

Deutéronome
Écriture judéenne
Cuir, ier siècle
BNF, Manuscrits, hébreu 1427 (plaque II)
Manuscrit 4, fragment 9
© BNF / Photo Bruce et Kenneth
Zuckerman, Marilyn Lundberg, and
John Melzian, West Semitic Research

Printemps 1947, des Bédouins Taamiré
découvrent les premiers manuscrits
Mohammed edh-Dhib (à gauche) est le berger
qui découvre les premiers manuscrits de Qumrân.
© Ecole biblique et archéologique française
de Jérusalem

« Proust, du temps perdu au temps retrouvé, lettres et manuscrits »

Le propre d’une lettre est de voyager souvent loin de son port d’origine. Un manuscrit traverse lui aussi de nombreuses mues pour finir également loin du lieu qui l’a vu naître. Le musée des lettres et manuscrits, qu’il faudra plus commodément nommer « mlm » est le sanctuaire de ces trésors enfin réunis en un lieu digne d’eux. C’est en effet dans un bel immeuble haussmannien mâtiné de style Eiffel que ces précieuses missives ont trouvé un lieu de repos bien mérité… Repos ? Ce n’est pas si sûr car dés l’inauguration de ce musée habillé de neuf, ces documents voués à l’éternité littéraire, musicale, scientifique ou artistique vont avoir une tâche délicate : nous livrer quelques uns de leurs mystères dans une scénographie faite d’acier, de bois et de verre, à la fois sobre et en même temps très réussie !

A l’Ombre des jeunes filles en fleurs. placard d’épreuves corrigées de 1914, placé par Proust dans un exemplaire de l’édition de luxe de 1920.

Mythique placard de Proust, parmi les plus développés connus, de A l’Ombre des jeunes filles en fleurs. Un extraordinaire témoignage du travail de réécriture que Proust mena sur son roman pendant la guerre. Alors que les premières épreuves des Jeunes filles avaient été imprimées en 1914 pour Grasset, la guerre retarda la publication du livre. Proust entreprit alors, de 1914 à 1918, un immense travail de relecture qui l’amena à corriger et à amplifier formidablement son texte. A la demande de Gide, Proust rejoignit finalement la M.R.F en 1916, et l’ouvrage parut chez cet éditeur en 1918. Ces placards comportent encore d’innombrables variantes par rapport au texte définitif. Très exceptionnel exemplaire complet de ses placards d’épreuves corrigées, et conservé tel que paru en feuilles dans son rarissime portefeuille d’éditeur.

L’invité d’honneur de ces nouveaux lieux ne pouvait être qu’un grand nom des lettres et Marcel Proust fut tout trouvé. Ses lettres et autres manuscrits, billets, placards et témoignages nourrissent la première exposition temporaire de ces lieux. Il faudra se munir de ses lunettes et réserver une plage suffisante dans son emploi du temps à deux pas du Flore et des deux Magots…

L’auteur de tous ces témoignages réunis devant nos yeux ébahis est une personnalité d’une rare sensibilité qui imprègne chaque ligne de ces missives. C’est dans cet encrier de larmes et de sourdes angoisses que Proust aime à tremper la plume qui court sur toutes sortes de papiers. Quatre-vingt-six lettres (dont une trentaine inédites !) et des envois autographes offrent aux témoins de notre XXI° siècle une fenêtre sur l’univers d’un écrivain de cette fin du XIX° siècle. Que d’attentions et de prévenances, qui n’empêchent pas des fourberies et autres traits cyniques, courants dans cette société parisienne sans concessions. Proust y puisera toute la matière pour son immense épopée tout en entretenant des relations étroites avec certains de ses contemporains amis des lettres, écrivains ou artistes.

Gérard Lhéritier, maître des lieux, insiste pour que nous regardions cette correspondance avec un autre regard « Au-delà du personnage mondain, apparaît un homme plus sensible que vaniteux, en constante recherche d’affections de ses proches » et le président de ce très beau musée a vu juste. Pour mieux comprendre Proust, la découverte de sa correspondance éclaire l’écrivain et son œuvre. Ce Proust « retrouvé » constitue une part indispensable à la pleine compréhension de la Recherche : « Je suis aussi peu homme du monde que possible et n’ai pas partagé pendant la guerre le dilettantisme presque germanophile du faubourg Saint-Germain. Vous verrez cela dans Le Temps retrouvé où on comprend que c’est parce que M. de Charlus était hessois de famille qu’il parle avec tant d’ironie de Mangin etc. Je crois qu’il y a là tout un chapitre avec vin neuf dans de vieilles outres. » (Proust à Madame Léon Daudet, n° 81).

Le musée a publié à l’occasion de l’exposition Proust avec les éditions des Equateurs un très beau catalogue qui réunit ces documents inédits autour de Marcel Proust. L’heureux lecteur y retrouvera les lettres et les manuscrits littéraires avec leur retranscription permettant ainsi de les relire après leur découverte dans l’exposition. Illustré par de nombreuses photographies, cet ouvrage sera le compagnon des amoureux de Proust et des belles lettres !

Adresse
222, boulevard Saint-Germain, 75007 PARIS - FRANCE
Téléphone : 01 42 22 48 48
Fax : 01 42 25 01 87
Horaires d'ouverture
Du mardi au dimanche de 10h à 18h
Nocturne le jeudi jusqu'à 20h

Une chronique de Bertrand Galimard Flavigny

"Les passagers du vent et les esclaves." Une rétrospective au musée de la Marine.

L’une des bandes dessinées parmi les plus mythiques de son histoire trouve sa consécration au musée de la Marine.

« A l’origine, je ne pensais pas réaliser une histoire purement marine, sans songer composer une histoire consacrée à la traite négrière », confie François Bourgeon auteur et illustrateur qui a imaginé cette histoire des « Passagers du vent » vers la moitié des années 1970, sans imaginer qu’elle deviendrait l’une des plus mythiques de celle de la bande dessinée marine et de la BD tout court, car elle rompt les digues qui la séparait de la littérature. Quatre albums devaient suivre jusqu’en 1984, puis plus rien. Le récit s’achève lorsque l’héroïne, dépouillée de tout, s’élance, sous la pluie, sur une plage de Saint-Domingue, le vendredi 29 mars 1782, en disant : » Ce jour-là, j’ai failli oublier que je n’avais, sommes toute, que dix-huit ans…et encore toute la vie devant moi ». Vingt-cinq ans plus tard, François Bourgeon vient de donner une suite à ces Passagers du vent, sous le titre La Petite-fille Bois-Caïman (1).
Le musée national de la Marine (2) présente aujourd’hui des planches originales, des objets et maquettes sortis de l’atelier de cet auteur qui a connu la mer et surtout les bâtiments de haut bord et autres navires, en lisant Le vaisseau de 74 canons, traité pratique d'art naval, 1780 par Jean Boudriot (3). Cet ouvrage est pratiquement le seul qui explique et décrit d’une manière précise l’architecture, la composition de ce type de vaisseau de ligne et également la vie à bord. « En refermant le livre, j’ai éprouvé le désir, comme lorsque l’on vient d’assister à un bon film et que l’on incite ses amis à aller le voir, de partager cet univers », dit François Bourgeon. Sans coup férir, il réalisa une maquette de la frégate baptisée « La Marie-Caroline » afin d’en apprendre et les gréements. Entre temps, il eut entre ses mains l’ouvrage de Pierre Verger, Flux et reflux de la traite des nègres entre le golfe de Bénin et Bahia de Todos Os Santos du XVII° au XIX° siècle ». C’est ainsi que s’est orienté son récit. Il découvrit dans les archives coloniales, rue Oudinot, à Paris, le plan du fort de Saint-Louis de Juda, réalisé en 1776 par l’abbé Bullet. Relevant leurs cotes, il les a reproduits en maquette, notamment pour étudier les ombres, utilisant si besoin était, des miroirs afin de suivre le déplacement des personnages. François Bourgeon est un grand lecteur qui ne cesse de croiser et recroiser les informations qu’il glane çà et là. Les maquettes font partie de ces croisements. Retrouvant des aquarelles figurant les plantations de la Louisiane au milieu du dix-neuvième siècle, l’illustrateur a su placer son décor principal de La Petite-fille Bois-Caïman.

L’histoire des Passagers du vent est double. Elle est celle d’Agnès de Roselande dont l’identité a été volée à cause d’un jeu d’enfants. Devenue, malgré elle Isabeau, dite Isa, elle se retrouve embarquée sur un vaisseau du roi. Les aventures mèneront la jeune femme en Angleterre puis en Afrique et enfin à Saint Domingue, avant que nous la retrouvions, en présence de son arrière-petite-fille, en Louisiane, au moment de la Guerre de Sécession. Nous sommes en présence d’un roman dans lequel les femmes jouent le principal rôle au centre d’un conflit qui dura, celui de la traite des noirs, jusqu’à sa suppression. François Bourgeon conduit son récit avec des allers et retours, fournissant au lecteur les explications qui lui semblent manquer un moment. Rien de linéaire chez lui, il mène pourtant à bien sa bataille pour la liberté. Les deux derniers tomes composés dans un format plus grand que celui des cinq premiers, et grâce aux nouvelles techniques avec une colorisation plus intense, et un jeu de vignettes superposées, sont, le mot n’est pas trop fort, remarquables.

© Bertrand Galimard Flavigny

(1) les Passagers du vent, « la Fille sous la dunette », « le Ponton », « l’Heure du serpent », « le Comptoir de Juda », « le Bois d’ébène », - La Petite-fille Bois-Caïman, livre 1, et 2, 70 p. ,Editions 12Bis,
(2) Musée national de la Marine, place du Trocadéro, Paris, jusqu’au 3 mai 2010.
(3) Ed. Ancre (Nice) 4 to. 416 €.

On peut lire aussi : Bourgeon, par Christian Lejale, Ed. Imagine & Co -
– François Bourgeon, le passager du temps, par François Cortegianni, Glénat

Retrouvez cette chronique

sur le Blog de Bertrand Galimard Flavigny

Musée de la Vie Romantique

Eugène Delacroix (1798-1863)
Frédéric Chopin – 1838
Huile sur toile - Musée du Louvre, département des Peintures, Paris

L’exposition regroupe quelque quatre-vingt dix peintures, sculptures et dessins de Chassériau, Clésinger, Corot, Courbet, Delacroix, Scheffer… prêtés par les principaux musées français : Louvre, bibliothèque-musée de l’Opéra - BNF, Carnavalet, Petit Palais, ainsi que Nantes, Rouen, Arras, Montauban et le prestigieux Metropolitan Museum of Art, New York et de nombreuses collections privées.

« …les phrases, au long col sinueux et démesuré de Chopin, si libres, si flexibles, si tactiles, qui commencent par chercher et essayer leur place en dehors et bien loin de la direction de leur départ, bien loin où on avait pu espérer qu’atteindrait leur attouchement, et qui ne se jouent dans cet écart de fantaisie que pour revenir plus délibérément – d’un retour plus prémédité, avec plus de précision, comme sur un cristal qui résonnerait jusqu’à faire crier – vous frapper au coeur ».
Marcel Proust, A la recherche du temps perdu, Paris, Gallimard, Pléiade, 1987-1989, 4 vol. I, p. 326

LA FABRIQUE DES IMAGES

Musée du Quai Branly

jusqu'au 17 juillet 2010

Comment voyons-nous le monde ? Comment vois-je le monde qui m’entoure, mon monde et celui de ma culture ? C’est en ces termes que je me suis immergée dans le parcours de l’exposition « la Fabrique des images » actuellement au musée du quai Branly, Mezzanine Ouest. Etonnant parcours anthropologique à travers les quatre grandes visions du monde qu’ont les humains de tous les continents, de toutes les cultures. Ce sont quatre grands modèles iconographiques créés par l’homme qui nous ouvrent aux regards et à l’interprétation du monde des hommes d’Afrique, d’Alaska, d’Amazonie, d’Australie, d’Amérique du nord et de l’Europe des 15ème et 16ème siècles. Nous sommes alors invités au décryptage de grandes productions artistiques afin de voir et de comprendre ce qui n’est pas perceptible d’emblée dans une image. C’est un fameux jeu de déchiffrement des différents principes selon lesquels les civilisations voient et rendent compte du monde dans lequel elles évoluent depuis la nuit des temps, à travers ces quatre grandes approches qui sont dans « un monde animé » : l’animisme, dans « un monde objectif » : le naturalisme, dans « un monde subdivisé » : le totémisme et dans « un monde enchevêtré » : l’analogisme.
C’est sous le commissariat de Philippe Descola, anthropologue, professeur au collège de France et directeur d’études à l’EHESS, que ce dernier va nous sensibiliser à ces 4 façons de rendre présent dans des images, tel ou tel système de qualités prêtées aux objets du monde. Ces systèmes de qualité sont appelés traditionnellement « ontologies » (une ontologie est un système de distribution de propriétés. On donne telle ou telle propriété à tel ou tel existant, qu’il soit un objet, une plante, un animal ou une personne), or toutes les cultures n’ont pas la même ontologie, on en définit 4 dans le monde, donc 4 façons différenciées de percevoir des continuités et des discontinuités entre les choses. Dans notre ontologie naturaliste qui domine l’Europe depuis l’âge classique, l’homme se distincte du reste des êtres et des choses, car il est le seul à posséder une intériorité (une âme, un esprit, une subjectivité).

peinture sur écorce © musée du quai Branly photo Thierry Ollivier, Michel Urtado

Dans l’ontologie animiste des pays d’Amazonie, Amérique du Nord, Sibérie, Asie du Sud-est et Mélanésie, c’est tout juste l’inverse qui prévaut, et les animaux, plantes, et objets ont une intériorité semblable à celle des hommes, se distinguant les uns des autres par la forme de leur corps. Dans l’ontologie totémique (l’exposition prend pour exemple les Aborigènes australiens), certains humains et non humains partagent, à l’intérieur d’une classe nommée, les mêmes qualités physiques et morales issues d’un prototype tout en se distinguant en bloc d’autres classes du même type. Dans l’ontologie analogique, tous les occupants du monde sont dits différents les uns des autres, raison pour laquelle on essaie de trouver des rapports de correspondance (l’exposition présente en exemple la Chine, l’Europe de la Renaissance, l’Afrique de l’Ouest, les Andes, la Méso-Amérique..). La scénographie de Pascal Rodriguez, très subtile, nous fait passer d’une ontologie à l’autre en toute fluidité, les espaces, les couleurs, les éclairages laissent à penser que l’on est peut-être trop attaché à une interprétation du monde particulière et que tout est à découvrir de celle que l’on ne connaît pas encore.
Le premier espace de l’exposition s’intéresse donc à « un monde animé » : l’animisme, une promenade troublante où de nombreux masques Yupiit (pluriel de Yup’ik – Alaska), notamment de chamanes qui dévoilent l’intériorité animale, les esprits auxiliaires (Tunraq) qui sont figurés sous la forme d’un corps animal portant ou dissimulant par des mécanismes articulés, le visage d’un humain. Masques zoomorphes qui comportent quand même des indices ténus d’humanité, soit visage, soit membres humains greffés au masque animal, sorte de chimère dont tous ces attributs rendent capable une vie sociale et culturelle. Une autre façon de figurer l’intériorité des animaux dans les régions autour du pôle Nord est la miniaturisation. De nombreuses figurines d’ivoire de morse (culture du Dorset et de Thulé) expriment, avec une économie de moyen, l’essentiel de l’intériorité de l’animal, son âme (tarniq). Ce sont de minuscules modèles réduits de l’être humain ou non humain qu’elles animent tout en opérant certains types de métamorphoses liées à la relation avec les esprits des animaux et leurs gardiens. Dans l’ontologie animiste, qui permet aux âmes d’adopter différentes apparences, on n’est jamais sûr de l’identité réelle de la personne qui se dissimule à l’intérieur du vêtement corporel que l’on perçoit et les masques à transformation de la côte nord-ouest du Canada vont bien plus loin puisqu’ils donnent à voir une véritable métamorphose, un changement de point de vue, on retrouvera le même phénomène dans les figurines inuit dîtes « à transformation ». La manipulation des figurines animales est aussi une façon de garder les animaux « à l’esprit » et porter sur soi une miniature animale revient à s’attirer les bonnes grâces de l’animal en question et des esprits qui le protègent. En Amazonie, les indiens sont plus attachés à transformer les corps humains eux-mêmes en images, (body-painting, ajouter des pièces animales comme les plumes, écailles, duvet, dents, os, griffes, pelage, becs, élytres…) cherchant à retrouver la plénitude physique d’un temps disparu. Les humains chercheraient alors à capter à leur profit, une parcelle de l’expérience du monde des autres espèces, en revêtant un costume animal, ils empruntent aux animaux leurs aptitudes biologiques et donc l’efficacité avec laquelle ces derniers tirent parti de leur environnement. Entre, les peintures de camouflage, vêtements, masques, coiffes ou autres masques-costumes amazoniens vus et ressentis comme « les habits des esprits » permettant de passer auprès d’autres espèces pour ce que l’on n’est pas vraiment, on peut parler de véritables camouflages ontologiques. De très nombreux objets et costumes illustrent le monde animiste et en montre la dimension esthétique et plastique d’une grande qualité.
 

Dans les sociétés aborigènes d’Australie, qui illustrent le troisième espace consacré au monde subdivisé et au totémisme, les images totémiques révèlent une identité interne et une identité physique très profondes, qui découlent traditionnellement du Rêve, le « the dream time », le temps du rêve. Pour bien comprendre ce que sont les images totémiques, il faut se pencher sur le statut général des images en Australie qui sont toutes et partout liées aux êtres du Rêve et à leurs actions afin de mettre en ordre le monde et le rendre conforme à leur propre organisation. On peut appréhender deux stratégies bien différenciées qui montrent comment le corps serait à l’origine de ce qu’il a lui-même engendré et que l’on appellera l’empreinte du corps, illustrée par les peintures sur écorce, et une autre qui montre comment le monde a été formé par des êtres qu’on ne voit pas, mais qui ont laissé des traces de leur passage dans le paysage et que l’on appelle l’empreinte du mouvement visible sur les toiles acryliques des représentations de rêves ou de chemins codés lisibles bien souvent uniquement par les membres d’une même classe totémique, car en relation avec leur origine. Les Yolngu du Nord-est de la terre d’Arnhem, peignent sur des écorces des séquences de récits qui relatent les aventures des êtres totémiques au temps du Rêve ainsi que les éléments du site géographique où se sont déroulés ces événements. Ces images retracent des trajets suivis par les êtres totémiques et des représentations des êtres du Rêve figurés sous forme animale ou végétale.

poupée rituelle © musée du quai Branly photo Thierry Ollivier, Michel Urtado

Toussaint Dubreuil
Premier peintre d’Henri IV

Toussaint Dubreuil,
Thétis trempant Achille dans les eaux du Styx,
plume et encre brune, lavis brun et beige, rehauts
de gouache blanche en partie oxydés, tracé
préparatoire à la pierre noire© RMN / Jean-Gilles Berizzi

SEXE, MORT ET SACRIFICE DANS LA RELIGION MOCHICA

Steve Bourget, archéologue, professeur associé au département Art et Histoire de l’art à l’Université du Texas, Austin, mène entre 1995 et 1998, des recherches archéologiques sur le site emblématique de la culture Moche, Huaca de la Luna, au Pérou où il découvre un important site de sacrifices collectifs associés à l’enterrement des personnes de haut rang dans la société Moche. A la vue de ces nouvelles perspectives d’études des dimensions sociales et symboliques de la religion Moche et de son iconographie, il lance, en 2004, un nouveau projet de recherches sur le site de Huaca del Pueblo afin d’étudier le développement politique et culturel de la civilisation Moche au nord de la Pampa de Paijan. Avec le concours d’Anne Christine Taylor, directeur du département de la recherche et de l’enseignement du musée du quai Branly, et la scénographe Gaëlle Seltzer, Steve Bourget, commissaire de l’exposition, va nous transporter, et le mot n’est pas vain, dans l’univers naturaliste, fantasmagorique, érotique et humoristique, d’une civilisation où la vie et la mort font partie d’un même processus. Steve Bourget se livre à une lecture personnelle de cette production de céramiques érotiques mochicas. Il propose des clés d’interprétation de cette imagerie religieuse qui utilise la sexualité pour symboliser des opérations cosmologiques abstraites comme le passage du monde terrestre à l’inframonde ainsi que les échanges continus de substances nourricières (le sang, le liquide séminal ou l’eau), les échanges entre les vivants et les divinités ou esprits ancestraux qui garantissent la bonne marche de l’univers gérée par les souverains et dignitaires religieux. Cette idéologie est soucieuse d’assurer, par la reproduction de l’autorité gouvernante, la propre continuité de la société elle-même et de l’univers.

figura 63 © Museo Larco, Lima photo Daniel Giannoni et Steve Bourget

 Les artisans mochicas représentent donc, à travers l’art de la céramique et des poteries ici exposées, des rites non-reproducteurs, faisant des attributs sexuels stylisés, les thèmes centraux d’une iconographie à fonction rituelle politico-religieuse qui portent essentiellement sur des activités cérémonielles liées à la guerre, à la capture de prisonniers, aux sacrifices humains et aux rituels funéraires. Cette iconographique n’a donc rien d’érotique dans le sens entendu dans nos sociétés, et son naturalisme n’est que de surface, mettant en scène des êtres imaginaires tels des humains morts-vivants, des animaux anthropomorphisés ou des entités aux attributs surnaturels. Les interprétations proposées sont d’ordre spéculatif puisque les sources archéologiques relatives à cette civilisation ne permettent pas de connaître la réelle dimension de la reproduction et de la sexualité chez les Mochicas.
Connaissez-vous les Mochicas ? Ils occupèrent la côte nord, zone aride, de l’actuel, Pérou entre le 1er et 8ème siècle de notre ère. Cette civilisation précolombienne appelée Moche se situe au rang des plus grandes cultures indigènes des Andes, au même titre que les Incas qu’elle précède de plus de cinq siècles. Cette société andine semble être la première à atteindre le niveau de complexité sociale d’un état bâtisseur de villes dotées d’édifices monumentaux, de centres de productions artisanales (textile, métal et céramique), de quartiers réservés à l’élite et d’autres au peuple et de sites funéraires imposants (celui du « Seigneur de Sipan » ou encore les huacas, immenses sites cérémoniels de forme pyramidale).
L’imagerie sexuelle de la céramique mochica est donc liée à des contextes et des rites funéraires accomplis à la mort de dignitaires et aux sacrifices humains qui les accompagnaient. Ces pratiques renvoient à la dualité symbolique entre la vie et la mort, et à une cosmologie organisée sur ce principe dualiste. En effet pour les Mochicas, l’univers et ses composantes, sont scindés en deux moitiés et tous les éléments du monde vont appartenir à une catégorie ou à l’autre. Un ensemble de reproductions de frises montre des scènes figurant sur des bas-reliefs ou sur des vases mochicas, illustrant le rapport d’identification entre les seigneurs mochicas et leurs ancêtres mythiques, incarné par « Visage Ridé », divinité majeure. L’un des thèmes dominants dans l’art mochica et abordé ici est celui de la guerre rituelle. Durant ces affrontements et combats, étaient sélectionnées les futures victimes destinées aux sacrifices. Les vaincus étaient dépouillés de leurs attributs de guerrier et conduits nus sur le lieu du sacrifice. Ces sacrifices humains ainsi que l’échange de sang entre dirigeants dotés des symboles divins attestaient du caractère sacré du pouvoir et de ceux qui le détenaient. On remarquera la place prépondérante du « sacrifice de la montagne » dans l’iconographie mochica (entourées d’une assemblée présidée par « Visage Ridé », les victimes sont précipitées du point culminant de la montagne, égorgées ou offertes aux vautours, elles étaient décapitées par des êtres aux attributs surnaturels ou encore dépecées par des félins) qui figure le passage vers l’inframonde.

Ce sont là des morts en sursis que montrent ces fresques de sexe non-reproductif. Les scènes de chasse sont également métaphoriques et, par exemple, la chasse aux cervidés est assimilée à la guerre rituelle. Dans la pensée mochica, deux notions centrales se combinent dans l’iconographie sexuelle, la dualité symbolique et la notion d’inversion. Sur un plan visuel, ce dualisme est représenté par l’opposition des contrastes des formes et des couleurs (le blanc pour les êtres squelettiques et le rouge pour les vivants) et par la figuration d’êtres transitionnels (les borgnes, les mutilés, les futurs sacrifiés…). Il faut bien comprendre que dans la pensée mochica, le registre de la sexualité est établi sur une dichotomie entre les actes procréatifs et les non procréatifs, stériles. Les premiers sont effectués par les « Visages Ridés » garant de la reproduction à l’échelle cosmologique et les seconds par les êtres de transition ou « morts-vivants ». Par tous ces actes sexuels, les Mochicas renversent le processus mortuaire, ramenant le défunt à une nouvelle forme de vie dans l’au-delà. On notera d’ailleurs, à travers une frise illustrant un rituel funéraire, que la tombe du défunt ne doit pas être considérée comme sa dernière demeure, mais comme un conduit vers une autre dimension. Les scènes de copulation anales, pratique associée au changement d’état, montreraient donc que l’accession à cette nouvelle vie passerait par une inversion du processus funéraire.

La lecture de certaines frises révèle la très grande complexité quant à la transformation métaphysique du défunt en Ancêtre à travers un enchevêtrement d’inversions symboliques (étude facilitée par les explications détaillées proposées tout au long du parcours). La symbolique des couleurs donne immédiatement les codes de compréhension de la scène représentée. Le rouge et le blanc renvoient respectivement aux domaines de la vie et de la mort. Ce code chromatique est utilisé dans toutes les autres formes d’expression comme dans la peinture murale et véhicule ainsi le principe le plus fondamental de l’iconographie mochica. On analyse comme suit que les capes rouges portées par des êtres squelettiques évoqueraient le genre féminin et l’opposition dualiste de la vie (cape rouge) et de la mort (squelettes et cadavres blancs). Le symbolisme des couleurs s’étend aussi aux parties génitales des êtres représentés, retrouvant là encore la dualité fondatrice de la pensée mochica (par exemple, sur des êtres squelettiques blancs avec un pénis rouge, source de vitalité et couleur symbolique de la vie). Les images les plus étudiées de l’iconographie mochica traitent d’un scénario récurrent qui pourrait être un mythe fondateur de la structure des pratiques sexuelles divines. On y voit une interaction entre deux femmes et un oiseau à qui elles transmettent un bâton servant à remuer le contenu d’un récipient, posé sur un foyer. L’oiseau afféré à cette préparation est entouré de personnages avec des jarres ouvertes. Un être-oiseau ou un humain (indéterminé) gravit un escalier. Un « Visage Ridé » s’accouple avec une femme (?) dotée des attributs d’un futur sacrifié pendant que l’être-oiseau verse un liquide sur ce couple, peut-être la préparation faite auparavant. Tout ceci évoque tout un éventail d’association avec d’autres thèmes de l’iconographie mochica qui se rapporte à la croissance végétale, le versement de liquide sur le dos du couple doit favoriser la croissance de l’arbre gigantesque. La présence de singes cueillant des ulluchus dénote une association avec des rites sacrificiels. Tout indique que l’association entre « Visage Ridé », l’accouplement, la mort et le sacrifice renvoient à une relation symbolique forte entre la croissance végétale, la fertilité féminine et le versement du sang sacrificiel. Dans la représentation des actes sexuels, les artisans céramistes n’omettent aucun des détails anatomiques qui représentent de manière explicite la nature de l’acte sexuel.

visage ridé copulant avec une femme © Museo Larco, Lima photo Daniel Giannoni et Steve Bourget

La découverte de ces œuvres, longtemps réservées à un public averti, sélectionnées dans les années 1960 par Rafael Larco Hoyle, éminent spécialiste de l’archéologie précolombienne, sont autant de « curiosités » au caractère baroque ou surréaliste avant la lettre que rende passionnantes l’éclairage de Steve Bourget sur cette civilisation encore auréolée d’un certain mystère, comme le souligne Stéphane Martin, Président du musée du quai Branly.
A voir absolument, cette exposition, jusqu’au 23 mai 2010, mezzanine Est du musée du quai Branly, s’appuie librement sur le livre publié par Steve Bourget, en 2006, « Sex, Death and Sacrifice in Moche Religion and Visual Culture. »

 

Vous trouverez toutes les informations pratiques sur le site : www.quaibranly.fr
 

Catalogue de l’exposition «Sexe, mort et sacrifice dans la religion Mochica » – « Sex, Death and Fertility in Moche Religion» sous la direction de par Steve Bourget.
Coédition du musée du quai Branly et de Somogy éditions d’art.
Edition bilingue français / anglais
Format 18,5 X 26,5 cm.
112 pages – 100 illustrations.
 

Edvard Munch

ou l'Anti-Cri

Pinacothèque de Paris

Pinacothèque de Paris
28, place de la Madeleine
75008 Paris

Les horaires d'ouverture du musée
Ouverture du musée tous les jours de 10h30 à 18h.
(fermeture des caisses à 17h15).
Samedi 1er mai 2010 et mercredi 14 juillet 2010, ouverture de 14h à 18h. (fermeture des caisses à 17h15).
Les nocturnes
Nocturne tous les mercredis jusqu’à 21h (à l'exception du 14 juillet)
(fermeture de la billetterie à 20h15).
Durant les nocturnes, le service des publics organise des activités culturelles : Table-ronde, lectures, débats, projections de films, autant de propositions qui sont une façon de découvrir autrement les expositions.

retrouvez notre chronique du catalogue de l'exposition

La Plage de Calais, à marée basse, des poissardes récoltant des appâts (détail) Joseph Mallord William Turner (1830) Huile sur toile, 73 x 107 cm, Bury Art Gallery, Museum & Archives
© Bury Art Gallery, Museum & Archives, Lancashire

LEXNEWS A VU POUR VOUS...

La croissance économique réussit ce parallélisme étonnant d’une croissance minérale qui n’a rien à envier à la profusion végétale. C’est à cette éclosion qu’il nous est donné d’assister dans une exposition particulièrement bien présentée dans le cadre idéal du musée national du Moyen Âge. Les commissaires de l’exposition, Meredith Cohen et Xavier Dectot, ont mis en rapport plus de deux cents œuvres significatives de cette grande heure de l’histoire. Notre-Dame (un Adam remarquable) et la Sainte-Chapelle (de magnifiques apôtres) livrent bien évidemment des témoignages de première importance dans le cadre de cette exposition, mais des lieux disparus depuis longtemps sont également l’occasion de rencontres précieuses avec cette époque : c’est le cas de la Chapelle de la Vierge (rasée en 1802 lors du percement de la rue de l’Abbaye) dont on peut admirer le très beau portail entièrement conservé dans le cadre du musée de Cluny !

Ange, Priorale Saint-Louis-de-Poissy, Après 1297, Paris, Musée de Cluny

 Musée national du Moyen Âge © RMN / René-Gabriel Ojéda

Musée national du Moyen Âge
6 Place Paul Painlevé
75005 Paris
01 53 73 78 16

Cette exposition est coorganisée par le musée de Cluny et la Réunion des musées nationaux.

Commissariat : Jérôme Neutres et Umang Hutheesing
Scénographie : Christophe Martin


Exposition à la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent
du 10 février au 9 mai 2010
Entrée de l'exposition au 3, rue Léonce Reynaud, Paris 16ème
Ouvert du mardi au dimanche, sauf jours fériés
De 11h00 à 18h00 (dernière entrée à 17h30)
Tél. : +33 (0) 1 44 31 64 31

"Eloge du négatif. Les débuts de la photographie sur papier en Italie, 1846-1862"

Du paysage romantique à l'édition touristique en passant par le recueil pour artistes, le négatif papier permet la professionnalisation des photographes et la naissance de grandes entreprises édiotriales modernes. Dans cette aventure, photographes italiens (Giacomo Caneva, Vero Veraci, Luigi Sacchi ect), français (Eugène Piot, Frédéric Flacheron, Edouard Delessert etc) et anglais (George Wilson Bridges, Calvert Jones, James Grahan) collaborent étroitement.
Bien loin de la précision ou du réalisme photographique auxquels est habituellement associée la photographie, ces
oeuvres sont des témoignages subjectifs et intimes de la sensibilité d’une époque. Elles exigent de nous une véritable
conversion du regard.
 

Isadora Duncan (1877 - 1927) "Une sculpture vivante"
Le musée Bourdelle

 Isadora Duncan sur la plage à Venise, 1903 ou 1905, Anonyme
Crédits photo : Cologne, Archives de de la danse

Cette exposition rassemble environ 35 sculptures, 25 peintures, 150 dessins, 100 photographies, 5 pièces de costumes ainsi qu’une cinquantaine de documents divers (ouvrages, affiches, programmes, manuscrits…), des extraits de films, appartenant à des collections privées ou à des institutions
françaises et étrangères.

Antoine Bourdelle (1861-1929)
Isadora, s.d.
Plume et encre violette sur papier vélin, 22,9 x 14 cm
Musée Bourdelle, Paris
© Musée Bourdelle/Roger-Viollet

© JIFA/ DR

Soirée d’ouverture mercredi 20 janvier à 19h30
Soirée d’hommage à Luciano Emmer à 20h30

Formidable médium d’initiation à l’histoire des arts, le film sur l’art offre également des occasions uniques d’incursion au cœur même de la création artistique.
Les Journées internationales du film sur l’art proposent une sélection de productions récentes, des tables rondes et des rencontres avec les cinéastes et, en intégralité, le palmarès du Festival international du film sur l’art de Montréal 2009.
Les films non francophones sont proposés en vostf ou en traduction simultanée.

En partenariat avec le Fresnoy – Studio national des arts contemporains.
Avec le concours de la Délégation générale du Québec à Paris, de l’Institut polonais, du Goethe Institut, de l’Institut néerlandais, du Centre culturel canadien, de l’Institut culturel italien , du Centre Culturel italien et du Festival international du film sur l‘art de Montréal.
C’est un événement qui donne la mesure de l’évolution des tendances en matière d’expression artistique et qui propose une double rencontre : celle des cinéastes qui posent leur regard sur le travail et les oeuvres des créateurs de disciplines aussi différentes que la peinture, la photographie, le théâtre, la musique, la danse ou la littérature.

 

24 films sur 5 jours
dont 19 primés au FIFA 2009 – Festival International du Film sur l’Art de Montréal
Une table ronde “Filmer la sculpture” animée par Christophe Viart, le jeudi 21 janvier à 16h
Hommage à Luciano Emmer le jeudi 21 janvier à 20h30

Samuel Bianchini

"All Over"

Musée du Jeu de Paume

Reconstruction Sea 0°-135°
1972-1973
© ADAGP, 2010

ARTISTE D’ABOMEY dialogue sur un royaume africain

Au musée du quai Branly, là où dialoguent les cultures, Gaëlle Beaujean Baltzer, commissaire de l’exposition « Artistes d’Abomey – dialogue sur un royaume africain » et ses collaborateurs, Joseph Adandé et Léonard Ahonon, proposent, sur la Mezzanine Est, de partir à la découverte des familles d’artistes vouées aux dirigeants du royaume du Danhomè (actuel Bénin). C’est avec subtilité que ce parcours parmi les trésors des derniers souverains de cette vieille dynastie souligne l’importance, tant sur le plan artistique, ethnographique qu’historique, de la véritable place que l’on doit reconnaître à l’Afrique dans l’Histoire. Les œuvres de cour présentées ici témoignent des contacts entre la France et le Danhomè. Offerts comme cadeaux diplomatiques, collectés, donnés ou encore pris arbitrairement comme butin de guerre, ces objets, comme le souligne Stéphane Martin Président du musée du quai Branly, ne doivent pas être regardés comme une simple collecte, mais comme un moment de l’histoire du monde qui dit la rencontre entre la colonisation française et le dernier royaume africain. Le travail de Gaëlle Beaujean Baltzer permet de lever l’anonymat des artistes et des familles d’artistes qui créaient et exécutaient les commandes des rois. C’est sur cette question que se penchent aujourd’hui les historiens de l’art africain, ainsi que sur la place sociale et historique de ces créateurs de formes et de messages visuels.

marteau de divination © musée du quai Branly, photo Thierry Ollivier, Michel Urtado / plateau de divination © musée du quai Branly, photo Patrick Gries

Mais, une question demeure : Les artistes africains peuvent-ils ou même doivent-ils tous rester anonymes ? Le secret qui entoure la conception et la réalisation d’une œuvre explique-t-il à lui seul cette réalité ? Si cet anonymat est de règle dans la production africaine, bien qu’on parvienne parfois à reconnaître la griffe des artistes, ou bien celle d’un atelier, celui-ci cependant est écarté pour l’art de cour au royaume d’Abomey. Les quatorze rois qui s’y sont succédé se sont entourés d’artistes de diverses origines, Yoruba, Fon, Mahi ou Haoussa. Dans cet art de cour, les œuvres sont immédiatement associées à son commanditaire : le roi ; mais la technique, les matériaux et le type d’objets permettent d’identifier une signature et un savoir-faire maîtrisé par un artiste ou une famille d’artistes. On apprend par exemple que la famille des Hountondji travaille les métaux précieux, le cuivre et l’argent, alors que les Yémadjé, Hatan et Zinflou sont spécialistes des soies et cotons d’importation dont ils confectionnent leurs tentures appliquées (4 splendides tentures et celle du roi Ghézo ou encore celle des amazones du royaume). Les artistes de la cour d’Abomey sont de véritables historiens de l’oralité et du visuel, ainsi les traditions coutumières ont-elles été préservées avec bien plus de précisions que d’autres.

asen (autel portatif) du roi Béhanzin © musée du quai Branly, photo Patrick Gries / pipe Agoli-Agbo © musée du quai Branly, photo Michel Urtado, Thierry Ollivier

L’exposition présente les chefs-d’œuvre attribués à ces artistes d’Abomey comme la statue du dieu Gou d’Ekplékendo Akati, celle des rois Glèlè et Bézhanzin de Sossa Dede, qui trône dans le premier espace de l’exposition. Il y a donc une mémoire des noms des artistes dans le royaume d’Abomey. L’art n’était pas que celui de l’objet, de l’accessoire royal ou guerrier ni du vestimentaire, il y avait aussi l’architecture des palais, des bas reliefs polychromes et des portes sculptées de symboles (par exemple la présence de huit crapauds qui apportaient paix, fraîcheur et protection pour les fils du pays) ont fait de ces demeures une vitrine du royaume à travers le monde et était l’orgueil des souverains ; « Il faut dire que si la terre rouge du d’Abomey pouvait parler, elle nous raconterait tant de faits qui se sont passés dans ces cours, derrière ces murs… » dit Léonard Ahomon conservateur du site des palais royaux d’Abomey. (Lire l’article de Bérénice Geoffroy-Schneiter dans le Beaux-Arts éditions). Les quelques portes et bas-reliefs exposés donnent une note haute en couleur de ce que devait être l’ensemble des palais royaux, véritable « royaume dans le royaume ». Sur les murs des palais (véritables chroniques visuelles) se lisent alors l’expansion du territoire, les acquisitions matérielles et spirituelles, car ce sont bel et bien les murs qui parlent à Abomey ! Comme chaque nouveau roi faisait construire un nouveau palais près de celui de son prédécesseur, on imagine facilement à travers ces constructions et leurs façades, l’excellence des artistes de la cour d’Abomey.

PRESENCE AFRICAINE

Le concept de cette exposition dossier, avec des documents écrits, des lettres d’artistes comme Picasso, André Breton et bien d’autres qui se sont politiquement et artistiquement positionnés par rapport à l’Afrique et au colonialisme, des vidéos d’ethnologues, anthropologues, cinéaste, poètes et écrivains exprimant la nécessité d’avoir créé avec Alioune Diop cette revue, les nombreuses couvertures des numéros de la revue, permet de révéler au public, le rôle méconnu des intellectuels africains, antillais, malgaches, et noirs d’Amérique, dans la vie intellectuelle française et mondiale et aussi de connaître la personnalité et le travail d’Alioune Diop, « le Socrate noir » comme l’appelait Léopold Ségar Senghor, trop peu connu de nos compatriotes.

Cette exposition questionne et donne les réponses à ces questions, suivant un plan de parcours établit par Sarah Frioux-Salgas, commissaire de cette exposition, qui comme Georges Balandier, rappelle qu’il ne faut pas oublier que les problématiques des études postcoloniales avaient déjà été abordées par les acteurs de « Présence africaine » dès les années 50, et que si le nom de la revue est célèbre, son contenu, ses éditions et son apport et impact sont eux largement méconnus, et cette exposition a la charge de nous les faire découvrir. C’est en quatre grands chapitres que se découpe le parcours proposé : « L’atlantique noir, du panafricanisme à la négritude » est consacré aux sources de la négritude, aux échanges culturels et politiques entre l’Afrique, les États-Unis et la France dans les années 1930. La seconde partie expose le projet et l’engagement qu’incarnent la revue et la maison d’édition « Présence africaine ». Un troisième espace intitulé « 1956 -1959 : Les intellectuels noirs débattent » s’attache à présenter les idées et les principes de « Présence africaine » exposés au cours de deux colloques organisés par la revue en 1956 et 1959. Un premier congrès des écrivains et artistes noirs venus des Antilles, des États-Unis, de Madagascar, des Caraïbes Er d’Afrique doit faire l’inventaire de la culture noire, du combat politique et culturel afin de commencer à apporter une réponse au questionnement de toutes ces personnalités réunies : comment se définir quand on n’a pas de culture commune ? Que faire de l’héritage commun que constituent le racisme et l’esclavage quand on est un intellectuel ? C’est Pablo Picasso qui en créera l’affiche. Une quatrième partie est consacrée à « Dakar 1966 : les arts d’Afrique en Afrique ». Cette année 1966 est en effet marquée par la création du premier festival des arts vivants et anciens de Dakar. La France et le Sénégal coordonnent ensemble l’exposition des arts anciens sous l’égide d’André Malraux et de Léopold Sedar Senghor. « Le festival est un moment crucial pour dire, frères africains, ce que nous avons depuis toujours à dire, et qui n’a jamais pu franchir le seuil de nos lèvres », dira alors Amadou Hampathé Bâ. Dès 1951, « Présence africaine » consacra un numéro spécial sur les arts africains, c’est cette même année que « Présence africaine » commande le film « Les Statues meurent aussi » à Alain Resnais qui fut censuré en 1953.
Les 40 documents d’archives, les 110 photographies et les 19 objets qui forment cette exposition dossier, donne l’unique occasion pour le visiteur de découvrir, pour la première fois dans une institution muséale, l’histoire de la revue « Présence africaine » et de comprendre chronologiquement les réflexions et démarches intellectuelles, culturelles et politiques de ce mouvement littéraire. Indispensable, la parution du numéro spécial « Graghiva au musée du quai Branly – Présence africaine : les conditions noires : une généalogie des discours » qui est une source de documents historiques, bibliographiques, photographiques et d’études de chercheurs retraçant la création de la revue et le travail de fond de ces protagonistes. À lire et relire avant (comme introduction), pendant (comme guide et sources de références) l’exposition et après (comme mémo), car la densité des informations qu’apporte cette promenade culturelle nécessite un support de qualité, ce qui est le cas de cette parution.
Comme à son habitude, le musée du quai Branly stimule la curiosité et montre là la largesse de sa mission interculturelle.

MATISSE & RODIN

Musée Rodin

jusqu'au 28 février 2010

Henri Matisse (1869-1952) avait trente et un ans lorsqu’il rencontre Auguste Rodin (1840-1917) lui-même âgé de soixante ans. Bien que rien dans cette rencontre (en 1899) n’enthousiasme follement Matisse, ce dernier n’a jamais caché son admiration pour celui qu’il qualifie de « très grand sculpteur ». Ces deux immenses artistes qu’une génération sépare ont tous les deux bouleversé les codes académiques dans la sculpture comme dans la peinture de leur époque.
Nadine Lehni, commissaire de l’exposition « Matisse & Rodin » rassemble ces deux maîtres sur un terrain commun : le dessin et la sculpture. Si ces deux figures majeures de l’histoire de l’art des XIXe et XXe siècles représentent pour le grand public, l’un, Rodin, la sculpture et l’autre, Matisse, la peinture, il n’est pas moins vrai que leur attachement à la figure humaine les ont conduits tous les deux à observer avec un nouveau regard, dessiner, modeler avec de nouveaux gestes les corps de leurs modèles, étudier ceux en mouvement, chez les danseuses et danseurs qui grâce à Isadora Ducan et Nijinski libérèrent la danse.
C’est dans un couloir de dessins de ces deux grands artistes que débute cette exposition. Que l’on soit admiratif, attentif par l’évolution et la qualité des traits allant du plus conventionnel au plus essentiel, au plus épuré, et même intimidé par la liberté, la sensualité des poses inattendues, acrobatiques, voire érotiques, des modèles, voici le premier choc de ces deux Titans. « Mon dessin au trait est la traduction directe et la plus pure de mon émotion. La simplification du moyen permet cela… », propos de Matisse dans « Notes d’un peintre sur son dessin » en 1939. « C’est bien simple, mes dessins sont la clef de mon œuvre : ma sculpture n’est que du dessin sous toutes les dimensions… » dira Rodin à René Benjamin en 1910. Dans leurs déclarations mêmes, Matisse et Rodin ressentent un besoin d’épurer le dessin puis la sculpture et certainement la pensée pour aboutir à ces séries d’œuvres sculptées.

Rodin, La voix intérieure, Plâtre
vers 1894, Musée Rodin
© musée Rodin - Photo : C. Baraja

Le premier modelage de Matisse (1899-1901), d’après l’artiste animalier Barye présente déjà une vision et un traitement nouveau d’un sujet résolument classique d’une scène de chasse. Les deux animaux se fondent quasiment l’un dans l’autre. C’est après l’acquisition du « Buste d’Henri Rochefort » plâtre original de Rodin, que Matisse se met au travail et géométrise très sensiblement les traits d’Henri Rochefort, sans doute une des prémices de la révolution latente dans l’art de la fin du XIXe et le début du XXe siècle.
Ici Matisse se saisit et se démarque aussi de la sculpture de Rodin « en réalisant un travail d’architecture, remplaçant les détails explicatifs par une synthèse vivante et suggestive… » selon l’artiste. C’est dans une grande douceur que l’on passe d’un espace à l’autre, on se retrouve alors devant un bronze, persuadé reconnaître une ébauche de «L’homme qui marche» de Rodin, mais le sentiment éprouvé incite à regarder la sculpture plus attentivement, à tourner autour et à comparer, et là, oui, c’est du Matisse ! Cette sculpture emblématique qu’est « Le Serf (1900-1903)», Matisse aura mis trois ans à la réaliser après de très nombreuses séances de pose. Ce fut une aventure proche de celle de

« L’homme qui marche (1877) » de Rodin, qu’il aura vu en 1900 dans une exposition en marge de l’exposition universelle. « Le Serf » est assurément la première statue indépendante du siècle naissant, avec les traces des doigts de l’artiste laissées dans la terre, l’aspect brut de tous ces défauts reconnus comme nécessaires à l’œuvre, mais « cette statue qui, partant d’une conception voisine de celle de Rodin, devient quelque chose d’autre, plus rude et partiellement informe, mais extrêmement expressif.» (Jean Puy « Souvenirs » 1939). C’est accidentellement qu’en 1908 les bras sont cassés et que Matisse radicalise cette amputation avant de couler en bronze la figure ainsi tronquée. Il emprunte alors cette voie originale et audacieuse ouverte par Rodin, avec ces corps sans tête, sans bras ou sans jambe, dans laquelle les deux sculpteurs ont le souci essentiel d’évoquer de la façon la plus expressive possible un geste particulier.
« …Je ne corrige pas la nature, je m’incorpore à elle, elle me conduit. Je ne puis travailler qu’avec un modèle. La vue des formes humaines m’alimente et me réconforte. » Rodin « …Je dépends absolument de mon modèle que j’observe en liberté, et c’est ensuite que je me décide pour lui fixer la pose qui correspond le plus à son naturel. » Matisse. L’approche même de la relation avec les modèles qu’ont Matisse et Rodin leur confère une sorte de pensée commune, de respect de la liberté de mouvement, ne serait-ce pas là aussi une transformation radicale de l’appréhension du modèle qui n’est plus un objet sur lequel l’artiste impose son désir, mais une source de sensations pures et rapides à exprimer de toute urgence dans la terre glaise ? Et comme Rodin, Matisse en tant que sculpteur préfère le modelage de l’argile à la taille directe. Matisse et Rodin ont la même adoration pour le nu féminin, l’un et l’autre ont besoin de travailler “d'après nature” et tous leurs dessins d’étude de corps féminins montrent un certain hymne à la femme. C’est cette approche du modèle qui chez ces deux artistes déclenchera le processus de création.

Matisse, La Serpentine, Bronze,
1909, coll.musée Matisse de Nice
© succession H. Matisse - Photo : F. Fernandez